Le bloc Gapers a été publié du 22 avril 2003 au 1er janvier 2016. Ce site restera archivé. Veuillez visiter Third Coast Review, un nouveau site web créé par plusieurs anciens élèves de l'Université du Kentucky. ✶ Merci à vos lecteurs et à vos contributions. ✶
J'ai finalement décidé de me lancer et d'écrire le dernier article pour Gapers Block, puis je l'ai mis en pause pendant une heure environ. J'ai été correctrice stagiaire pendant un an et auteure de pièces de théâtre et de fictions pendant près de trois ans. Moins que beaucoup d'auteurs confirmés de GB, certes, mais j'ai tout de même écrit 284 articles durant cette période. Gapers Block va beaucoup me manquer. C'est un espace intellectuellement et émotionnellement stimulant que de pouvoir écrire régulièrement sur les arts que j'affectionne : le théâtre, l'art, le design, l'architecture, et parfois les livres ou la musique.
Mon premier article a été publié en mai 2013 sur la page du club de lecture. Il s'agissait d'un portrait de Richard Hell, artiste punk rock des années 70, surtout connu pour son t-shirt « Please Kill Me ». Il s'exprimait, répondait aux questions et dédicaçait son nouveau livre dans une librairie en sous-sol sur Lincoln Avenue (j'ai rêvé que j'étais un clochard très propre sur lui). J'ai eu la chance de croiser le bassiste et chanteur aux côtés des Voidoids, de Television et des Heartbreakers. Ce fut un véritable privilège lorsque la rédactrice du club de lecture m'a proposé d'écrire un article sur lui.
C'est peut-être du pop art de votre père, mais les œuvres présentées dans la nouvelle exposition du MoMA restent d'une grande actualité et captivantes. L'art qui a bouleversé l'élite artistique mondiale il y a 50 ans a encore des histoires à raconter aujourd'hui.
Organisée par le MCA, l'exposition Neo-Pop Art Design réunit 150 œuvres d'art et de design dans une ambiance à la fois spirituelle et audacieuse. Elle rappelle la façon dont « The Art of Campbell's Soup Can » d'Andy Warhol fut d'abord ridiculisée par le grand public. C'est alors que les collectionneurs avertis commencèrent à s'intéresser à Warhol.
Découvrir la vérité, raconter des histoires inédites et se libérer des traumatismes peuvent être une véritable purification spirituelle et émotionnelle. Dans le cadre du projet « Kane » de Corinne Peterson à Chicago, les participants sont invités à prendre part à des ateliers de modelage d'argile et de porcelaine et à partager leurs traumatismes pour les voir s'illuminer. Il leur est demandé de créer une « pierre » en argile pour représenter leurs ténèbres intérieures ou leurs traumatismes, puis de façonner un petit symbole de lumière en porcelaine. Après l'atelier, Peterson montre un monticule formé par la « pierre » d'argile et y dépose un petit objet en porcelaine, tel un nuage d'espoir.
Actuellement présentée au Lillstreet Art Center, l'exposition « Peterson's Cairn and the Cloud : Collective Expressions of Trauma and Hope », créée par les membres de plus de 60 ateliers, comprend de nombreuses sculptures en argile qui invitent à la méditation et à la réflexion.
Je me suis assise avec l'artiste sur deux sièges de méditation dans l'espace d'exposition et nous avons discuté des idées qui sous-tendent le projet de Kane, ainsi que de l'universalité du traumatisme et de l'espoir.
Étudiants, photographes et passionnés d'histoire de Chicago se passionnent pour l'hommage que Richard Nichol rend à la ville et à sa mémoire. Mais l'évocation des cinq cents n'est qu'une légende : celle de ces personnes qui ont donné leur vie pour la construction de Chicago.
Heureusement, la maison d'édition Urban Archives Press de Chicago vient de publier son deuxième ouvrage consacré au photographe et militant Richard Nickell : *Dangerous Years: What He Sees and What He Writes*. Ce livre offre une occasion unique de découvrir l'œuvre de Nickell et, par la même occasion, d'en apprendre davantage sur lui en tant que personne, à travers plus de 100 photographies et une centaine de documents, dont beaucoup ont été écrits de sa main.
Dépliant contenant une lettre sur les études de Nickel à l'école de design et un autoportrait de jeunesse.
