Le bloc « Gapers » a été publié du 22 avril 2003 au 1er janvier 2016. Ce site restera archivé. Veuillez consulter Third Coast Review, un nouveau site web créé par plusieurs anciens étudiants britanniques. ✶ Merci pour vos lecteurs et vos contributions. ✶
J'ai décidé de franchir le pas et d'écrire le dernier article sur Gapers Block, que j'ai mis en pause pendant environ une heure. J'ai été éditeur de pages conditionnelles pendant un an et auteur de pièces de théâtre et de fiction pendant près de trois ans. Moins que beaucoup d'auteurs confirmés de GB, mais durant cette période, j'ai écrit 284 articles. Gapers Block me manquera beaucoup. C'est intellectuellement et émotionnellement enrichissant d'avoir un espace où l'on peut écrire régulièrement sur les arts que j'aime : le théâtre, l'art, le design, l'architecture, et parfois les livres ou la musique.
Mon premier article a été publié en mai 2013 sur la page du club de lecture. Il s'agit d'un article sur l'artiste punk rock des années 70 Richard Hell, connu pour son t-shirt « Please Kill Me ». Il parle, répond aux questions et dédicace son nouveau livre dans une librairie de Lincoln Avenue (j'ai rêvé d'être un clochard impeccable) et j'ai eu la chance de voir le bassiste et chanteur aux côtés des Voidoids, Television et Heartbreakers. Ça m'a encore plus aidée lorsque le rédacteur du club de lecture m'a demandé d'écrire un essai sur lui.
Il s'agit peut-être du pop art de votre père, mais les œuvres présentées dans la nouvelle exposition du Musée d'Art Moderne sont toujours aussi actuelles et intéressantes. L'art qui a bouleversé l'élite artistique mondiale il y a 50 ans a encore des histoires à raconter aujourd'hui.
Organisée par le MCA, l'exposition Neo-Pop Art Design réunit 150 œuvres d'art et de design dans un spectacle plein d'esprit et d'audace. Elle rappelle comment « L'Art de la soupe Campbell » d'Andy Warhol fut initialement ridiculisé par les non-initiés. C'est alors que les collectionneurs d'élite se sont réveillés et ont commencé à acquérir Warhol.
Découvrir la vérité, raconter des histoires inédites et se libérer de l'adversité traumatisante peuvent servir de purification spirituelle et émotionnelle. Lors du projet « Kane » de Corinne Peterson, les participants de Chicago sont invités à participer à des ateliers d'argile et de porcelaine et à partager leurs traumatismes pour les voir s'exprimer. Les participants ont été invités à créer une « pierre » en argile représentant leur obscurité ou leur traumatisme intérieur, puis à créer un petit symbole de lumière en porcelaine. Après le séminaire, Peterson a montré un monticule dans la « roche » d'argile et a placé un jeton en porcelaine sur la stèle, comme un nuage d'espoir.
Actuellement au Lillstreet Art Center, Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope de Peterson, créé par les membres de plus de 60 ateliers, comprend de nombreuses sculptures en argile qui invitent à la méditation et à la réflexion.
Je me suis assis avec l'artiste à deux places de méditation dans l'espace d'exposition et j'ai discuté des idées derrière le projet de Kane et de l'universalité du traumatisme et de l'espoir.
Étudiants, photographes et passionnés d'histoire de Chicago sont plongés dans l'ode de Richard Nichol à la ville et à sa mémoire. Mais le débat habituel sur les pièces de cinq cents n'est qu'une légende : des personnes qui ont donné leur vie pour la construction.
Heureusement, les éditions Urban Archives Press, basées à Chicago, ont publié son deuxième livre sur le photographe et activiste Richard Nickell : Dangerous Years: What He Sees and What He Writes. Ce livre offre une occasion unique de découvrir l'œuvre de Nickel et, par la même occasion, de le connaître en tant que personne à travers plus de 100 photographies et 100 autres documents, dont beaucoup ont été manuscrits.
Dépliant contenant une lettre sur les études de Nickel à l'école de design et un premier autoportrait.
Huit jeunes photographes iraniens représentant différentes régions géographiques de leur pays ont récemment organisé une exposition exceptionnelle au Bridgeport Arts Center, situé au 1200 West 35th Street. L'exposition se poursuit encore aujourd'hui.
