Der Gapers-Block wurde vom 22. April 2003 bis zum 1. Januar 2016 veröffentlicht. Diese Seite bleibt archiviert. Besuchen Sie Third Coast Review, eine neue Website, die von mehreren britischen Alumni erstellt wurde. ✶ Vielen Dank für Ihre Leser und Beiträge. ✶
Ich beschloss, den letzten Beitrag auf Gapers Block zu schreiben und legte ihn dann etwa eine Stunde lang auf Eis. Ich war ein Jahr lang als bedingter Seitenredakteur und fast drei Jahre lang als Autor von Theaterstücken und Romanen tätig. Weniger als viele ältere GB-Autoren, aber in dieser Zeit habe ich 284 Artikel geschrieben. Ich werde Gapers Block sehr vermissen. Es ist intellektuell und emotional erhebend, einen Ort zu haben, an dem man regelmäßig über die Künste schreiben kann, die man liebt – Theater, Kunst, Design, Architektur und manchmal auch Bücher oder Musik.
Mein erster Artikel erschien im Mai 2013 auf der Buchclub-Seite. Er handelt vom 70er-Jahre-Punkrock-Künstler Richard Hell, bekannt für sein „Please Kill Me“-Shirt. Er spricht, beantwortet Fragen und signiert sein neues Buch in einem Bücherkeller in der Lincoln Avenue (ich träumte, ich wäre ein sauberer Penner). Ich hatte das Glück, den Bassisten und Sänger neben den Voidoids, Television und Heartbreakers zu sehen. Umso hilfreicher war es, als mich der Buchclub-Redakteur bat, einen Essay über ihn zu schreiben.
Es mag die Pop-Art Ihres Vaters sein, doch die Werke der neuen Ausstellung im Museum of Modern Art sind immer noch frisch und interessant. Die Kunst, die vor 50 Jahren die Kunstelite der Welt schockierte, hat auch heute noch Geschichten zu erzählen.
Die vom MCA organisierte Neo-Pop Art Design vereint 150 Kunstwerke und Designs in einer Ausstellung voller Witz und Kühnheit. Sie erinnert an Andy Warhols „The Art of Campbell's Soup Can“, das zunächst von Laien belächelt wurde. Doch dann wachten Elite-Sammler auf und begannen, Warhols Werke zu kaufen.
Die Wahrheit ans Licht zu bringen, unerzählte Geschichten zu erzählen und traumatische Erlebnisse loszulassen, kann spirituelle und emotionale Reinigung bewirken. Im Rahmen von Corinne Petersons „Kane“-Projekt werden Chicagoer Teilnehmer eingeladen, an Ton- und Porzellan-Workshops teilzunehmen und ihre Traumata zu teilen, um sie erstrahlen zu lassen. Die Teilnehmer wurden aufgefordert, einen „Stein“ aus Ton zu formen, der ihre innere Dunkelheit oder ihr Trauma symbolisiert, und anschließend ein kleines Lichtsymbol aus Porzellan zu gestalten. Nach dem Seminar zeigte Peterson einen Hügel im Tonfelsen und platzierte ein Porzellansymbol als Hoffnungswolke über der Stele.
Derzeit befindet sich Petersons „Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope“ im Lillstreet Art Center. Das Werk wurde von Mitgliedern aus über 60 Workshops geschaffen und umfasst viele Ton-Skulpturen, die zur Meditation und Besinnung einladen.
Ich setzte mich mit dem Künstler an zwei Meditationsplätze im Ausstellungsraum und diskutierte die Ideen hinter Kanes Projekt und die Universalität von Trauma und Hoffnung.
Studenten, Fotografen und Chicagoer Geschichtsinteressierte sind vertieft in Richard Nichols Ode an die Stadt und ihre Erinnerung. Doch die typische Nickel-Diskussion dreht sich nur um eine Legende: Menschen, die ihr Leben für den Bau gaben.