Huit jeunes photographes iraniens, représentant différentes régions géographiques de leur pays, ont récemment tenu une exposition exceptionnelle au Bridgeport Arts Center, situé au 1200 West 35th Street. L'exposition se poursuit encore aujourd'hui.
L'exposition « Journey Inward » présente le travail de huit photographes iraniens qui dressent un portrait empreint d'empathie de leur pays. Ce projet se compose de deux volets : d'abord, des artistes participent à des formations pour apprendre auprès de professionnels du secteur grâce à des ateliers et d'autres ressources ; ensuite, l'exposition.
Vous avez peut-être aperçu des banderoles dans les rues du centre-ville ou des clients fidèles, mais le mois prochain, le salon One of a Kind Show and Sale revient pour sa 15e édition des soldes de fin d'année. Cet événement de shopping artisanal réunira plus de 600 artistes, artisans et créateurs venus de tous les États-Unis.
Le 13 novembre, la galerie Elephant Room inaugure une nouvelle exposition de Jennifer Cronin, originaire de l'Illinois. Son projet « Shuttered » présente une série de dessins réalistes de maisons représentant des quartiers délabrés du sud des États-Unis. Vous trouverez ci-dessous une interview par courriel où Cronin évoque ses débuts en peinture, son intérêt pour l'architecture de Chicago et son souci du détail.
Des événements étranges et terrifiants nous ont tous procuré du plaisir en cette douce saison automnale. Sorcières et écureuils dans le couloir dévorent déjà des citrouilles sur le perron, et j'espère ne pas être le seul à appréhender Halloween. Voici donc une liste de 14 spectacles et autres activités artistiques passionnants (sans ordre particulier) pour célébrer Halloween cette année.
Le seul lieu de divertissement rétro de Chicago vous propose burlesque, comédie, cirque, magie et ambiance festive tous les soirs jusqu'à fin octobre. Ne manquez pas le Cabaret des Sorcières, un spectacle sur le thème des sorcières, tous les lundis à 19h. À 20h, des spectacles vous plongent dans la magie de l'Uptown Underground avec des numéros sanglants, du strip-tease, des arts du cirque et bien plus encore. Réservé aux plus de 21 ans. Réservation conseillée. Cliquez ici pour plus d'informations.
Cette année marque la 17e édition de la vente aux enchères caritative du Musée d'art moderne de Chicago, après cinq ans d'absence. Des œuvres de plus de 100 artistes, allant de la peinture à la sculpture, seront mises aux enchères ce vendredi en présence de plus de 500 invités.
Par le passé, le MCA a organisé avec succès des ventes aux enchères d'œuvres d'art pour des musées. En 2010, le musée a récolté 2,8 millions de dollars auprès des enchérisseurs et a pu répartir les recettes sur plusieurs exercices. « L'intégralité des fonds est directement consacrée à la mission principale du MCA », a déclaré Michael Darling, conservateur en chef du musée James W. Alsdorf, dont les responsabilités comprennent la collecte de fonds pour les programmes et les activités éducatives du musée.
Des fragments de notre psyché sont assemblés pour former des souvenirs cohérents ; la joie d'observer et de célébrer les tâches quotidiennes à travers la connexion visuelle, le dialogue et l'esthétique est au cœur des sculptures et des œuvres en argile de Lynn Peters.
Au Lillstreet Arts Center, l'exposition « Spontanéité concrétisée » met en lumière des instantanés de la vie. Ses œuvres, accrochées aux murs, représentent des animaux, des personnes et des formes qui contribuent à l'assemblage de plusieurs plans coexistant simultanément. Peters utilise également la photographie et le texte pour interpeller les visiteurs, combinant différents médias en toile de fond d'un noyau sculptural. « Moments volés » est une œuvre de grande envergure composée de quatre sculptures, intitulées respectivement Statue de la Liberté, Le Penseur, Mona Lisa et Sans titre, d'un logo en céramique du même nom et d'une photographie en noir et blanc. Cette œuvre, tant par son thème que par sa présentation, est la plus expérimentale de l'exposition, puisant son inspiration dans l'imagination, la fragmentation et la vision. L'image du chariot devant le magasin d'articles d'occasion Ark se situe à Wicker Park, avec quatre sculptures accrochées au mur en arrière-plan. Alors que le magasin regorgeait de vêtements, de meubles et de bibelots, Peters a remarqué que le chariot, vétuste et délabré, symbolisait l'Arche pour le quartier. À l'intérieur de la voiture, comme dans l'Arche, se cachent des secrets insoupçonnés, un tas de chiffons et les tendances de la mode de l'année dernière.
