Der Gapers-Block wurde vom 22. April 2003 bis zum 1. Januar 2016 veröffentlicht. Diese Website bleibt archiviert.Bitte besuchen Sie Third Coast Review, eine neue Website, die von mehreren britischen Alumni erstellt wurde.✶ Vielen Dank für Ihre Leser und Beiträge.✶
Ich beschloss, den Sprung zu wagen und den letzten Beitrag auf Gapers Block zu schreiben und ihn für etwa eine Stunde auf Eis zu legen.Ich war ein Jahr lang Redakteurin für bedingte Seiten und fast drei Jahre lang Theater-/Romanautorin.Weniger als viele hochrangige GB-Autoren, aber in dieser Zeit habe ich 284 Artikel geschrieben.Ich werde Gapers Block sehr vermissen.Es ist intellektuell und emotional erhebend, einen Ort zu haben, an dem man regelmäßig über die Künste schreiben kann, die ich liebe – Theater, Kunst, Design, Architektur und manchmal auch Bücher oder Musik.
Mein erster Artikel wurde im Mai 2013 auf der Seite des Buchclubs veröffentlicht.Dies ist ein Merkmal des Punkrock-Künstlers Richard Hell aus den 70er-Jahren, der vor allem für sein „Please Kill Me“-Shirt bekannt ist.Er redet, beantwortet Fragen und signiert sein neues Buch in einem Bücherkeller in der Lincoln Avenue (ich träumte, ich wäre ein sehr sauberer Penner) und ich hatte das Glück, den Bassisten und Sänger neben den Voidoids, Television und Heartbreakers zu sehen.Es half noch mehr, als der Herausgeber des Buchclubs mich bat, einen Aufsatz über ihn zu schreiben.
Es mag die Pop-Art Ihres Vaters sein, aber die in der neuen Ausstellung des Museum of Modern Art gezeigten Werke sind immer noch frisch und interessant.Die Kunst, die vor 50 Jahren die Kunstelite der Welt schockierte, hat auch heute noch Geschichten zu erzählen.
Das von MCA organisierte Neo-Pop Art Design vereint 150 Kunstwerke und Designstücke in einer Show voller Witz und Kühnheit.Es erinnert Sie daran, wie Andy Warhols „The Art of Campbell's Soup Can“ zunächst von Uneingeweihten lächerlich gemacht wurde.Zu diesem Zeitpunkt wachten Elite-Sammler auf und begannen, Warhol zu kaufen.
Die Wahrheit aufzudecken, unerzählte Geschichten zu erzählen und traumatische Widrigkeiten loszulassen, kann als spirituelle und emotionale Reinigung dienen.Bei Corinne Petersons „Kane“-Projekt sind Chicagoer Besucher eingeladen, an ihren Ton- und Porzellan-Workshops teilzunehmen und ihre Traumata zu teilen, um sie glänzen zu sehen.Den Menschen wurde befohlen, einen „Stein“ aus Ton zu erschaffen, um ihre innere Dunkelheit oder ihr Trauma darzustellen, und dann ein kleines Lichtsymbol aus Porzellan zu erschaffen.Nach dem Seminar zeigte Peterson einen Hügel im Lehm-„Felsen“ und platzierte eine Porzellanmarke als Wolke der Hoffnung über der Stele.
Petersons „Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope“, das derzeit im Lillstreet Art Center zu sehen ist und von Mitgliedern von mehr als 60 Workshops geschaffen wurde, umfasst viele Tonskulpturen, die zum Meditieren und Nachdenken einladen.
Ich setzte mich mit der Künstlerin an zwei Meditationssitzen im Ausstellungsraum und diskutierte die Ideen hinter Kanes Projekt und die Universalität von Trauma und Hoffnung.
Studenten, Fotografen und Befürworter der Chicagoer Geschichte tauchen ein in Richard Nichols Ode an die Stadt und ihre Erinnerung.Aber die typische Nickel-Diskussion ist nur eine Legende: Menschen, die ihr Leben für den Bau gegeben haben.