Glücklicherweise hat der in Chicago ansässige Urban Archives Press sein zweites Buch über den Fotografen und Aktivisten Richard Nickell veröffentlicht: Dangerous Years: What He Sees and What He Writes. Dieses Buch bietet eine besondere Gelegenheit, Nickells Werk kennenzulernen und gleichzeitig ihn als Person anhand von über 100 Fotografien und weiteren 100 Dokumenten, von denen viele von Nickel handschriftlich verfasst wurden, kennenzulernen.
Flugblatt mit einem Brief über Nickels Studium an der Designschule und einem frühen Selbstporträt.
Acht junge iranische Fotografen aus verschiedenen Regionen ihres Landes veranstalteten kürzlich eine seltene Ausstellung im Bridgeport Arts Center in der 1200 West 35th Street. Die Ausstellung läuft bis heute.
„Journey Inward“ präsentiert die Arbeiten eines größeren Projekts, an dem acht iranische Fotografen beteiligt sind, die ihr Land einfühlsam porträtieren. Das Projekt besteht aus zwei Teilen. Zunächst nehmen die Künstler an Schulungen teil, um durch Workshops und andere Ressourcen von anderen Branchenvertretern zu lernen. Die Ausstellung ist der zweite Teil des Projekts.
Vielleicht haben Sie die Straßenbanner in der Innenstadt oder die treuen Kunden bemerkt, aber nächsten Monat kehrt die „One of a Kind Show and Sale“ mit ihrem 15. jährlichen Weihnachtsverkauf zurück. Das Kunsthandwerks-Shopping-Event bringt über 600 Künstler, Kunsthandwerker und Designer aus den gesamten Vereinigten Staaten zusammen.
Am 13. November eröffnet die Elephant Room Gallery eine neue Ausstellung der aus Illinois stammenden Jennifer Cronin. Ihr neues Projekt „Shuttered“ zeigt eine Sammlung heruntergekommener Viertel im äußersten Süden der USA sowie realistische Zeichnungen von Häusern. Im Folgenden finden Sie ein E-Mail-Interview über Cronins Anfänge in der Malerei, ihr Interesse an der Architektur Chicagos und ihre Liebe zum Detail.
Gruselige und gruselige Ereignisse haben uns allen bei diesem warmen Herbstwetter Freude bereitet. Hexen und Eichhörnchen im Flur knabbern bereits an Kürbissen auf der Veranda, und ich hoffe, ich bin nicht der Einzige, der in dieser Halloween-Saison gruselige Schrecken erwartet. Hier ist eine Liste mit 14 spannenden Theaterproduktionen und anderen künstlerischen Aktivitäten (in keiner bestimmten Reihenfolge), mit denen Sie dieses Jahr Halloween feiern können.
Chicagos einziges „Retro-Entertainment“-Lokal bietet Ihnen bis Ende Oktober jeden Abend Burlesque, Comedy, Zirkus, Magie und Partystimmung. Hier gibt es außer dem Hexenkabarett zum Thema Hexen montags um 19:00 Uhr nichts zu sehen. Die abendlichen Produktionen um 20:00 Uhr bescheren dem Uptown Underground ein weiteres magisches Erlebnis mit Gore, Striptease, Zirkuskunst und vielem mehr. Ab 21 Jahren wird eine Voranmeldung empfohlen. Klicken Sie hier für weitere Informationen.
Dieses Jahr findet die Benefiz-Kunstauktion des Chicago Museum of Modern Art zum 17. Mal statt, nach fünf Jahren. Werke von über 100 Künstlern, von Gemälden bis hin zu Skulpturen, werden diesen Freitag vor über 500 geladenen Gästen versteigert.
Das MCA hat in der Vergangenheit mit großem Erfolg Kunstauktionen für Museen durchgeführt. 2010 erzielte das Museum 2,8 Millionen Dollar an Bietern und konnte den Erlös über mehrere Geschäftsjahre verteilen. „Das gesamte Geld fließt direkt in die Kernaufgabe des MCA“, sagte Michael Darling, Chefkurator von James W. Alsdorf, der unter anderem für die Beschaffung von Mitteln für die Museumsprogramme und die Museumspädagogik zuständig ist.
