Blok Gapers był publikowany od 22 kwietnia 2003 do 1 stycznia 2016. Ta strona pozostanie zarchiwizowana.Zapraszamy do odwiedzenia Third Coast Review, nowej strony internetowej stworzonej przez kilku absolwentów z Wielkiej Brytanii.✶ Dziękujemy za czytelników i wkład.✶
Postanowiłem zaryzykować i napisać ostatni post na Gapers Block i zawiesić go na około godzinę.Przez rok byłem warunkowym redaktorem stron, a przez prawie trzy lata byłem pisarzem sztuk teatralnych.Mniej niż wielu starszych autorów GB, ale w tym czasie napisałem 284 artykuły.Będzie mi bardzo brakowało Gapers Block.To intelektualnie i emocjonalnie podnoszące na duchu posiadanie miejsca, w którym możesz regularnie pisać o sztuce, którą kocham – teatrze, sztuce, projektowaniu, architekturze, a czasem o książkach lub muzyce.
Mój pierwszy artykuł ukazał się w maju 2013 roku na stronie klubu książki.To cecha punkrockowego artysty z lat 70., Richarda Hella, najlepiej znanego z koszulki „Proszę mnie zabić”.Mówi, odpowiada na pytania i podpisuje swoją nową książkę w piwnicy z książkami na Lincoln Avenue (śniło mi się, że byłem bardzo czystym włóczęgą) i miałem szczęście zobaczyć basistę i wokalistę obok Voidoids, Television i Heartbreakers.Jeszcze bardziej pomogło, gdy redaktor klubu książki poprosił mnie o napisanie eseju o nim.
Może to pop-art twojego ojca, ale prace prezentowane na nowej wystawie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej są wciąż świeże i interesujące.Sztuka, która 50 lat temu zaszokowała światową elitę artystyczną, wciąż ma wiele do opowiedzenia.
Organizowany przez MCA, Neo-Pop Art Design skupia 150 dzieł sztuki i designu w pokazie pełnym dowcipu i zuchwałości.Przypomina to, jak „The Art of Campbell's Soup Can” Andy'ego Warhola było początkowo wyśmiewane przez niewtajemniczonych.Wtedy elitarni kolekcjonerzy obudzili się i zaczęli kupować Warhola.
Odkrywanie prawdy, opowiadanie nieopowiedzianych historii i puszczanie traumatycznych przeciwności losu może służyć jako duchowe i emocjonalne oczyszczenie.W ramach projektu „Kane” Corinne Peterson uczestnicy z Chicago są zaproszeni do udziału w warsztatach z gliny i porcelany i dzielenia się swoimi traumami, aby zobaczyć, jak błyszczą.Ludziom kazano stworzyć „kamień” z gliny, który reprezentował ich wewnętrzną ciemność lub traumę, a następnie stworzyć mały symbol światła z porcelany.Po seminarium Peterson pokazał kopiec w glinianej „skale” i umieścił porcelanowy żeton nad stelą jako chmurę nadziei.
Obecnie w Lillstreet Art Center, Peterson's Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope, stworzony przez członków ponad 60 warsztatów, zawiera wiele glinianych rzeźb, które zachęcają do medytacji i refleksji.
Usiadłem z artystą przy dwóch fotelach do medytacji w przestrzeni wystawy i przedyskutowałem idee stojące za projektem Kane'a oraz uniwersalność traumy i nadziei.
Studenci, fotografowie i miłośnicy historii Chicago są zanurzeni w odie Richarda Nichola do miasta i jego pamięci.Ale typowa dyskusja na temat niklu to tylko legenda: ludzie, którzy oddali życie za budowę.
Na szczęście wydawnictwo Urban Archives Press z siedzibą w Chicago opublikowało jego drugą książkę o fotografiku i aktywiście Richardzie Nickellu: Dangerous Years: What He Sees and What He Writes.Ta książka to szczególna okazja, aby poznać twórczość Nickela i jednocześnie poznać go jako osobę poprzez ponad 100 fotografii i kolejnych 100 dokumentów, z których wiele zostało napisanych przez Nickela odręcznie.
Ulotka z listem o studiach Nickela w szkole projektowej i wczesnym autoportretem.
Ośmiu młodych irańskich fotografów reprezentujących różne regiony geograficzne swojego kraju zorganizowało ostatnio rzadką wystawę w Bridgeport Arts Centre przy 1200 West 35th Street.Wystawa trwa do dziś.