Journey Inward présente le travail d'un projet plus vaste impliquant huit photographes iraniens qui dressent un portrait de leur pays avec empathie. Ce projet se compose de deux parties. Tout d'abord, les artistes participent à des formations pour apprendre auprès d'autres professionnels du secteur grâce à des ateliers et à d'autres ressources. L'exposition constitue le deuxième volet du projet.
Vous avez peut-être remarqué des bannières dans les rues du centre-ville ou des clients fidèles, mais le mois prochain, le salon et la vente « One of a Kind » reviennent pour leur 15e édition annuelle des soldes de fin d'année. Cet événement artisanal réunira plus de 600 artistes, artisans et designers venus des quatre coins des États-Unis.
Le 13 novembre, la galerie Elephant Room inaugure une nouvelle exposition de Jennifer Cronin, originaire de l'Illinois. Son nouveau projet, Shuttered, présente une collection de quartiers délabrés de l'extrême sud et des dessins réalistes de maisons. Voici un entretien par courriel qui évoque les débuts de Cronin dans la peinture, son intérêt pour l'architecture de Chicago et son souci du détail.
Des événements étranges et terrifiants nous ont tous comblés en cette douce journée d'automne. Sorcières et écureuils dans le couloir dévorent déjà des citrouilles sur le porche, et j'espère ne pas être le seul à m'attendre à des frayeurs effrayantes pour Halloween. Voici donc une liste de 14 productions théâtrales et autres activités artistiques passionnantes (sans ordre particulier) pour célébrer Halloween cette année.
La seule destination « divertissement rétro » de Chicago vous offre une raison de profiter du burlesque, de l'humour, du cirque, de la magie et de la fête tous les soirs jusqu'à fin octobre. Ici, on ne voit que des sorcières : un cabaret sur le thème des sorcières le lundi à 19 h. Des spectacles nocturnes à 20 h offrent une expérience magique à l'Uptown Underground, avec du sang, du strip-tease, des arts du cirque et bien plus encore. Réservation recommandée pour les plus de 21 ans. Cliquez ici pour plus d'informations.
Cette année, le Musée d'art moderne de Chicago organise sa 17e vente aux enchères caritative d'art après cinq ans. Des œuvres de plus de 100 artistes, des peintures aux sculptures, seront mises aux enchères ce vendredi en présence de plus de 500 invités.
Par le passé, le MCA a organisé des ventes aux enchères d'œuvres d'art pour des musées avec un grand succès. En 2010, le musée a récolté 2,8 millions de dollars auprès des enchérisseurs et a pu répartir les recettes sur plusieurs exercices. « Tous les fonds sont directement destinés à soutenir la mission principale du MCA », a déclaré Michael Darling, conservateur en chef du musée James W. Alsdorf, dont les responsabilités incluent la collecte de fonds pour les programmes et l'éducation du musée.
Des fragments de notre psyché sont cousus ensemble pour former des souvenirs cohérents ; la joie d'observer et de célébrer les tâches quotidiennes à travers la connexion visuelle, le dialogue et l'esthétique est au cœur des sculptures et des œuvres en argile de Lynn Peters.
Au Lillstreet Arts Center, l'exposition « Spontaneity Made Concrete » se concentre sur des instantanés de vie. Ses œuvres, accrochées aux murs, représentent des animaux, des personnes et des formes qui contribuent à l'assemblage de plusieurs plans coexistant. De plus, Peters utilise la photographie et le texte pour captiver le spectateur, combinant plusieurs supports comme toile de fond d'un noyau sculptural. Stolen Moments est une œuvre de grande envergure composée de quatre sculptures, chacune intitulée Statue de la Liberté, Le Penseur, La Joconde et Sans titre, d'un logo en céramique du même nom et d'une photographie en noir et blanc. L'œuvre, tant par son thème que par sa présentation, est la plus expérimentale de l'exposition, utilisant l'imagination, la fragmentation et la vision comme sources de réflexion. L'image du chariot devant la friperie Ark se trouve à Wicker Park, avec quatre sculptures sur le mur en arrière-plan. Alors que le magasin était jonché de vêtements, de meubles et de bibelots, Peters a souligné que le chariot démodé et cassé était le symbole de l'Arche pour le quartier. À l'intérieur de la voiture, comme dans l'Arche, il y a des secrets inconnus, un tas de chiffons et les tendances de la mode de l'année dernière.