Fragmente unserer Psyche werden zu zusammenhängenden Erinnerungen zusammengefügt; die Freude am Beobachten und Feiern alltäglicher Aufgaben durch visuelle Verbindung, Dialog und Ästhetik steht im Mittelpunkt der Skulpturen und Tonarbeiten von Lynn Peters.
Im Lillstreet Arts Center konzentriert sich die Ausstellung „Spontaneität konkretisiert“ auf Momentaufnahmen des Lebens. Ihre an den Wänden hängenden Werke zeigen Tiere, Menschen und Formen, die zur Verbindung mehrerer gleichzeitig existierender Ebenen beitragen. Peters nutzt Fotografie und Text, um den Betrachter zu aktivieren, und kombiniert dabei verschiedene Medien als Hintergrund für einen skulpturalen Kern. „Stolen Moments“ ist ein großformatiges Werk mit vier Skulpturen – jeweils mit den Namen „Freiheitsstatue“, „Der Denker“, „Mona Lisa“ und „Ohne Titel“, einem gleichnamigen Keramiklogo und einer Schwarzweißfotografie. Thematisch und präsentiert ist das Werk das experimentellste der Ausstellung und nutzt Vorstellungskraft, Fragmentierung und Vision als Erkenntnisquellen. Das Bild des Wagens vor dem Ark Thrift Store befindet sich im Wicker Park, mit vier Skulpturen an der Wand im Hintergrund. Während der Laden mit Kleidung, Möbeln und Nippes übersät war, bemerkte Peters, dass der veraltete und kaputte Wagen das Symbol der Ark für die Gegend sei. Im Inneren des Autos, wie auch in der Arche, gibt es unbekannte Geheimnisse, einen Haufen Lumpen und die Modetrends des letzten Jahres.
VICO in Mexiko-Stadt ist ein Videoprojekt, das Workshops und Workshops zur Förderung des experimentellen Kinos und der Kinematographie veranstaltet. Kürzlich präsentierte VICO erstmals in Chicago die Ausstellung „Antimontage, Correcting Subjectivity“, darunter eine Reihe von Kurzfilmen, die von Studierenden in einem von Javier Toscano geleiteten Workshop gedreht wurden. Die gemeinsam von Little House und Comfort Film veranstaltete Schau präsentiert elf Kurzfilme von unkonventionellen Künstlern oder Künstlern, die sich selbst nicht als Künstler sehen.
Der vorgestellte Film ist eine Reihe zweckentfremdeter Bilder, YouTube-Videos und politischer Kontexte, die die kulturellen und digitalen Bereiche Mexikos umfassen. In Dulce Rosas‘ My Sweet 15 nahmen mehrere junge Frauen an ihrer Quinceañera teil und traten auf. Traditionell tragen diese Frauen zu ihrem 15. Geburtstag aufwendige Kleider, Schmuck und Make-up. In dem Kurzfilm Rosas verwendet die Künstlerin Aufnahmen von Mädchen, die tanzen, feiern und sich für die bevorstehende Party fertig machen. Zu Beginn des Films weint und umarmt ein Mädchen. Sie repräsentiert eine oder mehrere zukünftige Rollen in der Quinceañera. Der Kurzfilm wurde gewürdigt, da mehrere Clips zeigen, wie die Mädchen unbeholfen mit Puppen tanzen oder neben teuren Autos posieren. Auf den ersten Blick sieht es aus wie ein typisch amerikanischer Teenager-Abschlussball.
Die Wochenendausstellung der Chicago Expo 2015 in der Navy Pier Festival Hall präsentierte 140 Galerien aus aller Welt. In festlicher Atmosphäre veröffentlichte THE SEEN, der unabhängige Verlag der Ausstellung, am Wochenende seine erste Printausgabe, und /Dialogues veranstaltete drei ereignisreiche Tage mit Podiumsdiskussionen und Vorträgen. IN/SITU präsentiert großformatige Installationen und ortsspezifische Arbeiten in großzügigen Hallen innerhalb und außerhalb des Navy Piers.
