Blok Gapers był publikowany od 22 kwietnia 2003 do 1 stycznia 2016. Ta strona pozostanie zarchiwizowana. Zapraszamy do odwiedzenia Third Coast Review, nowej strony internetowej stworzonej przez kilku brytyjskich absolwentów. ✶ Dziękujemy za Waszą obecność i wkład. ✶
Postanowiłem zaryzykować i napisać ostatni wpis na Gapers Block, odkładając go na około godzinę. Przez rok byłem redaktorem strony warunkowej, a przez prawie trzy lata pisałem sztuki teatralne i prozę. Mniej niż wielu doświadczonych autorów z Wielkiej Brytanii, ale w tym czasie napisałem 284 artykuły. Będzie mi bardzo brakować Gapers Block. To budujące intelektualnie i emocjonalnie, mieć miejsce, w którym można regularnie pisać o sztuce, którą kocham – teatrze, sztuce, designie, architekturze, a czasem o książkach lub muzyce.
Mój pierwszy artykuł ukazał się w maju 2013 roku na stronie klubu książki. Jest to artykuł o Richardzie Hellu, artyście punkrockowym z lat 70., znanym przede wszystkim z koszulki z napisem „Please Kill Me”. Rozmawia, odpowiada na pytania i podpisuje swoją nową książkę w księgarni przy Lincoln Avenue (śniło mi się, że jestem bardzo czystym łajdakiem). Miałem szczęście zobaczyć basistę i wokalistę obok Voidoids, Television i Heartbreakers. Jeszcze bardziej pomogło mi to, że redaktor klubu książki poprosił mnie o napisanie eseju o nim.
To może być pop-art twojego ojca, ale prace prezentowane na nowej wystawie w Museum of Modern Art są wciąż świeże i interesujące. Sztuka, która 50 lat temu zszokowała światową elitę artystyczną, wciąż ma wiele do opowiedzenia.
Zorganizowana przez MCA wystawa Neo-Pop Art Design gromadzi 150 dzieł sztuki i designu na wystawie pełnej dowcipu i śmiałości. Przypomina to, jak praca Andy'ego Warhola „Sztuka puszki zupy Campbella” została początkowo wyśmiana przez niewtajemniczonych. To właśnie wtedy elitarni kolekcjonerzy obudzili się i zaczęli kupować prace Warhola.
Odkrywanie prawdy, opowiadanie nieopowiedzianych historii i uwalnianie się od traumatycznych przeciwności losu może służyć duchowemu i emocjonalnemu oczyszczeniu. W projekcie „Kane” Corinne Peterson, uczestnicy z Chicago są zapraszani do udziału w warsztatach z gliny i porcelany, gdzie dzielą się swoimi traumami, aby zobaczyć, jak lśnią. Uczestnicy mieli za zadanie stworzyć z gliny „kamień” symbolizujący ich wewnętrzną ciemność lub traumę, a następnie stworzyć mały symbol światła z porcelany. Po seminarium Peterson pokazała kopiec w glinianym „skale” i umieściła na steli porcelanowy symbol jako chmurę nadziei.
Wystawa Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope, którą obecnie można oglądać w Lillstreet Art Center, jest dziełem Petersona, którego prace przygotowali członkowie ponad 60 warsztatów. W skład wystawy wchodzą liczne gliniane rzeźby, które zachęcają do medytacji i refleksji.
Usiadłem z artystą przy dwóch miejscach do medytacji w przestrzeni wystawowej i omówiliśmy idee stojące za projektem Kane'a, a także uniwersalność traumy i nadziei.
Studenci, fotografowie i miłośnicy historii Chicago są pochłonięci odą Richarda Nicholsa do miasta i jego pamięci. Ale typowa dyskusja o pięciocentówce to tylko legenda: ludzie, którzy poświęcili życie dla budowy.
Na szczęście wydawnictwo Urban Archives Press z Chicago opublikowało jego drugą książkę o fotografie i aktywiście Richardzie Nickellu: „Dangerous Years: What He Sees and What He Writes”. Ta książka to wyjątkowa okazja, aby poznać twórczość Nickela i jednocześnie poznać go jako człowieka poprzez ponad 100 fotografii i 100 dokumentów, z których wiele zostało sporządzonych przez Nickela ręcznie.
Ulotka z listem dotyczącym studiów Nickela w szkole projektowania i wczesnym autoportretem.
Ośmiu młodych irańskich fotografów, reprezentujących różne regiony geograficzne swojego kraju, zorganizowało niedawno wyjątkową wystawę w Bridgeport Arts Center przy West 35th Street 1200. Wystawa trwa do dziś.