Glücklicherweise hat Urban Archives Press mit Sitz in Chicago sein zweites Buch über den Fotografen und Aktivisten Richard Nickell veröffentlicht: Dangerous Years: What He Sees and What He Writes.Dieses Buch ist eine besondere Gelegenheit, Nickels Werk kennenzulernen und gleichzeitig anhand von mehr als 100 Fotos und weiteren 100 Dokumenten, von denen viele von Nickel handschriftlich verfasst wurden, mehr über ihn als Person zu erfahren.
Faltblatt mit einem Brief über Nickels Studium an der Designschule und einem frühen Selbstporträt.
Acht junge iranische Fotografen, die verschiedene geografische Regionen ihres Landes repräsentieren, veranstalteten kürzlich eine seltene Ausstellung im Bridgeport Arts Center in der 1200 West 35th Street.Die Ausstellung dauert bis heute an.
„Journey Inward“ zeigt die Arbeit eines größeren Projekts, bei dem acht iranische Fotografen ihr Land mit Einfühlungsvermögen porträtieren.Das Projekt besteht aus zwei Teilen.Erstens nehmen Künstler an Schulungen teil, um durch Workshops und andere Ressourcen von anderen in der Branche zu lernen.Die Ausstellung ist der zweite Teil des Projekts.
Sie haben vielleicht bemerkt, dass Straßenbanner in der Innenstadt oder treue Kunden vorgeführt werden, aber nächsten Monat kehrt die One of a Kind Show and Sale mit ihrem 15. jährlichen Feiertagsverkauf zurück.Die Kunsthandwerks-Shopping-Veranstaltung bringt über 600 Künstler, Kunsthandwerker und Designer aus den gesamten Vereinigten Staaten zusammen.
Am 13. November eröffnet die Elephant Room Gallery eine neue Ausstellung der aus Illinois stammenden Jennifer Cronin, deren neues Projekt Shuttered eine Sammlung heruntergekommener Viertel im äußersten Süden sowie realistische Zeichnungen von Häusern zeigt.Im Folgenden finden Sie ein E-Mail-Interview, das über Cronins Anfänge in der Malerei, sein Interesse an der Architektur Chicagos und seine Liebe zum Detail spricht.
Unheimliche und erschreckende Ereignisse haben uns allen bei diesem warmen Herbstwetter Freude bereitet.Hexen und Eichhörnchen im Flur fressen bereits Kürbisse auf der Veranda, und ich hoffe, dass ich nicht der Einzige bin, der in dieser Halloween-Saison gruselige Ängste erwartet.Hier ist eine Liste mit 14 aufregenden Theaterproduktionen und anderen künstlerischen Aktivitäten (in keiner bestimmten Reihenfolge), mit denen Sie dieses Jahr Halloween feiern können.
Chicagos einziges Reiseziel für „Retro-Unterhaltung“ bietet Ihnen jeden Abend bis Ende Oktober einen Grund, Burlesque, Comedy, Zirkus, Magie und Partyleben zu genießen.Hier gibt es außer Hexen niemanden. Montags um 19:00 Uhr gibt es Kabarett zum Thema Hexen.Abendliche Produktionen um 20 Uhr bescheren dem Uptown Underground ein weiteres magisches Erlebnis mit Gore, Striptease, Zirkuskunst und vielem mehr.21+ Voranmeldung empfohlen.Klicken Sie hier für weitere Informationen.
Dieses Jahr findet nach fünf Jahren die 17. Benefiz-Kunstauktion des Chicago Museum of Modern Art statt.Werke von über 100 Künstlern, von Gemälden bis hin zu Skulpturen, werden an diesem Freitag mit über 500 Gästen versteigert.
In der Vergangenheit hat das MCA mit großem Erfolg Kunstauktionen für Museen durchgeführt.Im Jahr 2010 sammelte das Museum 2,8 Millionen US-Dollar von Bietern ein und konnte den Erlös über mehrere Geschäftsjahre verteilen.„Alle Gelder kommen direkt der Kernaufgabe des MCA zugute“, sagte Michael Darling, Chefkurator von James W. Alsdorf, zu dessen Aufgaben die Mittelbeschaffung für Programme und Bildung im Museum gehört.