Journey Inward przedstawia pracę w ramach większego projektu z udziałem ośmiu irańskich fotografów, przedstawiających swój kraj z empatią.Projekt składa się z dwóch części.Po pierwsze, artyści uczestniczą w szkoleniach, aby uczyć się od innych w branży poprzez warsztaty i inne zasoby.Wystawa jest drugą częścią projektu.
Być może zauważyłeś banery uliczne paradujące w centrum miasta lub lojalnych klientów, ale w przyszłym miesiącu jedyny w swoim rodzaju pokaz i wyprzedaż powraca z 15. doroczną wyprzedażą świąteczną.Wydarzenie związane z zakupami rzemieślniczymi zgromadzi ponad 600 artystów, rzemieślników i projektantów z całych Stanów Zjednoczonych.
13 listopada Elephant Room Gallery otwiera nową wystawę Jennifer Cronin, pochodzącej z Illinois, której nowy projekt Shuttered zawiera kolekcję zrujnowanych dzielnic na dalekim południu, realistyczne rysunki domów.Poniżej znajduje się wywiad e-mailowy, który mówi o początkach Cronina w malarstwie, zainteresowaniu architekturą Chicago i dbałością o szczegóły.
Niesamowite i przerażające wydarzenia sprawiły nam wszystkim przyjemność w tę ciepłą jesienną pogodę.Czarownice i wiewiórki w korytarzu już jedzą dynie na werandzie i mam nadzieję, że nie jestem jedyną osobą, która spodziewa się upiornych lęków w tym sezonie Halloween.Oto lista 14 ekscytujących przedstawień teatralnych i innych działań artystycznych (w przypadkowej kolejności), które możesz uczcić w tym roku Halloween.
Jedyne w Chicago miejsce „rozrywki retro” daje powód do cieszenia się burleską, komedią, cyrkiem, magią i imprezowaniem każdej nocy aż do końca października.Nie ma tu nikogo oprócz Czarownic Kabaret o tematyce czarownic w poniedziałki o 19:00.Nocne produkcje o 20:00 przynoszą kolejne magiczne wrażenia do Uptown Underground, obejmujące gore, striptiz, sztukę cyrkową i nie tylko.21+ Zalecana rezerwacja z wyprzedzeniem.Kliknij tutaj po więcej informacji.
W tym roku odbędzie się 17. Charytatywna Aukcja Sztuki zorganizowana po pięciu latach przez Chicago Museum of Modern Art.Prace ponad 100 artystów, od obrazów po rzeźby, zostaną zlicytowane w ten piątek z ponad 500 gośćmi.
W przeszłości MCA z wielkim sukcesem organizowało aukcje dzieł sztuki dla muzeów.W 2010 roku muzeum zebrało 2,8 miliona dolarów od oferentów i było w stanie rozłożyć wpływy na kilka lat podatkowych.„Wszystkie pieniądze idą bezpośrednio na wsparcie głównej misji MCA” — powiedział Michael Darling, główny kurator Jamesa W. Alsdorfa, do którego obowiązków należy zbieranie funduszy na programy i edukację w muzeum.
Fragmenty naszej psychiki są zszywane, tworząc spójne wspomnienia;radość z obserwowania i celebrowania codziennych zadań poprzez wizualne połączenie, dialog i estetykę leży u podstaw rzeźb i prac z gliny Lynn Peters.
W Lillstreet Arts Centre wystawa „Spontaneity Made Concrete” skupia się na migawkowych historiach z życia.Jej prace wiszące na ścianach przedstawiają zwierzęta, ludzi i formy, które składają się na montaż kilku płaszczyzn istniejących jednocześnie.Ponadto Peters wykorzystuje fotografię i tekst do aktywizacji widzów, łącząc wiele mediów jako tło dla rzeźbiarskiego rdzenia.Stolen Moments to wielkoformatowa praca obejmująca cztery rzeźby, każda o nazwie Statua Wolności, Myśliciel, Mona Lisa i Bez tytułu, ceramiczne logo o tej samej nazwie oraz czarno-białe zdjęcie.Praca, zarówno tematyczna, jak i prezentowana, jest najbardziej eksperymentalna na wystawie, wykorzystując wyobraźnię, fragmentację i wizję jako źródła wglądu.Obraz wózka na zewnątrz Ark Thrift Store znajduje się w Wicker Park, z czterema rzeźbami na ścianie w tle.Podczas gdy sklep był zaśmiecony ubraniami, meblami i bibelotami, Peters zauważył, że przestarzały i zepsuty wózek był symbolem Arki dla tego obszaru.W aucie, podobnie jak w Arce, kryją się nieznane tajemnice, kupa szmat i ubiegłoroczne trendy w modzie.
