Blok Gapers był publikowany od 22 kwietnia 2003 do 1 stycznia 2016. Ta strona pozostanie zarchiwizowana. Odwiedź Third Coast Review, nową stronę internetową stworzoną przez kilku absolwentów z Wielkiej Brytanii. ✶ Dziękujemy za czytelników i wkład. ✶
Postanowiłem zaryzykować i napisać ostatni post na Gapers Block, odkładając go na około godzinę. Przez rok byłem warunkowym redaktorem stron, a przez prawie trzy lata pisarzem sztuk teatralnych i beletrystyki. Mniej niż wielu starszych autorów GB, ale w tym czasie napisałem 284 artykuły. Będzie mi bardzo brakować Gapers Block. To intelektualnie i emocjonalnie budujące mieć miejsce, w którym można regularnie pisać o sztukach, które kocham – teatrze, sztuce, projektowaniu, architekturze, a czasem o książkach lub muzyce.
Mój pierwszy artykuł został opublikowany w maju 2013 r. na stronie klubu książki. Jest to artykuł o artyście punkrockowym z lat 70. Richardzie Hellu, najbardziej znanym z koszulki „Please Kill Me”. Rozmawia, odpowiada na pytania i podpisuje swoją nową książkę w piwnicy na Lincoln Avenue (śniło mi się, że jestem bardzo czystym bumem) i miałem szczęście zobaczyć basistę i wokalistę obok Voidoids, Television i Heartbreakers. Pomogło mi jeszcze bardziej, gdy redaktor klubu książki poprosił mnie o napisanie eseju o nim.
To może być pop-art twojego ojca, ale prace prezentowane na nowej wystawie Museum of Modern Art są wciąż świeże i interesujące. Sztuka, która szokowała światową elitę artystyczną 50 lat temu, nadal ma historie do opowiedzenia.
Zorganizowany przez MCA Neo-Pop Art Design gromadzi 150 dzieł sztuki i designu w pokazie pełnym dowcipu i śmiałości. Przypomina to, jak „Sztuka puszki zupy Campbella” Andy'ego Warhola została początkowo wyśmiana przez niewtajemniczonych. Wtedy to elitarni kolekcjonerzy obudzili się i zaczęli kupować Warhola.
Odkrywanie prawdy, opowiadanie nieopowiedzianych historii i pozbywanie się traumatycznych przeciwności losu może służyć jako duchowe i emocjonalne oczyszczenie. W projekcie „Kane” Corinne Peterson uczestnicy z Chicago są zapraszani do udziału w warsztatach z gliny i porcelany oraz do dzielenia się swoimi traumami, aby zobaczyć, jak lśnią. Ludziom nakazano stworzyć „kamień” z gliny, aby reprezentował ich wewnętrzną ciemność lub traumę, a następnie stworzyć mały symbol światła z porcelany. Po seminarium Peterson pokazała kopiec w glinianej „skale” i umieściła porcelanowy żeton nad stelą jako chmurę nadziei.
Wystawa Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope, którą obecnie można oglądać w Lillstreet Art Center, została stworzona przez członków ponad 60 warsztatów. Na wystawę składa się wiele rzeźb z gliny, które zachęcają do medytacji i refleksji.
Usiadłem z artystą przy dwóch miejscach do medytacji w przestrzeni wystawowej i omówiliśmy idee stojące za projektem Kane'a oraz uniwersalność traumy i nadziei.
Studenci, fotografowie i zwolennicy historii Chicago są zanurzeni w odzie Richarda Nichol do miasta i jego pamięci. Ale typowa dyskusja o niklu to po prostu legenda: ludzie, którzy oddali życie za budowę.
Na szczęście wydawnictwo Urban Archives Press z Chicago opublikowało jego drugą książkę o fotografiku i aktywiście Richardzie Nickellu: Dangerous Years: What He Sees and What He Writes. Ta książka to wyjątkowa okazja, aby poznać twórczość Nickela i jednocześnie dowiedzieć się o nim jako o osobie poprzez ponad 100 fotografii i 100 innych dokumentów, z których wiele zostało napisanych przez Nickela ręcznie.
Ulotka z listem informującym o studiach Nickela w szkole projektowania oraz wczesnym autoportretem.
Osiem młodych irańskich fotografów reprezentujących różne regiony geograficzne swojego kraju niedawno zorganizowało rzadką wystawę w Bridgeport Arts Center przy 1200 West 35th Street. Wystawa trwa do dziś.