Fragmente unserer Psyche werden zu zusammenhängenden Erinnerungen zusammengefügt;Die Freude am Beobachten und Feiern alltäglicher Aufgaben durch visuelle Verbindung, Dialog und Ästhetik steht im Mittelpunkt der Skulpturen und Tonarbeiten von Lynn Peters.
Im Lillstreet Arts Center konzentriert sich die Ausstellung „Spontaneity Made Concrete“ auf Momentaufnahmen aus dem Leben.Ihre an den Wänden hängenden Werke stellen Tiere, Menschen und Formen dar, die zur Zusammenfügung mehrerer gleichzeitig existierender Ebenen beitragen.Darüber hinaus nutzt Peters Fotografie und Text, um den Betrachter zu aktivieren, indem er mehrere Medien als Hintergrund für einen skulpturalen Kern kombiniert.Stolen Moments ist ein großformatiges Werk mit vier Skulpturen mit den Namen Freiheitsstatue, The Thinker, Mona Lisa und Untitled, einem gleichnamigen Keramiklogo und einer Schwarz-Weiß-Fotografie.Das Werk ist sowohl thematisch als auch präsentiert das experimentellste in der Ausstellung und nutzt Vorstellungskraft, Fragmentierung und Vision als Quellen der Einsicht.Das Bild des Einkaufswagens vor dem Ark Thrift Store befindet sich im Wicker Park, mit vier Skulpturen an der Wand im Hintergrund.Während der Laden mit Kleidung, Möbeln und Nippes übersät war, bemerkte Peters, dass der veraltete und kaputte Einkaufswagen das Symbol der Arche für die Gegend sei.Im Inneren des Autos lauern wie in der Arche unbekannte Geheimnisse, ein Haufen Lumpen und die Modetrends des letzten Jahres.
VICO in Mexiko-Stadt ist ein Videoprojekt, das Workshops und Workshops veranstaltet, die das Studium des experimentellen Kinos und der Kinematographie fördern.Kürzlich präsentierte VICO zum ersten Mal in Chicago die Ausstellung „Antimontage, Correcting Subjectivity“, darunter eine Reihe von Kurzfilmen, die von Studenten eines von Javier Toscano geleiteten Workshops gedreht wurden.Die von Little House und Comfort Film gemeinsam moderierte Show zeigt 11 Kurzfilme von nicht-traditionellen Künstlern oder Schöpfern, die sich überhaupt nicht als Künstler betrachten.
Der vorgestellte Film ist eine Reihe zweckentfremdeter Bilder, YouTube-Videos und politischer Kontexte, die den kulturellen und digitalen Bereich Mexikos umfassen.An „My Sweet 15“ von Dulce Rosas nahmen mehrere junge Frauen teil und führten ihre Quinceañera auf.Traditionell tragen diese Frauen zu ihrem 15. Geburtstag aufwendige Kleider, Schmuck und Make-up.In dem Kurzfilm Rosas verwendet die Künstlerin Aufnahmen von Mädchen, die tanzen, feiern und sich auf die bevorstehende Party vorbereiten.Zu Beginn des Films weint und umarmt sich ein Mädchen.Sie repräsentiert eine oder mehrere zukünftige Rollen in der Quinceañera.Der Kurzfilm wurde geehrt, da in mehreren Clips die Mädchen unbeholfen mit Puppen tanzen oder neben teuren Autos posieren.Auf den ersten Blick sieht es aus wie ein rein amerikanischer Teenager-Abschlussball.
An der Wochenendausstellung der Chicago Expo 2015 in der Navy Pier Festival Hall nahmen 140 Galerien aus der ganzen Welt teil.In festlicher Atmosphäre veröffentlichte THE SEEN, die unabhängige Redaktion der Ausstellung, am Wochenende ihre erste Printausgabe, und /Dialogues veranstaltete drei ereignisreiche Tage mit Podiumsdiskussionen und Vorträgen.IN/SITU bietet groß angelegte Installationen und ortsspezifische Arbeiten in geräumigen Hallen innerhalb und außerhalb des Navy Piers.