VICO w Mexico City to projekt wideo, w ramach którego odbywają się warsztaty i warsztaty zachęcające do studiowania kina eksperymentalnego i kinematografii.Niedawno VICO zaprezentowało po raz pierwszy w Chicago wystawę „Antimontage, Correcting Subjectivity”, zawierającą cykl krótkich filmów zrealizowanych przez studentów na warsztatach prowadzonych przez Javiera Toscano.Współorganizowany przez Little House i Comfort Film program zawiera 11 filmów krótkometrażowych autorstwa nietradycyjnych artystów lub twórców, którzy w ogóle nie uważają się za artystów.
Prezentowany film to seria sprzeniewierzonych obrazów, filmów z YouTube i kontekstów politycznych, które obejmują sferę kulturową i cyfrową Meksyku.W My Sweet 15 Dulce Rosas kilka młodych kobiet wzięło udział i wystąpiło na swojej quinceanera.Tradycyjnie te kobiety noszą wystawne sukienki, biżuterię i makijaż na swoje 15. urodziny.W filmie krótkometrażowym Rosas artystka wykorzystuje materiał filmowy przedstawiający dziewczyny tańczące, świętujące i przygotowujące się do nadchodzącej imprezy.Na początku filmu dziewczyna płacze i przytula się.Reprezentuje jedną lub więcej przyszłych ról w quinceanera.Film krótkometrażowy został uhonorowany, ponieważ w kilku klipach dziewczyny niezdarnie tańczą z lalkami lub pozują obok drogich samochodów.Na pierwszy rzut oka wygląda to jak amerykański bal maturalny dla nastolatków.
W weekendowym pokazie Chicago Expo 2015 w Navy Pier Festival Hall wzięło udział 140 galerii z całego świata.W świątecznej atmosferze THE SEEN, niezależna redakcja wystawy, wydała w weekend swój pierwszy drukowany numer, a /Dialogues było gospodarzem trzech pełnych akcji dni dyskusji panelowych i rozmów.IN/SITU zapewnia instalacje na dużą skalę i prace site-specific w przestronnych halach wewnątrz i na zewnątrz Navy Pier.
Najbardziej zapadającym w pamięć elementem projektu IN/SITU, prawdopodobnie ze względu na lokalizację, są trzy okna Daniela Burena, które zwisając z sufitu, rozświetlają przestrzeń i emitują kolor.Pozostała część wystawy przepadła w natłoku zwiedzających, a pobudzone ciało skupiło się na mniejszych przedmiotach w stoisku, zerkając na to, co było na górze i przyciągając sprzedaż.
Artyści tacy jak John Rafman czy Paolo Sirio, którzy używają przede wszystkim Google Street View jako swojego medium, tworzą sugestywne i niepokojące obrazy, które często zacierają granice prawnych kwestii prywatności.Podczas gdy fotografowanie ludzi na ulicach, alejkach i trawnikach na całym świecie jest ekscytujące, ci artyści wykorzystują również publiczność i inne narzędzia do konceptualizacji sfery publicznej.Od 2007 roku technologia panoramy dostępna w Mapach Google i Google Earth stała się dziwnym i często łatwym sposobem na zobaczenie miejsc, których ludzie nigdy nie odwiedzili lub nie chcieli odwiedzić.
Wyobraź sobie Marka Fishera, publicznego kolekcjonera jego projektów, i jego ostatnią wystawę Hardcore Architecture we Franklin.Przed przyjęciem Marka przeprowadziłem z nim wywiad za pośrednictwem poczty elektronicznej.
W ten weekend ponad 30 zaproszonych artystów zaprezentuje swoje prace na festiwalu Around the Coyote w Flat Iron Arts Building w Wicker Park.
Wokół Coyote odbywa się trzydniowy festiwal poświęcony sztuce i artystom z Wicker Park.Od piątku do niedzieli odwiedzający mogą wejść do Flat Iron Arts Building, aby odwiedzić pracownie artystów, posłuchać muzyki na żywo i obejrzeć przedstawienia teatralne.Festiwal rozpocznie się uroczystą kolacją w piątek od 18:00 do 22:00.
Synestezja, jak sama nazwa wskazuje, to „doznanie doświadczane w częściach ciała innych niż symulowana część” i najczęściej kojarzona jest z muzyką postrzeganą jako kolor.Godne uwagi przypadki tego stanu to David Hockney, Duke Ellington i Vladimir Nabokov.