„Journey Inward” prezentuje prace z większego projektu, w którym bierze udział ośmiu irańskich fotografów, portretujących swój kraj z empatią. Projekt składa się z dwóch części. Po pierwsze, artyści uczestniczą w szkoleniach, aby uczyć się od innych osób z branży poprzez warsztaty i inne zasoby. Wystawa stanowi drugą część projektu.
Być może zauważyłeś transparenty uliczne paradujące w centrum miasta lub lojalnych klientów, ale w przyszłym miesiącu powracają targi i wyprzedaże One of a Kind z 15. doroczną wyprzedażą świąteczną. To wydarzenie zakupowe zgromadzi ponad 600 artystów, rzemieślników i projektantów z całych Stanów Zjednoczonych.
13 listopada w Galerii Elephant Room odbędzie się otwarcie nowej wystawy Jennifer Cronin, pochodzącej z Illinois. Jej nowy projekt „Shuttered” prezentuje kolekcję zaniedbanych dzielnic na dalekim południu USA oraz realistyczne rysunki domów. Poniżej znajduje się wywiad mailowy, w którym Cronin opowiada o początkach swojej kariery malarskiej, zainteresowaniu architekturą Chicago i dbałości o detale.
Upiorne i przerażające wydarzenia sprawiły nam wszystkim przyjemność w tę ciepłą, jesienną pogodę. Czarownice i wiewiórki w korytarzu już zajadają się dyniami na ganku i mam nadzieję, że nie tylko ja spodziewam się strasznych strachów w tym sezonie Halloween. Oto więc lista 14 ekscytujących przedstawień teatralnych i innych wydarzeń artystycznych (w dowolnej kolejności), które umilą Wam tegoroczne Halloween.
Jedyny w Chicago ośrodek rozrywki retro daje powód, by cieszyć się burleską, komedią, cyrkiem, magią i imprezowym życiem każdej nocy aż do końca października. Nie ma tu nikogo poza Kabaretem Czarownic o tematyce czarownic w poniedziałki o 19:00. Codzienne produkcje o 20:00 to kolejne magiczne przeżycie w Uptown Underground, z gore, striptizem, sztuką cyrkową i wieloma innymi atrakcjami. Zalecana wcześniejsza rezerwacja dla osób powyżej 21. roku życia. Kliknij tutaj, aby uzyskać więcej informacji.
W tym roku odbędzie się 17. charytatywna aukcja sztuki organizowana przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Chicago po pięciu latach. W najbliższy piątek, z udziałem ponad 500 gości, zostaną wystawione na aukcji prace ponad 100 artystów, od obrazów po rzeźby.
W przeszłości MCA z powodzeniem organizowało aukcje dzieł sztuki dla muzeów. W 2010 roku muzeum pozyskało 2,8 miliona dolarów od oferentów i mogło rozłożyć dochód na kilka lat obrotowych. „Wszystkie pieniądze trafiają bezpośrednio do głównej misji MCA” – powiedział Michael Darling, główny kurator James W. Alsdorf, do którego obowiązków należy pozyskiwanie funduszy na programy i edukację w muzeum.
Fragmenty naszej psychiki łączą się ze sobą, tworząc spójne wspomnienia. Radość z obserwacji i celebrowania codziennych czynności poprzez wizualne połączenie, dialog i estetykę stanowi sedno rzeźb i prac z gliny Lynn Peters.
W Lillstreet Arts Center wystawa „Spontaneity Made Concrete” koncentruje się na migawkowych historiach z życia. Jej prace, wiszące na ścianach, przedstawiają zwierzęta, ludzi i formy, które składają się na zespół kilku płaszczyzn istniejących jednocześnie. Ponadto Peters wykorzystuje fotografię i tekst, aby aktywować widzów, łącząc różne media jako tło dla rzeźbiarskiej istoty. „Skradzione Chwile” to wielkoformatowe dzieło składające się z czterech rzeźb, każda zatytułowana „Statua Wolności”, „Myśliciel”, „Mona Lisa” i „Bez tytułu”, ceramicznego logo o tej samej nazwie oraz czarno-białej fotografii. Dzieło, zarówno pod względem tematycznym, jak i prezentacyjnym, jest najbardziej eksperymentalne na wystawie, wykorzystując wyobraźnię, fragmentaryzację i wizję jako źródła wglądu. Wózek przed sklepem charytatywnym Ark znajduje się w Wicker Park, a w tle na ścianie widnieją cztery rzeźby. Podczas gdy sklep był zaśmiecony ubraniami, meblami i bibelotami, Peters zauważyła, że ​​przestarzały i zepsuty wózek był symbolem Arki dla tego obszaru. Wewnątrz samochodu, podobnie jak w Arce, kryją się nieznane sekrety, sterta szmat i trendy mody z zeszłego roku.