Das einprägsamste Werk des IN/SITU-Projekts, wahrscheinlich aufgrund seines Standorts, ist Daniel Burens „Three Windows“, das den Raum erhellt und Farbe ausstrahlt, während es von der Decke hängt. Der Rest der Ausstellung ging im Besucheransturm unter, und die erregten Besucher konzentrierten sich auf die kleineren Gegenstände am Stand, blickten hinauf zu dem, was sich im Obergeschoss befand, und zogen so Verkäufe an.
Künstler wie John Rafman oder Paolo Sirio, die vorwiegend Google Street View als Medium nutzen, schaffen eindrucksvolle und verstörende Bilder, die oft die Grenzen rechtlicher Datenschutzbestimmungen verwischen. Zwar ist es spannend, Menschen auf Straßen, Gassen und Rasenflächen weltweit zu fotografieren, doch diese Künstler nutzen auch die Öffentlichkeit und andere Werkzeuge, um den öffentlichen Raum zu konzeptualisieren. Seit 2007 bietet die Panoramatechnologie von Google Maps und Google Earth eine ungewöhnliche und oft einfache Möglichkeit, Orte zu sehen, die Menschen nie besucht haben oder nicht besuchen wollten.
Stellen Sie sich Mark Fisher vor, einen öffentlichen Sammler seiner Entwürfe, und seine jüngste Ausstellung „Hardcore Architecture“ in Franklin. Vor Marks Empfang habe ich ihn per E-Mail interviewt.
An diesem Wochenende werden über 30 eingeladene Künstler ihre Arbeiten beim Around the Coyote Festival im Flat Iron Arts Building in Wicker Park präsentieren.
Rund um Coyote findet ein dreitägiges Festival statt, das die Künste und Künstler des Wicker Parks feiert. Von Freitag bis Sonntag können Besucher das Flat Iron Arts Building betreten, Künstlerateliers besichtigen, Livemusik hören und Theateraufführungen sehen. Das Festival beginnt am Freitag von 18:00 bis 22:00 Uhr mit einem Galadinner.
Synästhesie ist, wie der Name schon sagt, „eine Empfindung, die in anderen Körperteilen als dem simulierten Körperteil wahrgenommen wird“ und wird am häufigsten mit Musik in Verbindung gebracht, die als Farbe wahrgenommen wird. Bemerkenswerte Beispiele für diese Störung sind David Hockney, Duke Ellington und Vladimir Nabokov.
In einer laufenden Ausstellung im International Museum of Surgical Sciences erforscht Stevie Hanley Alltagserfahrungen und erweitert die Grenzen einer einzelnen Handlung zu einer umfassenderen Auseinandersetzung mit mehr als einer Perspektive, Emotion und Assoziation. Hanley überträgt medizinische Zustände in die Form von Kunstausstellungen. Seine Fähigkeit, Farben und Bilder mit persönlichen, schaurigen und neugierigen Beobachtungen zu verknüpfen, wird in der Ausstellung „Synästhesie“ deutlich.
Das Internationale Museum für Chirurgische Wissenschaften ist voller medizinischer Instrumente, Geräte, Erfindungen und Geschichten, die zu den bizarren und etwas mysteriösen Zuständen in der Ausstellung beigetragen haben. Hanley lädt die Besucher in zwei Galerieräume ein; beide beinhalten Videoprojektionen und Installationen, und nur einer zeigt die summende Dolly Parton.
Petr Skvaras Ausstellung „Approaches“, bestehend aus Emaillemalereien auf einem Gitter und einer Sammlung von Fragmenten mit dem Titel „Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts“, ist derzeit in der Andrew Rafach Gallery in River West zu sehen. Die Zeichnungen basieren auf Flaggensignalen, die zur Kommunikation zwischen Schiffen verwendet wurden, und ihre Bedeutung wird im Titel wiederholt. Einige Gemälde stellen Bedeutungen dar, die zusammen gesehen werden können, wie etwa „Ich treibe / Gibst du mir meinen Platz“ (2015, Emaille auf Gitter). Andere Werke haben jedoch als Sammlungen von Aussagen eine andere, ungewohnte Bedeutung. Auf einem Gemälde steht: „Du bist in Gefahr, gestrandet zu sein / Ich bewege mich vorwärts“, ein düsterer Ausdruck für diejenigen in Not.
