Le bloc Gapers a été publié du 22 avril 2003 au 1er janvier 2016. Ce site restera archivé.Veuillez visiter Third Coast Review, un nouveau site Web créé par plusieurs anciens élèves britanniques.✶ Merci pour vos lecteurs et contributions.✶
J'ai décidé de franchir le pas et d'écrire le dernier message sur Gapers Block et de le mettre en attente pendant environ une heure.J'ai été éditeur de pages conditionnelles pendant un an et auteur de pièces de théâtre/fiction pendant presque trois ans.Moins que beaucoup d'auteurs britanniques seniors, mais pendant cette période, j'ai écrit 284 articles.Gapers Block va beaucoup me manquer.C'est intellectuellement et émotionnellement édifiant d'avoir un endroit où l'on peut régulièrement écrire sur les arts que j'aime – le théâtre, l'art, le design, l'architecture et parfois les livres ou la musique.
Mon premier article a été publié en mai 2013 sur la page du club de lecture.C'est une caractéristique de l'artiste punk rock des années 70 Richard Hell, mieux connu pour sa chemise "Please Kill Me".Il parle, répond aux questions et signe son nouveau livre dans un sous-sol de Lincoln Avenue (j'ai rêvé que j'étais un clochard très propre) et j'ai eu la chance de voir le bassiste et chanteur à côté des Voidoids, Television et Heartbreakers.Cela m'a encore plus aidé lorsque l'éditeur du club de lecture m'a demandé d'écrire un essai sur lui.
C'est peut-être le pop art de votre père, mais le travail présenté dans la nouvelle exposition du Musée d'art moderne est toujours frais et intéressant.L'art qui a choqué l'élite artistique mondiale il y a 50 ans a encore des histoires à raconter aujourd'hui.
Organisé par MCA, Neo-Pop Art Design réunit 150 œuvres d'art et de design dans un spectacle plein d'esprit et d'audace.Cela vous rappelle comment "The Art of Campbell's Soup Can" d'Andy Warhol a d'abord été ridiculisé par les non-initiés.C'est alors que les collectionneurs d'élite se sont réveillés et ont commencé à acheter Warhol.
Découvrir la vérité, raconter des histoires inédites et abandonner l'adversité traumatisante peuvent servir de purification spirituelle et émotionnelle.Au projet « Kane » de Corinne Peterson, les participants de Chicago sont invités à participer à leurs ateliers d'argile et de porcelaine et à partager leurs traumatismes pour les voir briller.Les gens ont reçu l'ordre de créer une "pierre" en argile pour représenter leur obscurité intérieure ou leur traumatisme, puis de créer un petit symbole de lumière en porcelaine.Après le séminaire, Peterson a montré un monticule dans la «roche» d'argile et a placé un jeton de porcelaine sur la stèle comme un nuage d'espoir.
Actuellement au Lillstreet Art Center, Peterson's Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope, créé par les membres de plus de 60 ateliers, comprend de nombreuses sculptures en argile qui invitent à la méditation et à la réflexion.
Je me suis assis avec l'artiste à deux sièges de méditation dans l'espace d'exposition et j'ai discuté des idées derrière le projet de Kane et de l'universalité du traumatisme et de l'espoir.
Étudiants, photographes et défenseurs de l'histoire de Chicago sont plongés dans l'ode de Richard Nichol à la ville et à sa mémoire.Mais la discussion typique sur le nickel n'est qu'une légende : des gens qui ont donné leur vie pour la construction.
Heureusement, Urban Archives Press, basé à Chicago, a publié son deuxième livre sur le photographe et activiste Richard Nickell : Dangerous Years : What He Sees and What He Writes.Ce livre est une occasion spéciale de découvrir le travail de Nickel et en même temps d'en apprendre davantage sur lui en tant que personne à travers plus de 100 photographies et 100 autres documents, dont beaucoup ont été écrits par Nickel à la main.
Dépliant avec une lettre sur les études de Nickel à l'école de design et un premier autoportrait.
Huit jeunes photographes iraniens représentant différentes régions géographiques de leur pays ont récemment organisé une exposition rare au Bridgeport Arts Center au 1200 West 35th Street.L'exposition continue à ce jour.