VICO, à Mexico, est un projet vidéo qui organise des ateliers et des formations encourageant l'étude du cinéma expérimental et de la cinématographie. Récemment, VICO a présenté pour la première fois à Chicago l'exposition « Antimontage, Corriger la subjectivité », comprenant une série de courts métrages réalisés par des étudiants lors d'un atelier animé par Javier Toscano. Co-organisée par Little House et Comfort Film, l'exposition présente 11 courts métrages d'artistes non conventionnels ou de créateurs qui ne se considèrent pas comme des artistes.
Le film présenté est une série d'images détournées, de vidéos YouTube et de contextes politiques qui explorent les sphères culturelles et numériques du Mexique. Dans « My Sweet 15 » de Dulce Rosas, plusieurs jeunes femmes participent à leur quinceañera. Traditionnellement, elles portent des robes somptueuses, des bijoux et du maquillage pour leur quinzième anniversaire. Dans le court-métrage « Rosas », l'artiste utilise des images de jeunes filles dansant, faisant la fête et se préparant pour l'événement. Au début du film, une jeune fille pleure et enlace quelqu'un. Elle représente un ou plusieurs rôles futurs de la quinceañera. Le court-métrage a été salué, car plusieurs extraits montrent les jeunes filles dansant maladroitement avec des poupées ou posant à côté de voitures de luxe. Au premier abord, on croirait assister à un bal de promo américain typique.
L'exposition-spectacle Chicago Expo 2015, qui s'est tenue le week-end dernier au Navy Pier Festival Hall, a réuni 140 galeries du monde entier. Dans une ambiance festive, THE SEEN, le magazine indépendant partenaire de l'exposition, a publié son premier numéro imprimé durant le week-end, tandis que /Dialogues a organisé trois journées intenses de tables rondes et de conférences. IN/SITU propose des installations de grande envergure et des œuvres in situ dans de vastes halls situés à l'intérieur et à l'extérieur du Navy Pier.
L'œuvre la plus marquante du projet IN/SITU, sans doute de par son emplacement, est « Trois Fenêtres » de Daniel Buren, qui illumine l'espace et diffuse des couleurs depuis le plafond. Le reste de l'exposition se perdait dans le flot incessant des visiteurs, dont l'attention se portait sur les objets plus modestes du stand, levant les yeux vers ce qui se trouvait à l'étage et générant des ventes.
Des artistes comme John Rafman ou Paolo Sirio, qui utilisent principalement Google Street View comme médium, créent des images saisissantes et troublantes qui brouillent souvent les frontières entre droit et vie privée. Photographier des gens dans les rues, les ruelles et les jardins du monde entier est certes passionnant, mais ces artistes utilisent également l'espace public et d'autres outils pour conceptualiser la sphère publique. Depuis 2007, la technologie panoramique de Google Maps et Google Earth est devenue un moyen étrange, et souvent facile, de découvrir des lieux que l'on n'a jamais visités ou que l'on n'a jamais souhaité visiter.
Imaginez Mark Fisher, collectionneur public de ses créations, et sa récente exposition Hardcore Architecture à Franklin. Avant le vernissage, je l'ai interviewé par courriel.
Ce week-end, plus de 30 artistes invités présenteront leurs œuvres au festival Around the Coyote, qui se tiendra au Flat Iron Arts Building de Wicker Park.
Un festival de trois jours se déroule autour de Coyote pour célébrer les arts et les artistes de Wicker Park. Du vendredi au dimanche, les visiteurs peuvent pénétrer dans le Flat Iron Arts Building pour visiter les ateliers d'artistes, assister à des concerts et à des représentations théâtrales. Le festival débute par un dîner de gala le vendredi de 18h à 22h.
La synesthésie, comme son nom l'indique, est une sensation ressentie dans d'autres parties du corps que celles simulées, et est le plus souvent associée à la perception de la musique en termes de couleurs. Parmi les cas notables de synesthésie, on peut citer David Hockney, Duke Ellington et Vladimir Nabokov.