Journey Inward prezentuje prace większego projektu, w którym bierze udział ośmiu irańskich fotografów, którzy z empatią przedstawiają swój kraj. Projekt składa się z dwóch części. Po pierwsze, artyści uczestniczą w szkoleniu, aby uczyć się od innych w branży poprzez warsztaty i inne zasoby. Wystawa jest drugą częścią projektu.
Być może zauważyłeś transparenty uliczne paradujące w centrum miasta lub lojalnych klientów, ale w przyszłym miesiącu One of a Kind Show and Sale powraca z 15. doroczną wyprzedażą świąteczną. Wydarzenie zakupowe dla rzemieślników zgromadzi ponad 600 artystów, rzemieślników i projektantów z całych Stanów Zjednoczonych.
13 listopada Elephant Room Gallery otworzy nową wystawę pochodzącą z Illinois Jennifer Cronin, której nowy projekt Shuttered prezentuje zbiór zaniedbanych dzielnic na dalekim południu, realistyczne rysunki domów. Poniżej znajduje się wywiad e-mailowy, w którym opowiada o początkach Cronin w malarstwie, zainteresowaniu architekturą Chicago i dbałości o szczegóły.
Upiorne i przerażające wydarzenia sprawiły nam wszystkim przyjemność w tę ciepłą jesienną pogodę. Wiedźmy i wiewiórki na korytarzu już jedzą dynie na ganku, a mam nadzieję, że nie jestem jedyną osobą, która spodziewa się strasznych strachów w tym sezonie Halloween. Oto lista 14 ekscytujących produkcji teatralnych i innych działań artystycznych (bez określonej kolejności), które możesz wykorzystać do świętowania Halloween w tym roku.
Jedyne miejsce w Chicago, gdzie można „retro rozrywkę” daje powód, aby cieszyć się burleską, komedią, cyrkiem, magią i imprezowym życiem każdej nocy aż do końca października. Nie ma tu nikogo oprócz czarownic Kabaret na temat czarownic w poniedziałki o 19:00. Wieczorne produkcje o 20:00 przynoszą kolejne magiczne doświadczenie do Uptown Underground, oferując gore, striptiz, sztukę cyrkową i wiele więcej. 21+ Zalecana wcześniejsza rezerwacja. Kliknij tutaj, aby uzyskać więcej informacji.
W tym roku odbędzie się 17. Aukcja Sztuki Benefit Art Auction organizowana przez Chicago Museum of Modern Art po pięciu latach. Prace ponad 100 artystów, od obrazów po rzeźby, zostaną wystawione na aukcji w ten piątek z udziałem ponad 500 gości.
W przeszłości MCA z wielkim powodzeniem organizowało aukcje dzieł sztuki dla muzeów. W 2010 r. muzeum zebrało 2,8 mln USD od oferentów i mogło rozłożyć dochód na kilka lat fiskalnych. „Wszystkie pieniądze trafiają bezpośrednio na wsparcie głównej misji MCA” — powiedział Michael Darling, główny kurator Jamesa W. Alsdorfa, którego obowiązki obejmują zbieranie funduszy na programy i edukację w muzeum.
Fragmenty naszej psychiki łączą się ze sobą, tworząc spójne wspomnienia. Radość z obserwacji i celebrowania codziennych czynności poprzez wizualne połączenie, dialog i estetykę stanowi istotę rzeźb i prac z gliny Lynn Peters.
W Lillstreet Arts Center wystawa „Spontaneity Made Concrete” skupia się na migawkowych historiach z życia. Jej prace, wiszące na ścianach, przedstawiają zwierzęta, ludzi i formy, które przyczyniają się do montażu kilku płaszczyzn, które istnieją w tym samym czasie. Ponadto Peters wykorzystuje fotografię i tekst, aby aktywować widzów, łącząc wiele mediów jako tło dla rzeźbiarskiego rdzenia. Stolen Moments to praca na dużą skalę obejmująca cztery rzeźby, każda z nich nazwana Statua Wolności, Myśliciel, Mona Lisa i Bez tytułu, ceramiczne logo o tej samej nazwie oraz czarno-białą fotografię. Praca, zarówno tematycznie, jak i prezentowana, jest najbardziej eksperymentalna na wystawie, wykorzystując wyobraźnię, fragmentację i wizję jako źródła wglądu. Obraz wózka przed Ark Thrift Store znajduje się w Wicker Park, z czterema rzeźbami na ścianie w tle. Podczas gdy sklep był zaśmiecony ubraniami, meblami i bibelotami, Peters zauważyła, że ​​przestarzały i zepsuty wózek był symbolem Arki dla tego obszaru. Wewnątrz samochodu, podobnie jak w Arce, kryją się nieznane sekrety, sterta szmat i zeszłoroczne trendy w modzie.