Journey Inward présente le travail d'un projet plus vaste impliquant huit photographes iraniens dépeignant leur pays avec empathie.Le projet se compose de deux parties.Premièrement, les artistes participent à la formation pour apprendre des autres dans l'industrie par le biais d'ateliers et d'autres ressources.L'exposition est la deuxième partie du projet.
Vous avez peut-être remarqué que des bannières de rue défilaient au centre-ville ou des clients fidèles, mais le mois prochain, le One of a Kind Show and Sale revient avec sa 15e vente annuelle des Fêtes.L'événement de magasinage artisanal réunira plus de 600 artistes, artisans et designers de partout aux États-Unis.
Le 13 novembre, la Elephant Room Gallery ouvre une nouvelle exposition de Jennifer Cronin, originaire de l'Illinois, dont le nouveau projet Shuttered présente une collection de quartiers délabrés de l'extrême sud, des dessins réalistes de maisons.Ce qui suit est une interview par e-mail qui parle des débuts de Cronin dans la peinture, de son intérêt pour l'architecture de Chicago et de son souci du détail.
Des événements étranges et terrifiants nous ont procuré à tous du plaisir en ce temps chaud d'automne.Les sorcières et les écureuils dans le couloir mangent déjà des citrouilles sur le porche, et j'espère que je ne suis pas le seul à m'attendre à des peurs effrayantes cette saison d'Halloween.Alors, voici une liste de 14 productions théâtrales passionnantes et autres activités artistiques (sans ordre particulier) pour célébrer Halloween cette année.
La seule destination de «divertissement rétro» de Chicago vous donne une raison de profiter du burlesque, de la comédie, du cirque, de la magie et de la fête tous les soirs jusqu'à la fin du mois d'octobre.Il n'y a personne ici sauf les sorcières Cabaret sur le thème des sorcières le lundi à 19h00.Des productions nocturnes à 20 h apportent une autre expérience magique au Uptown Underground, avec gore, strip-tease, arts du cirque et plus encore.21+ Réservation à l'avance recommandée.Cliquez ici pour plus d'informations.
Cette année sera la 17e vente aux enchères d'art-bénéfice organisée par le Chicago Museum of Modern Art après cinq ans.Les œuvres de plus de 100 artistes, des peintures aux sculptures, seront mises aux enchères ce vendredi avec plus de 500 invités.
Dans le passé, le MCA a organisé des ventes aux enchères d'art pour les musées avec beaucoup de succès.En 2010, le musée a recueilli 2,8 millions de dollars auprès des soumissionnaires et a pu répartir le produit sur plusieurs exercices."Tout l'argent va directement au soutien de la mission principale du MCA", a déclaré Michael Darling, conservateur en chef de James W. Alsdorf, dont les responsabilités incluent la collecte de fonds pour les programmes et l'éducation au musée.
Des fragments de notre psyché sont assemblés pour former des souvenirs cohérents ;la joie d'observer et de célébrer les tâches quotidiennes à travers la connexion visuelle, le dialogue et l'esthétique est au cœur des sculptures et des œuvres en argile de Lynn Peters.
Au Lillstreet Arts Center, l'exposition « Spontaneity Made Concrete » se concentre sur des instantanés de la vie.Ses œuvres, accrochées aux murs, représentent des animaux, des personnes et des formes qui contribuent à l'assemblage de plusieurs plans qui existent en même temps.De plus, Peters utilise la photographie et le texte pour activer les spectateurs, combinant plusieurs médias comme toile de fond pour un noyau sculptural.Stolen Moments est une œuvre à grande échelle comprenant quatre sculptures, chacune nommée Statue de la Liberté, Le Penseur, Mona Lisa et Untitled, un logo en céramique du même nom et une photographie en noir et blanc.L'œuvre, à la fois thématique et présentée, est la plus expérimentale de l'exposition, utilisant l'imagination, la fragmentation et la vision comme sources de perspicacité.L'image du chariot à l'extérieur de l'Ark Thrift Store se trouve dans Wicker Park, avec quatre sculptures sur le mur en arrière-plan.Alors que le magasin était jonché de vêtements, de meubles et de bibelots, Peters a noté que le chariot obsolète et cassé était le symbole de l'Arche pour la région.À l'intérieur de la voiture, comme dans l'Arche, il y a des secrets inconnus, un tas de chiffons et les tendances de la mode de l'année dernière.