Die Pressemitteilung der Galerie zur Ausstellung „Approximation“ erwähnt die Schönheit und Erhabenheit, die mit der Vorstellung eines Schiffes auf den Weiten des Meeres verbunden sind. Eine andere Möglichkeit, das Erhabene auszudrücken, ist der Wunsch nach Perfektion in den präzisen Linien des Semaphors, dennoch eine menschlichere Herangehensweise an die Malerei als an den Siebdruck.
Das in Chicago ansässige Architekturbüro VOA Associates, Inc. wurde als Gewinner eines sechsmonatigen Architekturwettbewerbs ausgewählt, der von der Richard H. Driehaus Foundation finanziert wurde.
VOA Associates wird den Pullman Art Space im historischen Pullman District entwerfen, der 45 erschwingliche Wohnungen zum Wohnen und Arbeiten sowie Unterrichtsräume, Ausstellungsräume und Werkstätten umfassen wird. Artspace Project Inc. hat seinen Hauptsitz in Minneapolis und Niederlassungen in Los Angeles, New Orleans, New York, Seattle und Washington D.C.
Mit der Schaffung dieses kreativen Raums wollte VOA Associates die historische „Signatur des ikonischen Pullman District“ respektieren und alle willkommen heißen, die an einer kreativen Einbindung des öffentlichen Raums interessiert sind.
Insgesamt waren 20 Architekturbüros vertreten, und zehn Halbfinalisten wurden ausgewählt. Die drei Finalisten erhielten jeweils 10.000 US-Dollar für die Weiterentwicklung ihrer Konzepte. VOA ging als Gewinner hervor. Der Pullman Art Space setzt sich dafür ein, Pullmans Status als führende Kunstgemeinde zu erhalten, indem er seinen Bewohnern ein immersives kreatives Zentrum bietet.
Seit dem 4. Oktober füllen neunzehn Skulpturen des Chicagoer Bildhauers Charles Ray drei große Galerien im zweiten Stock des Modern Wing des Art Institute. Die meisten Werke sind figurativ und erzählen ihre eigenen Geschichten, wie zum Beispiel „Sleeping Woman“, eine lebensgroße Edelstahlskulptur, die eine obdachlose Frau auf einer Bank schlafend darstellt. Einige von ihnen sind jedoch schockierend unfigurativ, und zwei von ihnen schockierten die Museumskuratoren.
„Unpainted Sculpture“ (1997, Fiberglas und Lack) ist eine originalgetreue Nachbildung eines Pontiac Grand Am Crusher von 1991. Ray suchte nach einem geeigneten Unfallwagen – nicht zu kaputt – und zerlegte ihn, um die einzelnen Teile aus Fiberglas zu einem Auto zusammenzusetzen. Mehrere Personen verbrachten fünf Tage damit, die Skulptur in der Modern Wing Gallery zusammenzusetzen.
Ich war erst einmal im Hancock Tower und hätte nie gedacht, dass ich jemals eine Kunstgalerie besuchen würde, aber hey, es gibt für alles ein erstes Mal. Ich hatte Spaß und fand mich inmitten einer großen Gruppe von Touristen und Fotografen wieder, die lächelnd neben einer riesigen Skulptur posierten, die von der Decke der Halle hing. Um den Raum zu betreten, musste ich an einem Sicherheitsschalter anhalten, wo mein Führerschein gescannt wurde und ich einen Barcode-Beleg erhielt, der mir den Zutritt durch ein futuristisches Tor ermöglichte. Sobald sich die Tür öffnete, war ich im Aufzug und hatte endlich die Gelegenheit, die Kunst zu betrachten. Als ich mich den Glastüren der Richard Gray Gallery näherte, fühlte ich mich fehl am Platz.
Die in den 1960er Jahren gegründete Galerie ist ein wichtiger kreativer Treffpunkt für Künstler aus Chicago und New York. Sie richtet sich an Sammler und legt Wert auf bildende Kunst, Authentizität und Qualität. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy und Jaume Plensa sind einige Beispiele für Künstler, die von der Richard Gray Gallery vertreten werden.