VICO w Mexico City to projekt wideo, który organizuje warsztaty i warsztaty zachęcające do studiowania eksperymentalnego kina i kinematografii. Niedawno VICO po raz pierwszy zaprezentowało w Chicago wystawę „Antimontage, Correcting Subjectivity”, obejmującą serię krótkich filmów nakręconych przez studentów podczas warsztatów prowadzonych przez Javiera Toscano. Współprowadzony przez Little House i Comfort Film pokaz obejmuje 11 krótkich filmów niestandardowych artystów lub twórców, którzy w ogóle nie uważają się za artystów.
Prezentowany film to seria niewłaściwie przywłaszczonych obrazów, filmów z YouTube i kontekstów politycznych, które obejmują kulturowe i cyfrowe sfery Meksyku. W filmie Dulce Rosas My Sweet 15 kilka młodych kobiet uczestniczyło i występowało na swoich quinceañera. Tradycyjnie te kobiety noszą wystawne suknie, biżuterię i makijaż na swoje 15. urodziny. W krótkometrażowym filmie Rosas artystka wykorzystuje materiał filmowy przedstawiający dziewczyny tańczące, świętujące i przygotowujące się do nadchodzącej imprezy. Na początku filmu dziewczyna płacze i się przytula. Reprezentuje jedną lub więcej przyszłych ról w quinceañera. Krótki film został wyróżniony, ponieważ kilka klipów przedstawia dziewczyny niezręcznie tańczące z lalkami lub pozujące obok drogich samochodów. Na pierwszy rzut oka wygląda to jak typowy amerykański bal maturalny dla nastolatek.
Weekendowa wystawa Chicago Expo 2015 w Navy Pier Festival Hall obejmowała 140 galerii z całego świata. W świątecznej atmosferze THE SEEN, niezależna redakcja wystawy, wydała swój pierwszy drukowany numer w weekend, a /Dialogues zorganizowało trzy dni pełne akcji dyskusji panelowych i wykładów. IN/SITU oferuje instalacje na dużą skalę i prace site-specific w przestronnych halach wewnątrz i na zewnątrz Navy Pier.
Najbardziej zapadającym w pamięć elementem projektu IN/SITU, prawdopodobnie ze względu na lokalizację, jest Three Windows Daniela Burena, który rozświetla przestrzeń i emituje kolor, wisząc pod sufitem. Reszta wystawy została utracona w natłoku zwiedzających, a pobudzone ciało skupiło się na mniejszych przedmiotach w stoisku, spoglądając w górę na to, co było na górze, i przyciągając sprzedaż.
Artyści tacy jak John Rafman czy Paolo Sirio, którzy przede wszystkim używają Google Street View jako medium, tworzą sugestywne i niepokojące obrazy, które często zacierają granice prawnych kwestii prywatności. Podczas gdy fotografowanie ludzi na ulicach, alejkach i trawnikach na całym świecie jest ekscytujące, ci artyści wykorzystują również publiczność i inne narzędzia do konceptualizacji przestrzeni publicznej. Od 2007 r. technologia panoramy dostępna w Mapach Google i Google Earth stała się dziwnym i często łatwym sposobem na zobaczenie miejsc, których ludzie nigdy nie odwiedzili lub nie chcieli odwiedzić.
Wyobraź sobie Marka Fishera, publicznego kolekcjonera jego projektów, i jego ostatnią wystawę Hardcore Architecture w Franklin. Przed przyjęciem wstępnym Marka przeprowadziłem z nim wywiad przez e-mail.
W ten weekend ponad 30 zaproszonych artystów zaprezentuje swoje dzieła na festiwalu Around the Coyote w budynku Flat Iron Arts w Wicker Park.
W Coyote odbywa się trzydniowy festiwal, który celebruje sztukę i artystów z Wicker Park. Od piątku do niedzieli goście mogą wejść do Flat Iron Arts Building, aby odwiedzić pracownie artystów, posłuchać muzyki na żywo i obejrzeć przedstawienia teatralne. Festiwal rozpoczyna się uroczystą kolacją w piątek od 18:00 do 22:00.
Synestezja, jak sama nazwa wskazuje, to „wrażenie odczuwane w częściach ciała innych niż symulowana część” i jest najczęściej kojarzona z muzyką postrzeganą jako kolor. Znane przypadki tego stanu to David Hockney, Duke Ellington i Vladimir Nabokov.