Na trwającej wystawie w Międzynarodowym Muzeum Nauk Chirurgicznych Stevie Hanley bada codzienne doświadczenia i rozszerza ograniczenia pojedynczego działania na szerszą eksplorację więcej niż jednej perspektywy, emocji i skojarzeń.Hanley przekłada schorzenia na formę wystaw sztuki.Jego umiejętność łączenia kolorów i obrazów z osobistymi mrożącymi krew w żyłach i ciekawymi obserwacjami jest prezentowana na wystawie Synestezja.
Międzynarodowe Muzeum Nauk Chirurgicznych jest pełne instrumentów medycznych, sprzętu, wynalazków i historii, które przyczyniły się do dziwacznych i nieco tajemniczych warunków widocznych na wystawie.Hanley zaprasza widzów do dwóch przestrzeni galerii;oba obejmują projekcje wideo i instalacje, a tylko jeden zawiera brzęczenie Dolly Parton.
Wystawa „Approaches” Petra Skvary, składająca się z emaliowanych obrazów na siatce i kolekcji fragmentów zatytułowanej „Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts”, jest obecnie prezentowana w Andrew Rafach Gallery w River West.Rysunki wzorowane są na semaforach flagowych służących do komunikacji między statkami, a ich znaczenie powtarza się w tytule.Niektóre obrazy przedstawiają znaczenia, które można zobaczyć razem, np. „Dyfuję / Czy dasz mi moje miejsce” (2015, emalia na siatce).Jednak inne prace mają inne, nieznane znaczenie jako zbiory wypowiedzi.Jeden z obrazów głosi: „Grozi ci utknięcie / Ja idę naprzód”, ponury wyraz skierowany do potrzebujących.
W komunikacie prasowym galerii na temat wystawy „Zbliżenie” wspomina się o pięknie i wzniosłości, które kojarzą się z ideą statku na rozległych przestrzeniach morskich.Innym sposobem wyrażenia wzniosłości jest dążenie do perfekcji w precyzyjnych liniach semafora, jednak bardziej ludzkie podejście do malarstwa niż do sitodruku.
Firma architektoniczna VOA Associates, Inc. z siedzibą w Chicago została wybrana zwycięzcą sześciomiesięcznego konkursu na projekt architektoniczny finansowanego przez Fundację Richarda H. Driehausa.
VOA Associates zaprojektuje Pullman Art Space w historycznej dzielnicy Pullman, która obejmie 45 niedrogich mieszkań do życia i pracy, a także sale lekcyjne, przestrzeń wystawową i warsztaty.Artspace Project Inc. z siedzibą w Minneapolis i biurami w Los Angeles, Nowym Orleanie, Nowym Jorku, Seattle i Waszyngtonie.
Tworząc przestrzeń kreatywną, współpracownicy VOA mieli nadzieję uszanować historyczny „sygnatura kultowej dzielnicy Pullman” i powitać osoby zainteresowane kreatywnym tkaniem w sferze publicznej.
W sumie reprezentowanych było 20 firm architektonicznych i wybrano 10 półfinalistów.Każdy z trzech finalistów otrzymał po 10 000 USD na dopracowanie swoich koncepcji, a zwycięzcą została firma VOA.Pullman Art Space dokłada wszelkich starań, aby utrzymać status Pullman jako wiodącej społeczności artystycznej, zapewniając wciągające centrum kreatywności dla swoich mieszkańców.
Od 4 października dziewiętnaście rzeźb autorstwa chicagowskiego rzeźbiarza Charlesa Raya wypełnia trzy duże galerie na drugim piętrze Modern Wing of the Art Institute.Większość prac ma charakter figuratywny i opowiada własne historie, na przykład Śpiąca kobieta, naturalnej wielkości rzeźba ze stali nierdzewnej przedstawiająca bezdomną kobietę śpiącą na ławce.Ale niektóre z nich są szokująco niefiguratywne, a dwa z nich zszokowały kuratorów muzeów.
„Unpainted Sculpture” (1997, włókno szklane i farba) to wierne odtworzenie Pontiaca Grand Am Crusher z 1991 roku.Ray szukał odpowiedniego rozbitego samochodu – niezbyt rozbitego – i rozebrał go na części, aby każdą część można było zbudować z włókna szklanego, a następnie złożyć w samochód.Kilka osób spędziło pięć dni na montażu rzeźby w Galerii Modern Wing.
