Der Gapers-Block wurde vom 22. April 2003 bis zum 1. Januar 2016 veröffentlicht. Diese Website bleibt archiviert. Besuchen Sie bitte Third Coast Review, eine neue Website, die von mehreren britischen Alumni erstellt wurde. ✶ Vielen Dank an Ihre Leser und Beiträge. ✶
Ich habe mich entschlossen, den Sprung zu wagen und den letzten Beitrag auf Gapers Block zu schreiben, und ihn dann für etwa eine Stunde auf Eis gelegt. Ich war ein Jahr lang Redakteurin und fast drei Jahre lang Autorin von Theaterstücken und Romanen. Weniger als viele andere etablierte Autoren von Gapers Block, aber in dieser Zeit habe ich 284 Artikel verfasst. Ich werde Gapers Block sehr vermissen. Es ist intellektuell und emotional bereichernd, einen Ort zu haben, an dem man regelmäßig über die Künste schreiben kann, die ich liebe – Theater, Kunst, Design, Architektur und manchmal auch Bücher oder Musik.
Mein erster Artikel erschien im Mai 2013 auf der Webseite des Buchclubs. Es handelte sich um einen Beitrag über den Punkrock-Künstler Richard Hell aus den 70ern, bekannt für sein „Please Kill Me“-Shirt. Er sprach, beantwortete Fragen und signierte sein neues Buch in einem Bücherkeller in der Lincoln Avenue (ich träumte davon, ein sehr sauberer Penner zu sein). Ich hatte das Glück, den Bassisten und Sänger neben Bands wie den Voidoids, Television und den Heartbreakers zu sehen. Umso besser, als mich die Redakteurin des Buchclubs bat, einen Essay über ihn zu schreiben.
Es mag die Pop-Art Ihres Vaters sein, aber die Werke der neuen Ausstellung im Museum of Modern Art sind nach wie vor aktuell und faszinierend. Die Kunst, die vor 50 Jahren die Kunstwelt schockierte, hat auch heute noch Geschichten zu erzählen.
Die von MCA organisierte Ausstellung „Neo-Pop Art Design“ vereint 150 Kunst- und Designobjekte in einer Schau voller Witz und Kühnheit. Sie erinnert daran, wie Andy Warhols „The Art of Campbell’s Soup Can“ anfangs von Laien verspottet wurde. Erst dann erwachten die Elitesammler und begannen, Warhols Werke zu erwerben.
Die Wahrheit aufzudecken, unerzählte Geschichten zu erzählen und traumatische Erlebnisse loszulassen, kann eine spirituelle und emotionale Reinigung bewirken. In Corinne Petersons Projekt „Kane“ in Chicago sind Teilnehmende eingeladen, an Ton- und Porzellanworkshops teilzunehmen und ihre Traumata zu teilen, um ihnen neues Leben einzuhauchen. Sie wurden aufgefordert, aus Ton einen „Stein“ zu formen, der ihre innere Dunkelheit oder ihr Trauma symbolisiert, und anschließend ein kleines Lichtsymbol aus Porzellan zu gestalten. Nach dem Seminar zeigte Peterson einen Hügel aus dem Ton und legte ein Porzellansymbol als Hoffnungsschimmer darüber.
Aktuell ist im Lillstreet Art Center die Ausstellung „Peterson's Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope“ zu sehen, die von Mitgliedern aus mehr als 60 Workshops geschaffen wurde und zahlreiche Tonskulpturen umfasst, die zur Meditation und Reflexion einladen.
Ich setzte mich mit dem Künstler auf zwei Meditationsstühle im Ausstellungsraum und wir diskutierten über die Ideen hinter Kanes Projekt sowie über die Universalität von Trauma und Hoffnung.
Studenten, Fotografen und Chicago-Geschichtsbegeisterte sind fasziniert von Richard Nichols Ode an die Stadt und ihre Geschichte. Doch die gängige Diskussion um die Nickel-Münzen ist nichts weiter als eine Legende: Menschen, die ihr Leben für den Bau gaben.