W trwającej wystawie w International Museum of Surgical Sciences Stevie Hanley bada codzienne doświadczenia i rozszerza ograniczenia pojedynczego działania na szerszą eksplorację więcej niż jednej perspektywy, emocji i skojarzeń. Hanley przekłada schorzenia medyczne na formę wystaw sztuki. Jego zdolność do łączenia kolorów i obrazów z osobistymi, przerażającymi i ciekawymi obserwacjami jest prezentowana na wystawie Synesthesia.
Międzynarodowe Muzeum Nauk Chirurgicznych jest wypełnione instrumentami medycznymi, sprzętem, wynalazkami i historiami, które przyczyniły się do dziwacznych i nieco tajemniczych warunków widocznych na wystawie. Hanley zaprasza widzów do dwóch przestrzeni galerii; obie obejmują projekcje wideo i instalacje, a tylko jedna obejmuje brzęczenie Dolly Parton.
Wystawa „Approaches” Petra Skvary, składająca się z obrazów emaliowanych na siatce i kolekcji fragmentów zatytułowanej „Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts”, jest obecnie eksponowana w Andrew Rafach Gallery w River West. Rysunki są oparte na semaforach flagowych używanych do komunikacji między statkami, a ich znaczenie jest powtórzone w tytule. Niektóre obrazy przedstawiają znaczenia, które można oglądać razem, takie jak „Dryfuję / Czy dasz mi moje miejsce” (2015, emalia na siatce). Jednak inne prace mają inne, nieznane znaczenie jako zbiory stwierdzeń. Na jednym z obrazów widnieje: „Jesteś w niebezpieczeństwie utknięcia / Idę naprzód”, ponury wyraz dla tych, którzy potrzebują pomocy.
W komunikacie prasowym galerii na temat wystawy „Approximation” wspomniano o pięknie i wzniosłości, które wiążą się z ideą statku na rozległych przestrzeniach morza. Innym sposobem wyrażenia wzniosłości jest chęć osiągnięcia doskonałości w precyzyjnych liniach semafora, niemniej jednak bardziej ludzkie podejście do malarstwa niż do sitodruku.
Biuro architektoniczne VOA Associates, Inc. z siedzibą w Chicago zostało wybrane zwycięzcą sześciomiesięcznego konkursu na projekt architektoniczny, finansowanego przez Fundację Richarda H. Driehausa.
VOA Associates zaprojektuje Pullman Art Space w Pullman Historic District, w którym znajdzie się 45 niedrogich apartamentów do mieszkania i pracy, a także sale lekcyjne, przestrzeń wystawowa i warsztaty. Artspace Project Inc. ma siedzibę w Minneapolis, a biura znajdują się w Los Angeles, Nowym Orleanie, Nowym Jorku, Seattle i Waszyngtonie.
Tworząc przestrzeń kreatywną, VOA Associates chciało uszanować historyczny „charakter kultowej dzielnicy Pullman” i zaprosić osoby zainteresowane kreatywnym wplataniem elementów w przestrzeń publiczną.
Łącznie reprezentowanych było 20 firm architektonicznych i wybrano 10 półfinalistów. Trzech finalistów otrzymało po 10 000 $ na dopracowanie swoich koncepcji, a VOA zostało wybrane jako zwycięzca. Pullman Art Space zobowiązuje się do utrzymania statusu Pullman jako wiodącej społeczności artystycznej poprzez zapewnienie immersyjnego centrum kreatywnego dla jego mieszkańców.
Od 4 października dziewiętnaście rzeźb chicagowskiego rzeźbiarza Charlesa Raya wypełnia trzy duże galerie na drugim piętrze Modern Wing of the Art Institute. Większość prac jest figuratywna i opowiada własne historie, jak np. Sleeping Woman, rzeźba ze stali nierdzewnej w naturalnej wielkości przedstawiająca bezdomną kobietę śpiącą na ławce. Ale niektóre z nich są szokująco niefiguratywne, a dwie z nich zszokowały kuratorów muzeum.
„Unpainted Sculpture” (1997, włókno szklane i farba) to wierna rekonstrukcja Pontiaca Grand Am Crushera z 1991 roku. Ray szukał odpowiedniego rozbitego samochodu – nie za bardzo rozbitego – i rozłożył go, aby każdą część można było zbudować z włókna szklanego, a następnie złożyć w samochód. Kilka osób spędziło pięć dni na składaniu rzeźby w Modern Wing Gallery.