Das denkwürdigste Stück des IN/SITU-Projekts, wahrscheinlich aufgrund seines Standorts, ist Daniel Burens „Three Windows“, das den Raum erhellt und Farbe ausstrahlt, wenn es von der Decke hängt.Der Rest der Ausstellung ging im Ansturm der Besucher unter, und der erregte Körper konzentrierte sich auf die kleineren Artikel im Stand, blickte nach oben und lockte Verkäufe an.
Künstler wie John Rafman oder Paolo Sirio, die vor allem Google Street View als Medium nutzen, schaffen eindrucksvolle und verstörende Bilder, die oft die Grenzen rechtlicher Datenschutzbelange verwischen.Während es aufregend ist, Menschen auf Straßen, Gassen und Rasenflächen auf der ganzen Welt zu fotografieren, nutzen diese Künstler auch die Öffentlichkeit und andere Werkzeuge, um den öffentlichen Raum zu konzeptualisieren.Seit 2007 ist die Panorama-Technologie von Google Maps und Google Earth zu einer seltsamen und oft einfachen Möglichkeit geworden, Orte zu sehen, die Menschen noch nie besucht haben oder nicht besuchen wollten.
Stellen Sie sich Mark Fisher vor, einen öffentlichen Sammler seiner Entwürfe, und seine jüngste Ausstellung Hardcore Architecture in Franklin.Vor Marks Aufnahmeempfang habe ich ihn per E-Mail interviewt.
An diesem Wochenende werden über 30 eingeladene Künstler ihre Arbeiten beim Around the Coyote Festival im Flat Iron Arts Building im Wicker Park präsentieren.
Rund um Coyote gibt es ein dreitägiges Festival, das die Künste und Künstler von Wicker Park feiert.Von Freitag bis Sonntag können Besucher das Flat Iron Arts Building betreten, um Künstlerateliers zu besuchen, Live-Musik zu hören und Theateraufführungen anzusehen.Das Festival beginnt mit einem Galadinner am Freitag von 18:00 bis 22:00 Uhr.
Synästhesie ist, wie der Name schon sagt, „eine Empfindung, die in anderen Körperteilen als dem simulierten Teil erlebt wird“ und wird am häufigsten mit Musik in Verbindung gebracht, die als Farbe angesehen wird.Bemerkenswerte Fälle dieser Erkrankung sind David Hockney, Duke Ellington und Vladimir Nabokov.
In einer laufenden Ausstellung im International Museum of Surgical Sciences erforscht Stevie Hanley alltägliche Erfahrungen und erweitert die Grenzen einer einzelnen Aktion zu einer umfassenderen Erforschung von mehr als einer Perspektive, Emotion und Assoziation.Hanley übersetzt medizinische Erkrankungen in Form von Kunstausstellungen.Seine Fähigkeit, Farben und Bilder mit persönlichen, schaurigen und neugierigen Beobachtungen in Verbindung zu bringen, wird in der Synesthesia-Ausstellung gezeigt.
Das International Museum of Surgical Sciences ist voll von medizinischen Instrumenten, Geräten, Erfindungen und Geschichten, die zu den bizarren und etwas mysteriösen Zuständen in der Ausstellung beigetragen haben.Hanley lädt Betrachter in zwei Galerieräume ein;beide beinhalten Videoprojektionen und Installationen, und nur eines beinhaltet das Summen von Dolly Parton.
Petr Skvaras „Approaches“-Ausstellung, bestehend aus Emailgemälden auf einem Raster und einer Sammlung von Fragmenten mit dem Titel „Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts“, ist derzeit in der Andrew Rafach Gallery in River West zu sehen.Die Zeichnungen basieren auf Flaggensemaphoren, die zur Kommunikation zwischen Schiffen verwendet werden, und ihre Bedeutung wird im Titel wiederholt.Einige Gemälde stellen Bedeutungen dar, die zusammen gesehen werden können, wie zum Beispiel „I'm drifting / Will you give me my place“ (2015, Emaille auf Gitter).Andere Werke haben jedoch als Statement-Sammlungen eine andere, ungewohnte Bedeutung.Auf einem Gemälde steht: „Du bist in Gefahr, gestrandet zu sein / Ich gehe vorwärts“, ein düsterer Ausdruck für Bedürftige.