Glücklicherweise hat der in Chicago ansässige Verlag Urban Archives Press sein zweites Buch über den Fotografen und Aktivisten Richard Nickell veröffentlicht: „Dangerous Years: What He Sees and What He Writes“. Dieses Buch bietet eine besondere Gelegenheit, Nickells Werk kennenzulernen und gleichzeitig durch über 100 Fotografien und weitere 100 Dokumente, von denen viele von Nickell handschriftlich verfasst wurden, mehr über ihn als Person zu erfahren.
Faltblatt mit einem Brief über Nickels Studium an der Designschule und einem frühen Selbstporträt.
Acht junge iranische Fotografen, die verschiedene geografische Regionen ihres Landes repräsentieren, veranstalteten kürzlich eine seltene Ausstellung im Bridgeport Arts Center in der West 35th Street 1200. Die Ausstellung ist bis heute zu sehen.
„Journey Inward“ präsentiert die Arbeiten eines größeren Projekts, an dem acht iranische Fotografen beteiligt sind, die ihr Land mit Einfühlungsvermögen porträtieren. Das Projekt besteht aus zwei Teilen. Zunächst nehmen die Künstler an Schulungen teil, um in Workshops und durch weitere Angebote von anderen Branchenvertretern zu lernen. Die Ausstellung bildet den zweiten Teil des Projekts.
Vielleicht sind Ihnen schon die Werbebanner in der Innenstadt oder die treuen Kunden aufgefallen, aber nächsten Monat kehrt die „One of a Kind Show and Sale“ mit ihrem 15. jährlichen Weihnachtsverkauf zurück. Das Kunsthandwerker-Shopping-Event bringt über 600 Künstler, Kunsthandwerker und Designer aus den gesamten Vereinigten Staaten zusammen.
Am 13. November eröffnet die Elephant Room Gallery eine neue Ausstellung der aus Illinois stammenden Künstlerin Jennifer Cronin. Ihr neues Projekt „Shuttered“ zeigt eine Sammlung von realistischen Hauszeichnungen heruntergekommener Viertel im tiefen Süden der USA. Im Folgenden finden Sie ein E-Mail-Interview, in dem Cronin über ihre Anfänge in der Malerei, ihr Interesse an der Architektur Chicagos und ihre Detailgenauigkeit spricht.
Gruselige und schaurige Ereignisse haben uns in diesem warmen Herbstwetter alle erfreut. Hexen und Eichhörnchen im Flur fressen schon Kürbisse auf der Veranda, und ich hoffe, ich bin nicht die Einzige, die in dieser Halloween-Saison mit unheimlichen Erlebnissen rechnet. Hier ist also eine Liste mit 14 spannenden Theateraufführungen und anderen künstlerischen Aktivitäten (in keiner bestimmten Reihenfolge), mit denen ihr Halloween dieses Jahr feiern könnt.
Chicagos einzige „Retro-Entertainment“-Destination bietet Ihnen bis Ende Oktober jeden Abend Burlesque, Comedy, Zirkus, Magie und ausgelassenes Partyleben. Jeden Montag um 19:00 Uhr präsentiert das Hexen-Cabaret ein exklusives Programm. Um 20:00 Uhr erwarten Sie weitere magische Shows im Uptown Underground mit Gore, Striptease, Zirkuskunst und vielem mehr. Zutritt ab 21 Jahren. Voranmeldung empfohlen. Klicken Sie hier für weitere Informationen.
In diesem Jahr findet zum 17. Mal die Benefiz-Kunstauktion des Chicago Museum of Modern Art statt, die nach fünf Jahren Pause wiederaufgenommen wurde. Werke von über 100 Künstlern, von Gemälden bis hin zu Skulpturen, werden diesen Freitag vor über 500 Gästen versteigert.
Das MCA hat in der Vergangenheit bereits mit großem Erfolg Kunstauktionen für Museen veranstaltet. 2010 erzielte das Museum 2,8 Millionen US-Dollar durch Gebote und konnte den Erlös auf mehrere Geschäftsjahre verteilen. „Alle Gelder fließen direkt in die Kernaufgaben des MCA“, so Michael Darling, Chefkurator des James W. Alsdorf Museums, dessen Aufgaben unter anderem die Mittelbeschaffung für Programme und Bildungsangebote des Museums umfassen.