VICO à Mexico est un projet vidéo qui accueille des ateliers et des ateliers qui encouragent l'étude du cinéma expérimental et de la cinématographie.Récemment, VICO a présenté pour la première fois à Chicago l'exposition « Antimontage, Correcting Subjectivity », comprenant une série de courts métrages réalisés par des étudiants lors d'un atelier dirigé par Javier Toscano.Co-organisée par Little House et Comfort Film, l'émission présente 11 courts métrages d'artistes non traditionnels ou de créateurs qui ne se considèrent pas du tout comme des artistes.
Le film présenté est une série d'images détournées, de vidéos YouTube et de contextes politiques qui couvrent les domaines culturels et numériques du Mexique.Dans My Sweet 15 de Dulce Rosas, plusieurs jeunes femmes ont participé et joué sur leur quinceañera.Traditionnellement, ces femmes portent des robes somptueuses, des bijoux et du maquillage pour leur 15e anniversaire.Dans le court métrage Rosas, l'artiste utilise des images de filles dansant, célébrant et se préparant pour la fête à venir.Au début du film, une fille pleure et se fait un câlin.Elle représente un ou plusieurs futurs rôles dans la quinceañera.Le court métrage a été honoré, car plusieurs clips présentent les filles dansant maladroitement avec des poupées ou posant à côté de voitures chères.À première vue, cela ressemble à un bal de promo pour adolescents All-American.
Le week-end de Chicago Expo 2015 au Navy Pier Festival Hall a réuni 140 galeries du monde entier.Dans une ambiance festive, THE SEEN, l'éditeur indépendant affilié à l'exposition, a sorti son premier numéro papier durant le week-end, et /Dialogues a animé trois journées bien remplies de tables rondes et de conférences.IN/SITU fournit des installations à grande échelle et des travaux spécifiques au site dans des halls spacieux à l'intérieur et à l'extérieur du Navy Pier.
La pièce la plus mémorable du projet IN/SITU, probablement en raison de son emplacement, est Three Windows de Daniel Buren, qui illumine l'espace et émet de la couleur lorsqu'elle est suspendue au plafond.Le reste de l'exposition a été perdu dans la ruée des visiteurs, et le corps excité s'est concentré sur les plus petits objets du stand, jetant un coup d'œil à ce qui se trouvait à l'étage et attirant les ventes.
Des artistes comme John Rafman ou Paolo Sirio, qui utilisent principalement Google Street View comme support, créent des images évocatrices et dérangeantes qui brouillent souvent les frontières des questions juridiques de confidentialité.S'il est passionnant de photographier des gens dans les rues, les ruelles et les pelouses du monde entier, ces artistes utilisent également le public et d'autres outils pour conceptualiser le domaine public.Depuis 2007, la technologie panoramique de Google Maps et Google Earth est devenue un moyen étrange et souvent facile de voir des endroits que les gens n'ont jamais visités ou ne voulaient pas visiter.
Imaginez Mark Fisher, un collectionneur public de ses créations, et sa récente exposition Hardcore Architecture à Franklin.Avant la réception des admissions de Mark, je l'ai interviewé par e-mail.
Ce week-end, plus de 30 artistes invités présenteront leur travail au festival Around the Coyote au Flat Iron Arts Building à Wicker Park.
Il y a un festival de trois jours autour de Coyote qui célèbre les arts et les artistes de Wicker Park.Du vendredi au dimanche, les visiteurs peuvent entrer dans le Flat Iron Arts Building pour visiter les studios d'artistes, écouter de la musique en direct et assister à des représentations théâtrales.Le festival commence par un dîner de gala le vendredi de 18h00 à 22h00.
La synesthésie, comme son nom l'indique, est "une sensation ressentie dans des parties du corps autres que la partie simulée" et est le plus souvent associée à la musique considérée comme une couleur.Les cas notables de cette condition incluent David Hockney, Duke Ellington et Vladimir Nabokov.