In der Pressemitteilung der Galerie zur Ausstellung „Approximation“ wird die Schönheit und das Erhabene erwähnt, die mit der Vorstellung eines Schiffes auf den Weiten des Meeres verbunden sind.Eine andere Möglichkeit, das Erhabene auszudrücken, ist der Wunsch, die präzisen Linien des Semaphors zu perfektionieren, wobei die Malerei jedoch menschlicher ist als der Siebdruck.
Das in Chicago ansässige Architekturbüro VOA Associates, Inc. wurde als Gewinner eines sechsmonatigen Architekturwettbewerbs ausgewählt, der von der Richard H. Driehaus Foundation finanziert wurde.
VOA Associates wird den Pullman Art Space im Pullman Historic District entwerfen, der 45 erschwingliche Wohnungen zum Wohnen und Arbeiten sowie Klassenzimmer, Ausstellungsräume und Werkstätten umfassen wird.Artspace Project Inc. hat seinen Hauptsitz in Minneapolis und Niederlassungen in Los Angeles, New Orleans, New York, Seattle und Washington DC.
Durch die Schaffung des kreativen Raums hofften VOA Associates, die historische „Signatur des ikonischen Pullman Districts“ zu respektieren und diejenigen, die sich für kreatives Weben interessieren, im öffentlichen Raum willkommen zu heißen.
Insgesamt waren 20 Architekturbüros vertreten und 10 Halbfinalisten wurden ausgewählt.Die drei Finalisten erhielten jeweils 10.000 US-Dollar für die Verfeinerung ihrer Konzepte, und VOA wurde als Gewinner ausgewählt.Pullman Art Space setzt sich dafür ein, Pullmans Status als führende Kunstgemeinschaft aufrechtzuerhalten, indem es seinen Bewohnern ein umfassendes kreatives Zentrum bietet.
Seit dem 4. Oktober füllen neunzehn Skulpturen des Chicagoer Bildhauers Charles Ray drei große Galerien im zweiten Stock des Modern Wing des Art Institute.Die meisten Werke sind figurativ und erzählen ihre eigenen Geschichten, wie zum Beispiel „Sleeping Woman“, eine lebensgroße Skulptur aus Edelstahl, die eine obdachlose Frau darstellt, die auf einer Bank schläft.Aber einige von ihnen sind erschreckend ungegenständlich, und zwei von ihnen schockierten Museumskuratoren.
„Unbemalte Skulptur“ (1997, Glasfaser und Farbe) ist eine originalgetreue Nachbildung eines Pontiac Grand Am Crusher von 1991.Ray war auf der Suche nach einem geeigneten Autowrack – nicht zu stark beschädigt – und zerlegte es, sodass jedes Teil aus Glasfaser gebaut und dann zu einem Auto zusammengebaut werden konnte.Mehrere Personen verbrachten fünf Tage damit, die Skulptur in der Modern Wing Gallery zusammenzubauen.
Ich war nur einmal im Hancock Tower und hätte nie gedacht, dass ich jemals eine Kunstgalerie besuchen würde, aber hey, es gibt für alles ein erstes Mal.Ich hatte Spaß und fand mich inmitten einer großen Gruppe von Touristen und Fotografen wieder, die lächelnd neben einer riesigen Skulptur posierten, die von der Decke der Halle hing.Um Zugang zum Bereich zu erhalten, musste ich an einem Sicherheitsschalter anhalten, wo mein Führerschein gescannt wurde und mir eine Barcode-Quittung ausgehändigt wurde, die mir den Zutritt durch ein futuristisches Tor ermöglichte.Sobald sich die Tür öffnete, war ich im Aufzug und hatte endlich Gelegenheit, mir die Kunst anzuschauen.Als ich mich an die Glastüren der Richard Gray Gallery heranschlich, kam ich mir fehl am Platz vor.
Die in den 1960er Jahren gegründete Galerie ist ein wichtiger kreativer Knotenpunkt für Künstler aus Chicago und New York.Die Galerie richtet sich an Sammler und legt Wert auf bildende Kunst, Authentizität und Qualität.Magdalena Abakanovic, Jan Tichy und Jaume Plensa sind einige Beispiele für Künstler, die von der Richard Gray Gallery vertreten werden.