Fragmente unserer Psyche werden zu zusammenhängenden Erinnerungen zusammengefügt; die Freude am Beobachten und Feiern alltäglicher Aufgaben durch visuelle Verbindung, Dialog und Ästhetik steht im Mittelpunkt von Lynn Peters' Skulpturen und Tonarbeiten.
Im Lillstreet Arts Center konzentriert sich die Ausstellung „Spontaneity Made Concrete“ auf Momentaufnahmen des Lebens. Die an den Wänden hängenden Werke zeigen Tiere, Menschen und Formen, die zu einer mehrdimensionalen, gleichzeitig existierenden Darstellung beitragen. Peters nutzt Fotografie und Text, um die Betrachter zu aktivieren und kombiniert verschiedene Medien als Hintergrund für einen skulpturalen Kern. „Stolen Moments“ ist ein großformatiges Werk mit vier Skulpturen – Freiheitsstatue, Denker, Mona Lisa und Ohne Titel –, einem gleichnamigen Keramiklogo und einer Schwarz-Weiß-Fotografie. Thematisch und in der Präsentation ist dieses Werk das experimentellste der Ausstellung und nutzt Fantasie, Fragmentierung und Vision als Erkenntnisquellen. Das Bild des Einkaufswagens vor dem Ark Thrift Store entstand in Wicker Park, im Hintergrund sind vier Skulpturen an der Wand zu sehen. Obwohl der Laden mit Kleidung, Möbeln und Nippes vollgestellt war, bemerkte Peters, dass der veraltete und kaputte Einkaufswagen das Symbol der Arche für die Gegend sei. Im Inneren des Wagens befinden sich, wie in der Arche, unbekannte Geheimnisse, ein Haufen Lumpen und die Modetrends des letzten Jahres.
VICO in Mexiko-Stadt ist ein Videoprojekt, das Workshops und Seminare zur Auseinandersetzung mit experimentellem Film und Kinematografie veranstaltet. Kürzlich präsentierte VICO erstmals in Chicago die Ausstellung „Antimontage, Correcting Subjectivity“, die eine Reihe von Kurzfilmen von Studierenden eines von Javier Toscano geleiteten Workshops umfasste. Die von Little House und Comfort Film gemeinsam organisierte Ausstellung zeigt elf Kurzfilme von unkonventionellen Künstler*innen und Kreativen, die sich selbst gar nicht als Künstler*innen verstehen.
Der Film ist eine Reihe von verfremdeten Bildern, YouTube-Videos und politischen Kontexten, die die kulturelle und digitale Welt Mexikos umfassen. In Dulce Rosas' „My Sweet 15“ nahmen mehrere junge Frauen an ihrer Quinceañera teil und führten Aufführungen durch. Traditionell tragen diese Frauen zu ihrem 15. Geburtstag prächtige Kleider, Schmuck und Make-up. In dem Kurzfilm verwendet Rosas Aufnahmen von Mädchen, die tanzen, feiern und sich auf die bevorstehende Feier vorbereiten. Zu Beginn des Films sieht man ein Mädchen weinen und jemanden umarmen. Sie symbolisiert eine oder mehrere zukünftige Rollen bei der Quinceañera. Der Kurzfilm wurde gewürdigt, indem mehrere Szenen die Mädchen zeigen, wie sie unbeholfen mit Puppen tanzen oder neben teuren Autos posieren. Auf den ersten Blick wirkt es wie ein typisch amerikanischer Teenager-Abschlussball.
Die Chicago Expo 2015 präsentierte am Wochenende in der Navy Pier Festival Hall 140 Galerien aus aller Welt. In festlicher Atmosphäre veröffentlichte THE SEEN, die unabhängige Redaktion der Ausstellung, ihre erste Printausgabe, und /Dialogues veranstaltete drei Tage voller spannender Podiumsdiskussionen und Vorträge. IN/SITU präsentiert großformatige Installationen und ortsspezifische Arbeiten in weitläufigen Hallen innerhalb und außerhalb des Navy Pier.