Byłem w Hancock Tower tylko raz i nigdy nie sądziłem, że odwiedzę galerię sztuki, ale hej, na wszystko jest pierwszy raz. Bawiąc się, znalazłem się w dużej grupie turystów i fotografów pozujących i uśmiechających się przy ogromnej rzeźbie wiszącej pod sufitem holu. Aby dostać się do przestrzeni, musiałem zatrzymać się przy stanowisku ochrony, gdzie zeskanowano moje prawo jazdy i wydano mi zakodowany paragon, który pozwolił mi wejść przez futurystyczną bramę. Gdy tylko drzwi się otworzyły, byłem w windzie i w końcu miałem okazję obejrzeć sztukę. Podkradając się do szklanych drzwi Richard Gray Gallery, czułem się nie na miejscu i nie na miejscu.
Założona w latach 60. XX wieku galeria była ważnym ośrodkiem twórczym dla artystów z Chicago i Nowego Jorku. Galeria jest skierowana do kolekcjonerów, kładąc nacisk na znaczenie sztuki pięknej, autentyczności i jakości. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy i Jaume Plensa to przykłady artystów reprezentowanych przez Richard Gray Gallery.
Najnowsza wystawa Body Building zostanie otwarta 6 lipca pod holem głównej sali galerii i zaprezentuje prace Susan Rothenberg i Davida Hockneya. Body Building, której kuratorami są Gan Ueda i Raven Mansell, prezentuje prace od lat 1900. do dziś i koncentruje się na relacji między ludzką formą a tym, jak jest ona postrzegana przez architektoniczny obiektyw. Prace na wystawie obejmują okres od 1917 do 2012 roku i prezentują różnorodne materiały i media, w tym wosk, tusz, wełnę, ołówek i kolaż.
Museum of Modern Art nadal śmiało eksploruje połączenie sztuk pięknych z innymi formami twórczymi. Niedawno otwarta wystawa „Principles of Freedom: Experiments in Art and Music 1965 to the Present” świętuje 50. rocznicę istnienia chicagowskiej eksperymentalnej grupy jazzowej Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), która nadal poszerza granice jazzu.
Wystawa, która została otwarta 11 lipca, zajmuje galerie na czwartym piętrze muzeum i składa się z kilku dużych instalacji i ścian pełnych żywych obrazów, które odzwierciedlają kolory i życie muzyki. Liczne materiały archiwalne, takie jak fotografie, plakaty, okładki płyt, banery i broszury, zapewniają bogaty kontekst historyczny.
Wabash Lights rozpoczęło zbiórkę funduszy na publiczną instalację artystyczną pod literą „L” na Wabash Avenue w ramach swojej kampanii Kickstarter. Przekształcając wiadukt z jeziora do Van Buren w interaktywną i publiczną wystawę światła i koloru, Wabash Lights przyciągnie zarówno gości, jak i mieszkańców. W niecałe dwa tygodnie kampania Kickstarter osiągnęła ponad połowę swojego celu, ale pełne finansowanie jest nadal wymagane do sfinansowania konfiguracji testów beta. Test ten rozwiąże wszelkie problemy techniczne i projektowe w ciągu 12 miesięcy. Po zakończeniu wersji beta inwestycja kapitałowa sfinansuje ostateczną instalację.
Projekt obejmie ponad 5000 lamp LED umieszczonych pod torami na Wabash Avenue. Plany pierwszej fazy obejmują rozbudowę ponad 20 000 stóp świateł wzdłuż dwóch bloków od Madison do Adams. Wabash Boulevard, zwykle słabo oświetlony obszar miasta, zostanie odnowiony przez dwóch projektantów, Jacka Newella i Setha Ungera. Odwiedzający mogą nie tylko podziwiać różne kolory, ale także wchodzić w interakcje i projektować wygląd kolorów i odcieni. Za pomocą smartfona lub komputera ludzie mogą programować i projektować światła LED według własnego upodobania.
Aby przekazać darowiznę i zdobyć nagrody, takie jak Facebook Shouts, pakiety imprezowe, koszulki, kolacje z artystami i inne, wesprzyj projekt na Kickstarterze.
Najnowsza wystawa w Narodowym Muzeum Sztuki Meksyku, Exiled Aliens, zaprezentuje prace artysty z Chicago Rodrigo Lary. Wystawa, która zostanie otwarta 24 lipca, będzie obejmować specjalistyczne instalacje poświęcone polityce, imigracji i sprawiedliwości społecznej. Dzieło przedstawia przede wszystkim repatriację Meksykanów w latach 30. XX wieku i przesiedlenie osób pochodzenia meksykańskiego do Stanów Zjednoczonych.
Wystawa Aliens Destroyable zostanie otwarta w piątek 24 lipca w godzinach 18:00-20:00. Wystawę będzie można oglądać w Kraft Gallery do 28 lutego 2016 r.