VICO à Mexico est un projet vidéo qui propose des ateliers et des ateliers encourageant l'étude du cinéma expérimental et de la cinématographie. Récemment, VICO a présenté pour la première fois à Chicago l'exposition « Antimontage, Correcting Subjectivity », comprenant une série de courts métrages réalisés par des étudiants lors d'un atelier animé par Javier Toscano. Co-organisée par Little House et Comfort Film, l'exposition présente 11 courts métrages d'artistes non traditionnels ou de créateurs qui ne se considèrent pas du tout comme des artistes.
Le film présenté est une série d'images détournées, de vidéos YouTube et de contextes politiques qui couvrent les sphères culturelle et numérique du Mexique. Dans « My Sweet 15 » de Dulce Rosas, plusieurs jeunes femmes ont participé et se sont produites lors de leur quinceañera. Traditionnellement, ces femmes portent des robes somptueuses, des bijoux et du maquillage pour leur 15e anniversaire. Dans le court-métrage « Rosas », l'artiste utilise des images de jeunes filles dansant, célébrant et se préparant pour la fête à venir. Au début du film, une jeune fille pleure et prend dans ses bras. Elle représente un ou plusieurs futurs rôles de la quinceañera. Le court-métrage a été primé, car plusieurs clips montrent les jeunes filles dansant maladroitement avec des poupées ou posant à côté de voitures de luxe. À première vue, on dirait un bal de promo typiquement américain.
L'exposition du week-end de l'Expo 2015 de Chicago, au Navy Pier Festival Hall, a réuni 140 galeries du monde entier. Dans une ambiance festive, THE SEEN, la filiale éditoriale indépendante de l'exposition, a publié son premier numéro papier ce week-end, et /Dialogues a animé trois journées riches en événements et en débats. IN/SITU propose des installations à grande échelle et des œuvres in situ dans de vastes salles à l'intérieur et à l'extérieur du Navy Pier.
L'œuvre la plus mémorable du projet IN/SITU, probablement en raison de son emplacement, est Trois Fenêtres de Daniel Buren, suspendue au plafond et illuminant l'espace de couleurs. Le reste de l'exposition était noyé dans l'affluence des visiteurs, et le corps, éveillé, se concentrait sur les petits objets du stand, levant les yeux vers ce qui se trouvait à l'étage et attirant les ventes.
Des artistes comme John Rafman ou Paolo Sirio, qui utilisent principalement Google Street View comme support, créent des images évocatrices et dérangeantes qui brouillent souvent les frontières juridiques du respect de la vie privée. Si photographier les gens dans les rues, les ruelles et les pelouses du monde entier est passionnant, ces artistes utilisent également le public et d'autres outils pour conceptualiser l'espace public. Depuis 2007, la technologie panoramique de Google Maps et Google Earth est devenue un moyen étrange et souvent facile de découvrir des lieux que l'on n'a jamais visités ou que l'on ne voulait pas visiter.
Imaginez Mark Fisher, collectionneur public de ses créations, et sa récente exposition « Hardcore Architecture » ​​à Franklin. Avant la réception d'admission de Mark, je l'ai interviewé par courriel.
Ce week-end, plus de 30 artistes invités présenteront leur travail au festival Around the Coyote au Flat Iron Arts Building à Wicker Park.
Un festival de trois jours se déroule autour de Coyote et célèbre les arts et les artistes de Wicker Park. Du vendredi au dimanche, les visiteurs peuvent visiter les ateliers des artistes, écouter des concerts et assister à des pièces de théâtre au Flat Iron Arts Building. Le festival débute par un dîner de gala le vendredi de 18h à 22h.
La synesthésie, comme son nom l'indique, est une sensation ressentie dans des parties du corps autres que la partie simulée. Elle est généralement associée à la musique perçue comme une couleur. Parmi les cas notables de ce trouble figurent David Hockney, Duke Ellington et Vladimir Nabokov.