Das einprägsamste Werk des IN/SITU-Projekts, wohl aufgrund seines Standorts, ist Daniel Burens „Three Windows“, das den Raum erhellt und, von der Decke hängend, Farben ausstrahlt. Der Rest der Ausstellung ging im Besucheransturm unter, und die aufgeregten Blicke richteten sich auf die kleineren Objekte im Stand, während sie immer wieder nach oben schauten, um die Verkäufe anzukurbeln.
Künstler wie John Rafman oder Paolo Sirio, die vorwiegend Google Street View als Medium nutzen, schaffen eindringliche und verstörende Bilder, die oft die Grenzen des rechtlichen Datenschutzes verwischen. Das Fotografieren von Menschen auf Straßen, in Gassen und auf Rasenflächen weltweit ist zwar faszinierend, doch nutzen diese Künstler die Öffentlichkeit und andere Werkzeuge auch, um den öffentlichen Raum zu konzeptualisieren. Seit 2007 hat sich die Panorama-Technologie von Google Maps und Google Earth zu einer ungewöhnlichen und oft einfachen Möglichkeit entwickelt, Orte zu sehen, die man nie besucht hat oder nicht besuchen wollte.
Man stelle sich Mark Fisher vor, einen Sammler seiner Entwürfe, und seine jüngste Ausstellung „Hardcore Architecture“ in Franklin. Vor dem Empfang zur Vernissage interviewte ich Mark per E-Mail.
An diesem Wochenende werden über 30 eingeladene Künstler ihre Werke beim Around the Coyote Festival im Flat Iron Arts Building in Wicker Park präsentieren.
Rund um Coyote findet ein dreitägiges Festival statt, das die Kunst und die Künstler von Wicker Park feiert. Von Freitag bis Sonntag können Besucher das Flat Iron Arts Building betreten, Künstlerateliers besuchen, Live-Musik genießen und Theateraufführungen ansehen. Das Festival beginnt am Freitag mit einem festlichen Abendessen von 18:00 bis 22:00 Uhr.
Synästhesie ist, wie der Name schon sagt, eine „Empfindung, die in anderen Körperteilen als dem simulierten wahrgenommen wird“ und tritt am häufigsten im Zusammenhang mit Musik auf, die als Farbe wahrgenommen wird. Bekannte Beispiele für diese Phänomene sind David Hockney, Duke Ellington und Vladimir Nabokov.
In einer laufenden Ausstellung im Internationalen Museum für Chirurgische Wissenschaften erforscht Stevie Hanley Alltagserfahrungen und erweitert die Grenzen einer einzelnen Handlung zu einer umfassenderen Betrachtung verschiedener Perspektiven, Emotionen und Assoziationen. Hanley übersetzt medizinische Zustände in die Form von Kunstausstellungen. Seine Fähigkeit, Farben und Bilder mit persönlichen, teils erschreckenden, teils faszinierenden Beobachtungen zu verknüpfen, wird in der Ausstellung „Synästhesie“ eindrucksvoll präsentiert.
Das Internationale Museum für Chirurgische Wissenschaften ist gefüllt mit medizinischen Instrumenten, Geräten, Erfindungen und Geschichten, die zu den bizarren und teils mysteriösen Zuständen der Ausstellung beigetragen haben. Hanley lädt die Besucher in zwei Galerieräume ein; beide beinhalten Videoprojektionen und Installationen, und nur in einem davon ist Dolly Parton zu hören.
Petr Skvaras Ausstellung „Approaches“, bestehend aus Emaille-Gemälden auf einem Raster und einer Fragmentensammlung mit dem Titel „Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts“, ist derzeit in der Andrew Rafach Gallery in River West zu sehen. Die Zeichnungen basieren auf Flaggenzeichen, die zur Kommunikation zwischen Schiffen verwendet wurden, und deren Bedeutung sich im Titel widerspiegelt. Einige Gemälde zeigen Bedeutungen, die sich miteinander verbinden lassen, wie beispielsweise „I'm drifting / Will you give me my place“ (2015, Emaille auf Raster). Andere Werke hingegen haben als Sammlungen von Aussagen eine andere, ungewohnte Bedeutung. Ein Gemälde trägt die Inschrift: „You are in danger of being stranded / I am moving forward“, ein düsterer Ausdruck für alle, die Hilfe benötigen.