Die neueste Ausstellung „Body Building“ eröffnet am 6. Juli im Foyer der Haupthalle der Galerie und präsentiert Werke von Susan Rothenberg und David Hockney. Die von Gan Ueda und Raven Mansell kuratierte Ausstellung präsentiert Werke von den 1900er Jahren bis heute und konzentriert sich auf die Beziehung zwischen der menschlichen Form und ihrer Betrachtung durch die Architektur. Die Werke der Ausstellung decken den Zeitraum von 1917 bis 2012 ab und zeigen eine Vielzahl von Materialien und Medien, darunter Wachs, Tinte, Wolle, Bleistift und Collage.
Das Museum of Modern Art erforscht weiterhin mutig die Verschmelzung von bildender Kunst mit anderen kreativen Formen. Die kürzlich eröffnete Ausstellung „Principles of Freedom: Experiments in Art and Music 1965 to the Present“ feiert das 50-jährige Jubiläum der Chicagoer Experimental-Jazzgruppe Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), die die Grenzen des Jazz immer wieder erweitert.
Die am 11. Juli eröffnete Ausstellung erstreckt sich über die Galerien im vierten Stock des Museums und besteht aus mehreren großen Installationen und Wänden mit lebendigen Gemälden, die die Farbenpracht und das Leben der Musik widerspiegeln. Zahlreiche Archivmaterialien wie Fotografien, Plakate, Plattencover, Banner und Broschüren liefern einen reichhaltigen historischen Kontext.
Wabash Lights hat im Rahmen seiner Kickstarter-Kampagne mit der Spendensammlung für eine öffentliche Kunstinstallation unter dem Buchstaben „L“ auf der Wabash Avenue begonnen. Durch die Umwandlung der Überführung vom See nach Van Buren in eine interaktive und öffentliche Licht- und Farbausstellung wird Wabash Lights Besucher und Einheimische gleichermaßen anziehen. In weniger als zwei Wochen hat die Kickstarter-Kampagne ihr Ziel bereits zur Hälfte erreicht. Für die Finanzierung des Beta-Testaufbaus ist jedoch noch die vollständige Finanzierung erforderlich. Dieser Test wird alle technischen und gestalterischen Probleme innerhalb von 12 Monaten beheben. Nach Abschluss der Beta-Phase wird die Kapitalinvestition die endgültige Installation finanzieren.
Das Projekt umfasst mehr als 5.000 LED-Lampen unter den Gleisen der Wabash Avenue. Geplant ist in der ersten Phase der Ausbau der über 6.000 Meter langen Beleuchtung entlang zweier Blocks von Madison bis Adams. Der Wabash Boulevard, ein normalerweise schwach beleuchteter Stadtteil, wird von den beiden Designern Jack Newell und Seth Unger modernisiert. Besucher können nicht nur die verschiedenen Farben bewundern, sondern auch interagieren und die Wirkung der Farben und Schattierungen gestalten. Per Smartphone oder Computer können Besucher die LED-Leuchten nach ihren Wünschen programmieren und gestalten.
Um zu spenden und Belohnungen wie Facebook-Shouts, Partypakete, T-Shirts, Künstler-Dinner und mehr zu erhalten, unterstützen Sie das Projekt auf Kickstarter.
Die neueste Ausstellung im mexikanischen Nationalmuseum für Kunst, „Exiled Aliens“, zeigt Werke des in Chicago lebenden Künstlers Rodrigo Lara. Die Ausstellung, die am 24. Juli eröffnet wird, umfasst spezielle Installationen zu den Themen Politik, Einwanderung und soziale Gerechtigkeit. Die Arbeit thematisiert vor allem die Repatriierung mexikanischer Einwanderer in den 1930er Jahren und die Umsiedlung mexikanischer Abstammung in die USA.
„Aliens Destroyable“ wird am Freitag, den 24. Juli, mit einem Empfang von 18:00 bis 20:00 Uhr eröffnet und bis zum 28. Februar 2016 in der Kraft Gallery ausgestellt.