Dans une exposition en cours au Musée international des sciences chirurgicales, Stevie Hanley explore l'expérience quotidienne et dépasse les limites d'une action isolée pour embrasser une exploration plus vaste de multiples perspectives, émotions et associations. Hanley transpose les pathologies médicales sous forme d'expositions artistiques. Son talent pour relier couleurs et images à des observations personnelles à la fois troublantes et intrigantes est mis en lumière dans l'exposition « Synesthésie ».
Le Musée international des sciences chirurgicales regorge d'instruments médicaux, d'équipements, d'inventions et d'histoires qui ont contribué aux pathologies étranges et parfois mystérieuses présentées dans l'exposition. Hanley invite les visiteurs à explorer deux espaces d'exposition ; tous deux proposent des projections vidéo et des installations, et seul l'un d'eux diffuse une vidéo de Dolly Parton.
L'exposition « Approches » de Petr Skvara, composée de peintures sur émail sur grille et d'une collection de fragments intitulée « Épave, Épave, Lagan et Paria », est actuellement présentée à la galerie Andrew Rafach de River West. Les dessins s'inspirent des signaux de communication entre navires, dont la signification est reprise dans le titre. Certaines peintures véhiculent des significations qui se complètent, comme « Je dérive / Me laisseras-tu ma place » (2015, émail sur grille). D'autres œuvres, en revanche, recèlent une signification différente et inattendue, à l'image de collections de déclarations. On peut lire sur l'une d'elles : « Tu risques d'être échoué / J'avance », une expression sombre pour ceux qui sont dans le besoin.
Le communiqué de presse de la galerie concernant l'exposition « Approximation » évoque la beauté et le sublime associés à l'idée d'un navire sur l'immensité de la mer. Une autre manière d'exprimer ce sublime est la recherche de la perfection dans la précision des lignes du sémaphore, une approche picturale plus humaine que la sérigraphie.
Le cabinet d'architecture VOA Associates, Inc., basé à Chicago, a été sélectionné comme lauréat d'un concours de conception architecturale de six mois financé par la Fondation Richard H. Driehaus.
VOA Associates concevra le Pullman Art Space dans le quartier historique de Pullman. Ce complexe comprendra 45 appartements abordables pour y vivre et y travailler, ainsi que des salles de classe, un espace d'exposition et des ateliers. Artspace Project Inc., dont le siège social est à Minneapolis, possède des bureaux à Los Angeles, La Nouvelle-Orléans, New York, Seattle et Washington D.C.
En créant cet espace créatif, VOA Associates espérait respecter la « signature historique du quartier emblématique de Pullman » et accueillir ceux qui s'intéressent à l'intégration créative du tissage dans l'espace public.
Vingt cabinets d'architectes étaient représentés et dix demi-finalistes ont été sélectionnés. Les trois finalistes ont chacun reçu 10 000 $ pour peaufiner leurs concepts, et VOA a été désigné lauréat. Pullman Art Space s'engage à maintenir le statut de Pullman comme pôle artistique majeur en offrant à ses habitants un lieu de création immersif.
Depuis le 4 octobre, dix-neuf sculptures du sculpteur chicagoan Charles Ray occupent trois grandes galeries au deuxième étage de l'aile moderne de l'Art Institute. La plupart des œuvres sont figuratives et racontent leur propre histoire, comme « Femme endormie », une sculpture grandeur nature en acier inoxydable représentant une sans-abri dormant sur un banc. Mais certaines sont étonnamment non figuratives, et deux d'entre elles ont choqué les conservateurs du musée.
« Sculpture non peinte » (1997, fibre de verre et peinture) est une reproduction fidèle d'une Pontiac Grand Am Crusher de 1991. Ray recherchait une épave convenable – pas trop abîmée – qu'il a démontée afin de fabriquer chaque pièce en fibre de verre, puis de les assembler pour reconstituer la voiture. Plusieurs personnes ont passé cinq jours à assembler la sculpture à la galerie Modern Wing.