Byłem tylko raz w Hancock Tower i nigdy nie myślałem, że odwiedzę galerię sztuki, ale hej, na wszystko przychodzi pierwszy raz.Bawiąc się znalazłem się w sporej grupie turystów i fotografów pozujących i uśmiechających się przy ogromnej rzeźbie wiszącej na suficie sali.Aby uzyskać dostęp do przestrzeni, musiałem zatrzymać się przy stanowisku ochrony, gdzie zeskanowano moje prawo jazdy i otrzymałem paragon z kodem kreskowym, który pozwolił mi wejść przez futurystyczną bramę.Gdy tylko drzwi się otworzyły, znalazłem się w windzie i wreszcie miałem okazję obejrzeć sztukę.Podkradając się do szklanych drzwi Galerii Richarda Graya, czułem się nie na miejscu i nie na miejscu.
Założona w latach 60. galeria była ważnym ośrodkiem twórczym dla artystów z Chicago i Nowego Jorku.Galeria skierowana jest do kolekcjonerów, kładących nacisk na sztukę, autentyczność i jakość.Magdalena Abakanovic, Jan Tichy i Jaume Plensa to tylko niektóre przykłady artystów reprezentowanych przez Richard Gray Gallery.
Najnowsza wystawa Body Building zostanie otwarta 6 lipca pod lobby holu głównego galerii i zaprezentuje prace Susan Rothenberg i Davida Hockneya.The Body Building, którego kuratorami są Gan Ueda i Raven Mansell, prezentuje prace od początku XX wieku do dnia dzisiejszego i koncentruje się na związku między ludzką formą a tym, jak jest ona postrzegana przez pryzmat architektury.Prace na wystawie obejmują okres od 1917 do 2012 roku i prezentują różnorodne materiały i media, w tym wosk, tusz, wełnę, ołówek i kolaż.
Muzeum Sztuki Nowoczesnej nadal odważnie eksploruje łączenie dzieł sztuki z innymi formami twórczymi.Niedawno otwarta wystawa „Principles of Freedom: Experiments in Art and Music 1965 to the Present” upamiętnia 50. rocznicę powstania chicagowskiej eksperymentalnej grupy jazzowej Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), która wciąż przesuwa granice jazzu.
Wystawa, która została otwarta 11 lipca, zajmuje galerie na czwartym piętrze muzeum i składa się z kilku dużych instalacji i ścian żywych obrazów, które odzwierciedlają kolor i życie muzyki.Bogaty kontekst historyczny stanowią liczne archiwalia, takie jak fotografie, plakaty, okładki płyt, transparenty i broszury.
Wabash Lights zaczęło zbierać fundusze na publiczną instalację artystyczną pod literą „L” na Wabash Avenue w ramach swojej kampanii na Kickstarterze.Przekształcając wiadukt z jeziora do Van Buren w interaktywną i publiczną wystawę światła i koloru, Wabash Lights przyciągnie zarówno turystów, jak i mieszkańców.W mniej niż dwa tygodnie kampania na Kickstarterze osiągnęła ponad połowę swojego celu, ale nadal potrzebne są pełne fundusze, aby sfinansować konfigurację testów beta.Ten test rozwiąże wszelkie problemy techniczne i projektowe w ciągu 12 miesięcy.Po zakończeniu wersji beta inwestycja kapitałowa sfinansuje ostateczną instalację.
Projekt obejmie ponad 5000 lamp LED umieszczonych pod torami na Wabash Avenue.Plany na pierwszą fazę obejmują rozbudowę ponad 20 000 stóp świateł wzdłuż dwóch przecznic od Madison do Adams.Wabash Boulevard, normalnie słabo oświetlony obszar miasta, zostanie zaktualizowany przez dwóch projektantów, Jacka Newella i Setha Ungera.Odwiedzający mogą nie tylko podziwiać różne kolory, ale także wchodzić w interakcje i projektować, jak wyglądają kolory i odcienie.Za pomocą smartfona lub komputera ludzie mogą programować i projektować światła LED według własnych upodobań.
Aby przekazywać darowizny i zdobywać nagrody, takie jak Facebook Shouts, pakiety imprez, koszulki, kolacje artystów i nie tylko, wesprzyj projekt na Kickstarterze.
Najnowsza wystawa w meksykańskim Narodowym Muzeum Sztuki, Exiled Aliens, zaprezentuje prace artysty z Chicago, Rodrigo Lary.Na wystawie, której otwarcie zaplanowano na 24 lipca, znajdą się specjalistyczne instalacje poświęcone polityce, imigracji i sprawiedliwości społecznej.Praca przedstawia przede wszystkim meksykańską repatriację w latach trzydziestych XX wieku i przesiedlenie ludności pochodzenia meksykańskiego do Stanów Zjednoczonych.
Wystawa Aliens Destroyable zostanie otwarta w piątek 24 lipca przyjęciem od 18:00 do 20:00 i będzie prezentowana w Galerii Kraft do 28 lutego 2016 roku.