Die Pressemitteilung der Galerie zur Ausstellung „Approximation“ hebt die Schönheit und das Erhabene hervor, die mit der Vorstellung eines Schiffes auf dem weiten Meer verbunden sind. Ein anderer Ausdruck des Erhabenen ist das Streben nach Perfektion in den präzisen Linien der Semaphore – ein menschlicherer Zugang zur Malerei als zum Siebdruck.
Das in Chicago ansässige Architekturbüro VOA Associates, Inc. wurde zum Gewinner eines sechsmonatigen Architekturwettbewerbs gekürt, der von der Richard H. Driehaus Foundation finanziert wurde.
VOA Associates wird den Pullman Art Space im historischen Viertel Pullman entwerfen. Dieser wird 45 bezahlbare Wohnungen zum Wohnen und Arbeiten sowie Unterrichtsräume, Ausstellungsflächen und Werkstätten umfassen. Artspace Project Inc. hat seinen Hauptsitz in Minneapolis und Niederlassungen in Los Angeles, New Orleans, New York, Seattle und Washington D.C.
Mit der Schaffung dieses kreativen Raums hoffte VOA Associates, die historische „Signatur des legendären Pullman District“ zu respektieren und diejenigen willkommen zu heißen, die sich für kreatives Weben im öffentlichen Raum interessieren.
Insgesamt waren 20 Architekturbüros vertreten, von denen zehn ins Halbfinale kamen. Die drei Finalisten erhielten jeweils 10.000 US-Dollar zur Weiterentwicklung ihrer Konzepte, und VOA ging als Sieger hervor. Pullman Art Space setzt sich dafür ein, Pullmans Status als führendes Kunstzentrum zu erhalten, indem es seinen Bewohnern einen inspirierenden kreativen Treffpunkt bietet.
Seit dem 4. Oktober füllen neunzehn Skulpturen des Chicagoer Bildhauers Charles Ray drei große Galerien im zweiten Stock des Modernen Flügels des Art Institute. Die meisten Werke sind figurativ und erzählen ihre eigenen Geschichten, wie beispielsweise „Schlafende Frau“, eine lebensgroße Edelstahlskulptur, die eine obdachlose Frau auf einer Bank schlafend darstellt. Einige sind jedoch überraschend gegenstandslos, und zwei von ihnen schockierten die Museumskuratoren.
„Unpainted Sculpture“ (1997, Fiberglas und Farbe) ist eine detailgetreue Nachbildung eines Pontiac Grand Am Crusher von 1991. Ray suchte nach einem geeigneten, nicht zu stark beschädigten Unfallwagen und zerlegte ihn, um jedes Teil aus Fiberglas zu fertigen und anschließend zu einem Auto zusammenzusetzen. Mehrere Personen verbrachten fünf Tage damit, die Skulptur in der Modern Wing Gallery zu montieren.
Ich war erst einmal im Hancock Tower und hätte nie gedacht, dass ich mal eine Kunstgalerie besuchen würde, aber man lernt ja nie aus. Ich hatte viel Spaß und fand mich inmitten einer großen Gruppe von Touristen und Fotografen wieder, die neben einer riesigen Skulptur posierten und lächelten, die von der Decke der Halle hing. Um in die Galerie zu gelangen, musste ich an einem Sicherheitsschalter anhalten, wo mein Führerschein gescannt wurde und ich eine Quittung mit Barcode erhielt, die mir den Zutritt durch ein futuristisches Tor ermöglichte. Sobald sich die Tür öffnete, war ich im Aufzug und konnte endlich die Kunst betrachten. Als ich mich den Glastüren der Richard Gray Gallery näherte, fühlte ich mich irgendwie fehl am Platz.
Die in den 1960er-Jahren gegründete Galerie ist ein wichtiger kreativer Treffpunkt für Künstler aus Chicago und New York. Sie richtet sich an Sammler und legt Wert auf hochwertige, authentische und erstklassige Kunst. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy und Jaume Plensa sind nur einige Beispiele für die von der Richard Gray Gallery vertretenen Künstler.