Je n'étais allée qu'une seule fois à la Hancock Tower et je n'aurais jamais imaginé visiter une galerie d'art, mais bon, il y a une première fois à tout. M'amusant, je me suis retrouvée au milieu d'un grand groupe de touristes et de photographes, posant et souriant près d'une immense sculpture suspendue au plafond du hall. Pour accéder à l'espace, j'ai dû m'arrêter à un poste de sécurité où mon permis de conduire a été scanné et où l'on m'a remis un reçu à code-barres me permettant d'entrer par un portail futuriste. Dès que la porte s'est ouverte, j'étais dans l'ascenseur et j'ai enfin pu admirer les œuvres. En m'approchant furtivement des portes vitrées de la galerie Richard Gray, je me sentais à la fois déplacée et hors de mon élément.
Fondée dans les années 1960, la galerie est un important centre de création pour les artistes de Chicago et de New York. Elle s'adresse aux collectionneurs et met l'accent sur l'importance des beaux-arts, de l'authenticité et de la qualité. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy et Jaume Plensa comptent parmi les artistes représentés par la galerie Richard Gray.
La nouvelle exposition « Body Building », présentée sous le hall d'entrée de la galerie, ouvrira ses portes le 6 juillet et mettra en lumière les œuvres de Susan Rothenberg et David Hockney. Organisée par Gan Ueda et Raven Mansell, cette exposition rassemble des œuvres réalisées entre 1900 et nos jours et explore le rapport entre la forme humaine et sa perception architecturale. Les œuvres exposées, datant de 1917 à 2012, témoignent d'une grande variété de matériaux et de techniques, parmi lesquels la cire, l'encre, la laine, le crayon et le collage.
Le Museum of Modern Art continue d'explorer avec audace la fusion des beaux-arts avec d'autres formes d'expression artistique. L'exposition récemment inaugurée, « Principes de liberté : Expérimentations artistiques et musicales de 1965 à nos jours », célèbre le 50e anniversaire du groupe de jazz expérimental de Chicago, l'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), qui repousse sans cesse les limites du jazz.
L'exposition, inaugurée le 11 juillet, occupe les galeries du quatrième étage du musée et se compose de plusieurs grandes installations et de murs recouverts de peintures aux couleurs vibrantes qui reflètent l'énergie et la vitalité de la musique. De nombreux documents d'archives, tels que des photographies, des affiches, des pochettes de disques, des bannières et des brochures, offrent un riche contexte historique.
Wabash Lights a lancé une campagne Kickstarter pour financer une installation artistique publique sous la lettre « L » sur Wabash Avenue. En transformant le viaduc reliant le lac à Van Buren en une exposition interactive de lumières et de couleurs, Wabash Lights compte attirer aussi bien les visiteurs que les habitants de la région. En moins de deux semaines, la campagne Kickstarter a déjà récolté plus de la moitié de son objectif, mais le financement complet est encore nécessaire pour la mise en place de la phase de test. Ce test permettra de résoudre les problèmes techniques et de conception dans un délai de 12 mois. Une fois la phase de test terminée, l'investissement final financera l'installation définitive.
Le projet comprendra plus de 5 000 lampes LED installées sous les voies ferrées de Wabash Avenue. La première phase prévoit le déploiement de plus de 6 000 mètres de luminaires sur deux pâtés de maisons, entre Madison et Adams. Wabash Boulevard, un quartier habituellement peu éclairé, sera transformé par les designers Jack Newell et Seth Unger. Les visiteurs pourront non seulement admirer les différentes couleurs, mais aussi interagir avec elles et personnaliser leur rendu. À l'aide d'un smartphone ou d'un ordinateur, ils pourront programmer et créer des éclairages LED à leur guise.
Pour faire un don et gagner des récompenses comme des mentions sur Facebook, des kits de fête, des t-shirts, des dîners avec des artistes et bien plus encore, soutenez le projet sur Kickstarter.
La nouvelle exposition du Musée national d'art du Mexique, intitulée « Exilés », présentera le travail de l'artiste Rodrigo Lara, basé à Chicago. L'exposition, qui ouvrira ses portes le 24 juillet, comprendra des installations thématiques consacrées à la politique, à l'immigration et à la justice sociale. Les œuvres représentent principalement le rapatriement des Mexicains dans les années 1930 et l'installation de personnes d'origine mexicaine aux États-Unis.
L'exposition Aliens Destroyable ouvrira ses portes le vendredi 24 juillet avec un vernissage de 18h à 20h et sera visible à la galerie Kraft jusqu'au 28 février 2016.