Die neueste Body Building-Ausstellung wird am 6. Juli in der Lobby der Haupthalle der Galerie eröffnet und präsentiert die Arbeiten von Susan Rothenberg und David Hockney.The Body Building, kuratiert von Gan Ueda und Raven Mansell, präsentiert Arbeiten von 1900 bis heute und konzentriert sich auf die Beziehung zwischen der menschlichen Form und ihrer Betrachtung durch eine architektonische Linse.Die Werke in der Ausstellung umfassen den Zeitraum von 1917 bis 2012 und zeigen eine Vielzahl von Materialien und Medien, darunter Wachs, Tinte, Wolle, Bleistift und Collage.
Das Museum of Modern Art erforscht weiterhin mutig die Verschmelzung von bildender Kunst mit anderen kreativen Formen.Die kürzlich eröffnete Ausstellung „Principles of Freedom: Experiments in Art and Music 1965 to the Present“ feiert das 50-jährige Jubiläum der Chicagoer Experimental-Jazz-Gruppe Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), die weiterhin die Grenzen des Jazz verschiebt.
Die Ausstellung, die am 11. Juli eröffnet wurde, befindet sich in den Galerien im vierten Stock des Museums und besteht aus mehreren großen Installationen und Wänden mit lebendigen Gemälden, die die Farbe und das Leben der Musik widerspiegeln.Zahlreiche Archivmaterialien wie Fotografien, Plakate, Plattencover, Banner und Broschüren bieten einen reichhaltigen historischen Kontext.
Wabash Lights hat im Rahmen seiner Kickstarter-Kampagne damit begonnen, Gelder für eine öffentliche Kunstinstallation unter dem Buchstaben „L“ auf der Wabash Avenue zu sammeln.Durch die Umwandlung der Überführung vom See nach Van Buren in eine interaktive und öffentliche Ausstellung aus Licht und Farbe wird Wabash Lights Besucher und Einheimische gleichermaßen anziehen.In weniger als zwei Wochen hat die Kickstarter-Kampagne mehr als die Hälfte ihres Ziels erreicht, aber für die Finanzierung des Betatest-Setups ist noch die volle Finanzierung erforderlich.Dieser Test wird alle technischen und gestalterischen Probleme innerhalb von 12 Monaten lösen.Sobald die Betaversion abgeschlossen ist, wird die Kapitalinvestition die endgültige Installation finanzieren.
Das Projekt umfasst mehr als 5.000 LED-Lampen, die unter den Gleisen der Wabash Avenue angebracht sind.Zu den Plänen für die erste Phase gehört die Erweiterung von mehr als 20.000 Fuß Lichtern entlang zweier Blocks von Madison nach Adams.Der Wabash Boulevard, ein normalerweise schwach beleuchteter Bereich der Stadt, wird von den beiden Designern Jack Newell und Seth Unger modernisiert.Besucher können nicht nur die verschiedenen Farben bewundern, sondern auch interagieren und gestalten, wie die Farben und Schattierungen aussehen.Mit einem Smartphone oder Computer können Menschen LED-Leuchten nach ihren Wünschen programmieren und gestalten.
Um zu spenden und Prämien wie Facebook Shouts, Partypakete, T-Shirts, Künstleressen und mehr zu verdienen, unterstützen Sie das Projekt auf Kickstarter.
Die neueste Ausstellung im mexikanischen Nationalmuseum für Kunst, Exiled Aliens, zeigt die Arbeiten des in Chicago lebenden Künstlers Rodrigo Lara.Die Ausstellung, die am 24. Juli eröffnet wird, umfasst spezielle Installationen zu den Themen Politik, Einwanderung und soziale Gerechtigkeit.Die Arbeit zeigt hauptsächlich die mexikanische Rückführung in den 1930er Jahren und die Umsiedlung von Menschen mexikanischer Abstammung in die Vereinigten Staaten.
„Aliens Destroyable“ wird am Freitag, den 24. Juli, mit einem Empfang von 18:00 bis 20:00 Uhr eröffnet und bis zum 28. Februar 2016 in der Kraft Gallery zu sehen sein.