Dans une exposition en cours au Musée international des sciences chirurgicales, Stevie Hanley explore l'expérience quotidienne et étend les limites d'une seule action à une exploration plus large de plus d'une perspective, émotion et association.Hanley traduit les conditions médicales sous la forme d'expositions d'art.Sa capacité à relier la couleur et l'imagerie à des observations personnelles effrayantes et curieuses est présentée dans l'exposition Synesthesia.
Le Musée international des sciences chirurgicales regorge d'instruments médicaux, d'équipements, d'inventions et d'histoires qui ont contribué aux conditions bizarres et quelque peu mystérieuses vues dans l'exposition.Hanley invite les spectateurs dans deux espaces de galerie ;les deux incluent des projections vidéo et des installations, et un seul comprend le bourdonnement de Dolly Parton.
L'exposition « Approches » de Petr Skvara, composée de peintures sur émail sur une grille et d'une collection de fragments intitulée « Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts », est actuellement présentée à la galerie Andrew Rafach à River West.Les dessins sont basés sur des sémaphores de drapeau utilisés pour la communication entre les navires, et leur signification est répétée dans le titre.Certaines peintures mettent en scène des significations qui peuvent être vues ensemble, comme « Je dérive / Voulez-vous me donner ma place » (2015, émail sur grille).Cependant, d'autres œuvres ont une signification différente et inconnue en tant que recueils de déclarations.Un tableau dit : "Vous êtes en danger d'être bloqué / J'avance", une expression sinistre pour ceux qui en ont besoin.
Le communiqué de presse de la galerie pour l'exposition "Approximation" mentionne la beauté et le sublime qui sont associés à l'idée d'un navire sur les vastes étendues de la mer.Une autre manière d'exprimer le sublime est la volonté d'atteindre la perfection dans les lignes précises du sémaphore, approche néanmoins plus humaine de la peinture que de la sérigraphie.
Le cabinet d'architecture basé à Chicago VOA Associates, Inc. a été sélectionné comme lauréat d'un concours de conception architecturale de six mois financé par la Fondation Richard H. Driehaus.
VOA Associates concevra le Pullman Art Space dans le quartier historique de Pullman, qui comprendra 45 appartements abordables pour vivre et travailler, ainsi que des salles de classe, un espace d'exposition et des ateliers.Artspace Project Inc. a son siège social à Minneapolis et des bureaux à Los Angeles, La Nouvelle-Orléans, New York, Seattle et Washington DC.
En créant l'espace créatif, VOA Associates espérait respecter la "signature historique de l'emblématique Pullman District" et accueillir ceux qui s'intéressent au tissage créatif dans le domaine public.
Au total, 20 cabinets d'architectes étaient représentés et 10 demi-finalistes ont été sélectionnés.Les trois finalistes ont chacun reçu 10 000 $ pour affiner leurs concepts, et VOA a été sélectionné comme gagnant.Pullman Art Space s'engage à maintenir le statut de Pullman en tant que communauté artistique de premier plan en offrant un centre de création immersif à ses résidents.
Depuis le 4 octobre, dix-neuf sculptures du sculpteur de Chicago Charles Ray remplissent trois grandes galeries au deuxième étage de l'aile moderne de l'Art Institute.La plupart des œuvres sont figuratives et racontent leurs propres histoires, comme Sleeping Woman, une sculpture en acier inoxydable grandeur nature représentant une femme sans-abri endormie sur un banc.Mais certains d'entre eux sont scandaleusement non figuratifs, et deux d'entre eux ont choqué les conservateurs de musées.
« Sculpture non peinte » (1997, fibre de verre et peinture) est une reconstitution fidèle d'une Pontiac Grand Am Crusher de 1991.Ray cherchait une voiture accidentée appropriée - pas trop accidentée - et l'a démontée afin que chaque pièce puisse être construite à partir de fibre de verre puis assemblée dans une voiture.Plusieurs personnes ont passé cinq jours à assembler la sculpture à la Modern Wing Gallery.