Dans une exposition en cours au Musée international des sciences chirurgicales, Stevie Hanley explore l'expérience quotidienne et repousse les limites d'une action unique pour explorer plus largement plusieurs perspectives, émotions et associations. Hanley traduit les pathologies médicales en expositions artistiques. Sa capacité à associer la couleur et l'imagerie à des observations personnelles, glaçantes et curieuses, est mise en valeur dans l'exposition Synesthesia.
Le Musée international des sciences chirurgicales regorge d'instruments, d'équipements, d'inventions et d'histoires médicales qui ont contribué aux conditions étranges et quelque peu mystérieuses observées dans l'exposition. Hanley invite les visiteurs dans deux espaces de galerie ; tous deux proposent des projections vidéo et des installations, et un seul présente Dolly Parton bourdonnant.
L'exposition « Approaches » de Petr Skvara, composée de peintures émaillées sur grille et d'un ensemble de fragments intitulé « Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts », est actuellement présentée à la galerie Andrew Rafach à River West. Les dessins s'inspirent des sémaphores de drapeaux utilisés pour la communication entre les navires, et leur signification est reprise dans le titre. Certaines peintures représentent des significations qui peuvent être perçues ensemble, comme « Je dérive / Me donnerez-vous ma place ? » (2015, émail sur grille). Cependant, d'autres œuvres ont une signification différente, plus insolite, comme des recueils de déclarations. L'une d'elles dit : « Vous risquez d'être bloqués / J'avance », une expression sinistre pour ceux qui sont dans le besoin.
Le communiqué de presse de la galerie pour l'exposition « Approximation » mentionne la beauté et le sublime qui sont associés à l'idée d'un navire sur les vastes étendues de la mer. Une autre façon d'exprimer le sublime est le désir d'atteindre la perfection dans les lignes précises du sémaphore, néanmoins une approche plus humaine de la peinture que de la sérigraphie.
Le cabinet d'architecture VOA Associates, Inc., basé à Chicago, a été sélectionné comme lauréat d'un concours de conception architecturale de six mois financé par la Fondation Richard H. Driehaus.
VOA Associates concevra le Pullman Art Space dans le quartier historique de Pullman. Il comprendra 45 appartements abordables pour vivre et travailler, ainsi que des salles de classe, un espace d'exposition et des ateliers. Artspace Project Inc., dont le siège social est à Minneapolis, possède des bureaux à Los Angeles, La Nouvelle-Orléans, New York, Seattle et Washington DC.
En créant cet espace créatif, VOA Associates espérait respecter la « signature historique du quartier emblématique de Pullman » et accueillir ceux qui s'intéressent au tissage créatif dans le domaine public.
Au total, 20 cabinets d'architecture étaient représentés et 10 demi-finalistes ont été sélectionnés. Les trois finalistes ont reçu chacun 10 000 $ pour peaufiner leurs concepts, et VOA a été désigné vainqueur. Pullman Art Space s'engage à maintenir le statut de Pullman comme une communauté artistique de premier plan en offrant un espace créatif immersif à ses résidents.
Depuis le 4 octobre, dix-neuf sculptures du sculpteur chicagoan Charles Ray occupent trois grandes galeries au deuxième étage de l'aile moderne de l'Art Institute. La plupart sont figuratives et racontent leur propre histoire, comme « Femme endormie », une sculpture grandeur nature en acier inoxydable représentant une femme sans-abri endormie sur un banc. Mais certaines d'entre elles sont étonnamment non figuratives, et deux d'entre elles ont choqué les conservateurs du musée.
« Sculpture non peinte » (1997, fibre de verre et peinture) est une reconstitution fidèle d'une Pontiac Grand Am Crusher de 1991. Ray cherchait une épave de voiture adaptée – pas trop abîmée – et l'a démontée afin de construire chaque pièce en fibre de verre, puis de l'assembler pour former une voiture. Plusieurs personnes ont passé cinq jours à assembler la sculpture à la Modern Wing Gallery.