Die neueste Ausstellung „Body Building“ eröffnet am 6. Juli im Foyer der Haupthalle der Galerie und präsentiert Werke von Susan Rothenberg und David Hockney. Die von Gan Ueda und Raven Mansell kuratierte Ausstellung zeigt Arbeiten von den 1900er Jahren bis heute und beleuchtet das Verhältnis zwischen der menschlichen Gestalt und ihrer architektonischen Betrachtungsweise. Die Werke umfassen den Zeitraum von 1917 bis 2012 und zeigen eine Vielfalt an Materialien und Techniken, darunter Wachs, Tinte, Wolle, Bleistift und Collage.
Das Museum of Modern Art setzt seine kühne Auseinandersetzung mit der Verschmelzung von bildender Kunst und anderen kreativen Ausdrucksformen fort. Die kürzlich eröffnete Ausstellung „Prinzipien der Freiheit: Experimente in Kunst und Musik 1965 bis heute“ feiert das 50-jährige Jubiläum der Chicagoer Experimental-Jazz-Gruppe Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), die die Grenzen des Jazz weiterhin erweitert.
Die am 11. Juli eröffnete Ausstellung erstreckt sich über die Galerien im vierten Stock des Museums und umfasst mehrere großformatige Installationen sowie Wände mit farbenprächtigen Gemälden, die die Lebendigkeit und den Charme der Musik widerspiegeln. Zahlreiche Archivmaterialien wie Fotografien, Plakate, Schallplattencover, Banner und Broschüren liefern einen umfassenden historischen Kontext.
Wabash Lights sammelt im Rahmen seiner Kickstarter-Kampagne Spenden für eine Kunstinstallation unter dem Buchstaben „L“ auf der Wabash Avenue. Durch die Umgestaltung der Brücke vom See zur Van Buren Avenue in eine interaktive Licht- und Farbinstallation möchte Wabash Lights Besucher und Einheimische gleichermaßen anziehen. Innerhalb von nur zwei Wochen hat die Kickstarter-Kampagne bereits mehr als die Hälfte ihres Ziels erreicht. Für die Einrichtung des Beta-Tests wird jedoch noch die vollständige Finanzierung benötigt. Dieser Test soll innerhalb von zwölf Monaten alle technischen und gestalterischen Probleme beheben. Nach Abschluss des Beta-Tests wird die endgültige Installation finanziert.
Das Projekt umfasst über 5.000 LED-Lampen, die unter den Gleisen der Wabash Avenue installiert werden. In der ersten Phase sollen über 6.000 Meter Beleuchtung entlang zweier Häuserblöcke zwischen Madison und Adams erweitert werden. Der Wabash Boulevard, ein normalerweise eher schwach beleuchteter Bereich der Stadt, wird von den beiden Designern Jack Newell und Seth Unger neu gestaltet. Besucher können nicht nur die verschiedenen Farben bewundern, sondern auch interaktiv die Farbgebung und -nuancen mitgestalten. Mithilfe eines Smartphones oder Computers können sie die LED-Beleuchtung nach ihren Wünschen programmieren und gestalten.
Um zu spenden und Belohnungen wie Facebook Shouts, Party-Pakete, T-Shirts, Künstleressen und mehr zu erhalten, unterstützen Sie das Projekt auf Kickstarter.
Die neueste Ausstellung im Nationalen Kunstmuseum von Mexiko-Stadt, „Exiled Aliens“, präsentiert die Werke des in Chicago lebenden Künstlers Rodrigo Lara. Die Ausstellung, die am 24. Juli eröffnet wird, umfasst Installationen, die sich mit Politik, Migration und sozialer Gerechtigkeit auseinandersetzen. Die Arbeiten thematisieren vorwiegend die Rückführung von Mexikanern in den 1930er-Jahren und die Neuansiedlung von Menschen mexikanischer Abstammung in den Vereinigten Staaten.
Die Ausstellung „Aliens Destroyable“ wird am Freitag, den 24. Juli, mit einer Vernissage von 18:00 bis 20:00 Uhr eröffnet und ist bis zum 28. Februar 2016 in der Kraft Gallery zu sehen.