Je ne suis allé qu'une seule fois à Hancock Tower et je n'aurais jamais pensé visiter une galerie d'art, mais bon, il y a une première fois à tout.En m'amusant, je me suis retrouvé parmi un grand groupe de touristes et de photographes posant et souriant près d'une immense sculpture accrochée au plafond de la salle.Pour accéder à l'espace, j'ai dû m'arrêter à un bureau de sécurité où mon permis de conduire a été scanné et on m'a remis un reçu à code-barres qui m'a permis d'entrer par une porte futuriste.Dès que la porte s'est ouverte, j'étais dans l'ascenseur et j'ai finalement eu l'occasion de regarder l'art.En rampant jusqu'aux portes vitrées de la galerie Richard Gray, je me sentais déplacé et déplacé.
Fondée dans les années 1960, la galerie a été un pôle créatif important pour les artistes de Chicago et de New York.La galerie s'adresse aux collectionneurs, mettant l'accent sur l'importance des beaux-arts, de l'authenticité et de la qualité.Magdalena Abakanovic, Jan Tichy et Jaume Plensa sont quelques exemples d'artistes représentés par la galerie Richard Gray.
La nouvelle exposition Body Building ouvre le 6 juillet sous le hall du hall principal de la galerie et présentera le travail de Susan Rothenberg et David Hockney.The Body Building, organisé par Gan Ueda et Raven Mansell, présente des travaux des années 1900 à nos jours et se concentre sur la relation entre la forme humaine et la façon dont elle est vue à travers une lentille architecturale.Les œuvres de l'exposition couvrent la période de 1917 à 2012 et présentent une variété de matériaux et de supports, notamment la cire, l'encre, la laine, le crayon et le collage.
Le Musée d'art moderne continue d'explorer avec audace la fusion des beaux-arts avec d'autres formes de création.L'exposition récemment inaugurée "Principes de liberté : expériences dans l'art et la musique de 1965 à nos jours" célèbre le 50e anniversaire du groupe de jazz expérimental de Chicago, l'Association pour l'avancement des musiciens créatifs (AACM), qui continue de repousser les limites du jazz.
L'exposition, inaugurée le 11 juillet, occupe les galeries du quatrième étage du musée et se compose de plusieurs grandes installations et de murs de peintures vibrantes qui reflètent la couleur et la vie de la musique.De nombreux documents d'archives tels que des photographies, des affiches, des pochettes de disques, des bannières et des brochures fournissent un riche contexte historique.
Wabash Lights a commencé à collecter des fonds pour une installation d'art public sous la lettre "L" sur Wabash Avenue dans le cadre de leur campagne Kickstarter.En transformant le survol du lac à Van Buren en une exposition interactive et publique de lumière et de couleur, Wabash Lights attirera les visiteurs et les habitants.En moins de deux semaines, la campagne Kickstarter a plus de la moitié atteint son objectif, mais un financement complet est toujours nécessaire pour financer la configuration du test bêta.Ce test résoudra tous les problèmes techniques et de conception dans les 12 mois.Une fois la version bêta terminée, l'investissement en capital financera l'installation finale.
Le projet comprendra plus de 5 000 lampes à DEL situées sous les rails de l'avenue Wabash.Les plans pour la première phase comprennent l'expansion de plus de 20 000 pieds de lumières le long de deux pâtés de maisons de Madison à Adams.Wabash Boulevard, une zone normalement peu éclairée de la ville, sera mise à jour par deux designers, Jack Newell et Seth Unger.Les visiteurs peuvent non seulement admirer les différentes couleurs, mais aussi interagir et concevoir l'apparence des couleurs et des nuances.À l'aide d'un smartphone ou d'un ordinateur, les gens peuvent programmer et concevoir des lumières LED à leur guise.
Pour faire un don et gagner des récompenses comme des Facebook Shouts, des packs de fête, des t-shirts, des dîners d'artistes et plus encore, soutenez le projet sur Kickstarter.
La dernière exposition du Musée national d'art du Mexique, Exiled Aliens, présentera le travail de l'artiste basé à Chicago, Rodrigo Lara.L'exposition, qui s'ouvre le 24 juillet, comprendra des installations spécialisées consacrées à la politique, à l'immigration et à la justice sociale.L'œuvre décrit principalement le rapatriement mexicain dans les années 1930 et la réinstallation de personnes d'origine mexicaine aux États-Unis.
Aliens Destroyable ouvrira le vendredi 24 juillet avec une réception de 18h00 à 20h00 et sera exposée à la Kraft Gallery jusqu'au 28 février 2016.