Je ne suis allé qu'une seule fois à la Hancock Tower et je n'aurais jamais pensé visiter une galerie d'art, mais bon, il y a une première fois à tout. En m'amusant, je me suis retrouvé au milieu d'un grand groupe de touristes et de photographes posant et souriants près d'une immense sculpture suspendue au plafond du hall. Pour y accéder, j'ai dû m'arrêter à un poste de sécurité où mon permis de conduire a été scanné et on m'a remis un reçu à code-barres qui m'a permis d'entrer par un portail futuriste. Dès l'ouverture de la porte, j'étais dans l'ascenseur et j'ai enfin pu admirer les œuvres. En me faufilant jusqu'aux portes vitrées de la galerie Richard Gray, je me suis senti dépaysé.
Fondée dans les années 1960, la galerie est un important pôle créatif pour les artistes de Chicago et de New York. Elle s'adresse aux collectionneurs et met l'accent sur l'importance des beaux-arts, de l'authenticité et de la qualité. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy et Jaume Plensa sont quelques-uns des artistes représentés par la galerie Richard Gray.
La nouvelle exposition « Body Building » ouvrira ses portes le 6 juillet sous le hall principal de la galerie et présentera les œuvres de Susan Rothenberg et David Hockney. Organisée par Gan Ueda et Raven Mansell, « Body Building » présente des œuvres des années 1900 à nos jours et s'intéresse à la relation entre la forme humaine et son regard architectural. Les œuvres exposées couvrent la période de 1917 à 2012 et mettent en valeur une variété de matériaux et de techniques, dont la cire, l'encre, la laine, le crayon et le collage.
Le Musée d'Art Moderne continue d'explorer avec audace la fusion des beaux-arts avec d'autres formes créatives. L'exposition récemment inaugurée, « Principes de liberté : expériences artistiques et musicales de 1965 à nos jours », célèbre le 50e anniversaire de l'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), groupe de jazz expérimental de Chicago, qui continue de repousser les limites du jazz.
L'exposition, inaugurée le 11 juillet, occupe les galeries du quatrième étage du musée et se compose de plusieurs grandes installations et de murs ornés de peintures vibrantes reflétant la couleur et la vie de la musique. De nombreux documents d'archives, tels que photographies, affiches, pochettes de disques, bannières et brochures, offrent un riche contexte historique.
Dans le cadre de sa campagne Kickstarter, Wabash Lights a lancé une levée de fonds pour une installation artistique publique sous la lettre « L » sur Wabash Avenue. En transformant le pont reliant le lac à Van Buren en une exposition interactive et publique de lumière et de couleurs, Wabash Lights attirera visiteurs et habitants. En moins de deux semaines, la campagne Kickstarter a atteint plus de la moitié de son objectif, mais le financement complet est encore nécessaire pour financer la phase de test bêta. Ce test permettra de résoudre les éventuels problèmes techniques et de conception dans un délai de 12 mois. Une fois la phase bêta terminée, l'investissement permettra de financer l'installation finale.
Le projet comprendra plus de 5 000 lampes LED placées sous les voies ferrées de Wabash Avenue. La première phase prévoit l'extension de plus de 6 000 mètres de lumières sur deux pâtés de maisons, de Madison à Adams. Wabash Boulevard, un quartier habituellement peu éclairé de la ville, sera modernisé par deux designers, Jack Newell et Seth Unger. Les visiteurs pourront non seulement admirer les différentes couleurs, mais aussi interagir et concevoir l'apparence des couleurs et des nuances. À l'aide d'un smartphone ou d'un ordinateur, ils pourront programmer et concevoir les lumières LED à leur guise.
Pour faire un don et gagner des récompenses comme des cris Facebook, des packs de fête, des t-shirts, des dîners d'artistes et plus encore, soutenez le projet sur Kickstarter.
La dernière exposition du Musée national d'art du Mexique, « Exiled Aliens », présentera le travail de l'artiste de Chicago Rodrigo Lara. L'exposition, qui ouvrira ses portes le 24 juillet, comprendra des installations spécialisées consacrées à la politique, à l'immigration et à la justice sociale. Les œuvres illustrent principalement le rapatriement des Mexicains dans les années 1930 et la réinstallation des personnes d'origine mexicaine aux États-Unis.
Aliens Destroyable ouvrira ses portes le vendredi 24 juillet avec une réception de 18h00 à 20h00 et sera exposé à la Galerie Kraft jusqu'au 28 février 2016.