VICO w Meksyku to projekt wideo, który organizuje warsztaty i warsztaty zachęcające do zgłębiania tajników kina eksperymentalnego i kinematografii. Niedawno VICO po raz pierwszy zaprezentowało w Chicago wystawę „Antimontaż, Korekta Podmiotowości”, obejmującą serię filmów krótkometrażowych zrealizowanych przez studentów podczas warsztatów prowadzonych przez Javiera Toscano. Wystawa, której współorganizatorami są Little House i Comfort Film, prezentuje 11 filmów krótkometrażowych autorstwa artystów niestandardowych lub twórców, którzy w ogóle nie uważają się za artystów.
Prezentowany film to seria sprzeniewierzonych obrazów, filmów z YouTube i kontekstów politycznych, które obejmują kulturową i cyfrową sferę Meksyku. W filmie Dulce Rosas My Sweet 15 kilka młodych kobiet uczestniczyło i występowało na swoich quinceañera. Tradycyjnie kobiety te noszą wystawne suknie, biżuterię i makijaż na swoje 15. urodziny. W krótkometrażowym filmie Rosas artystka wykorzystuje ujęcia dziewcząt tańczących, świętujących i przygotowujących się do nadchodzącej imprezy. Na początku filmu dziewczyna płacze i przytula się. Reprezentuje jedną lub więcej przyszłych ról w quinceañera. Krótkometrażowy film został wyróżniony, ponieważ kilka klipów przedstawia dziewczęta niezręcznie tańczące z lalkami lub pozujące obok drogich samochodów. Na pierwszy rzut oka wygląda to jak typowy amerykański bal maturalny dla nastolatek.
W weekendowej wystawie Chicago Expo 2015 w Navy Pier Festival Hall zaprezentowało się 140 galerii z całego świata. W świątecznej atmosferze THE SEEN, niezależny wydawca wystawy, wydał w weekend swój pierwszy numer drukowany, a /Dialogues zorganizowało trzy dni pełne wrażeń, wypełnione panelami dyskusyjnymi i prelekcjami. IN/SITU oferuje wielkoformatowe instalacje i prace site-specific w przestronnych halach wewnątrz i na zewnątrz Navy Pier.
Najbardziej zapadającym w pamięć elementem projektu IN/SITU, prawdopodobnie ze względu na lokalizację, jest „Trzy okna” Daniela Burena, które rozświetlają przestrzeń i emanują kolorami, zawieszone pod sufitem. Reszta wystawy ginęła w natłoku zwiedzających, a pobudzone tłumy skupiały się na mniejszych przedmiotach na stoisku, zerkając w górę na to, co znajdowało się na górze, i generując sprzedaż.
Artyści tacy jak John Rafman czy Paolo Sirio, którzy wykorzystują głównie Google Street View jako medium, tworzą sugestywne i niepokojące obrazy, które często zacierają granice prawnych kwestii prywatności. Fotografowanie ludzi na ulicach, w zaułkach i na trawnikach na całym świecie jest ekscytujące, ale ci artyści wykorzystują również publiczność i inne narzędzia do konceptualizacji przestrzeni publicznej. Od 2007 roku technologia panoramy dostępna w Mapach Google i Google Earth stała się dziwnym i często łatwym sposobem na zobaczenie miejsc, których ludzie nigdy nie odwiedzili lub nie chcieli odwiedzić.
Wyobraź sobie Marka Fishera, kolekcjonera jego projektów, i jego niedawną wystawę „Hardcore Architecture” w Franklin. Przed przyjęciem Marka przeprowadziłem z nim wywiad mailowy.
W ten weekend ponad 30 zaproszonych artystów zaprezentuje swoje prace na festiwalu Around the Coyote w budynku Flat Iron Arts w Wicker Park.
W okolicach Coyote odbywa się trzydniowy festiwal, który celebruje sztukę i artystów z Wicker Park. Od piątku do niedzieli zwiedzający mogą wejść do Flat Iron Arts Building, aby odwiedzić pracownie artystów, posłuchać muzyki na żywo i obejrzeć spektakle teatralne. Festiwal rozpoczyna się uroczystą kolacją w piątek w godzinach 18:00-22:00.
Synestezja, jak sama nazwa wskazuje, to „doznanie odczuwane w częściach ciała innych niż symulowana” i najczęściej kojarzona jest z muzyką postrzeganą jako kolor. Do znanych przypadków tego schorzenia należą David Hockney, Duke Ellington i Vladimir Nabokov.
Na trwającej wystawie w Międzynarodowym Muzeum Nauk Chirurgicznych Stevie Hanley zgłębia codzienne doświadczenia i poszerza ograniczenia pojedynczego działania, aby objąć je szerszą perspektywą, emocjami i skojarzeniami. Hanley przekłada schorzenia na formę wystaw artystycznych. Jego umiejętność łączenia kolorów i obrazów z osobistymi, mrożącymi krew w żyłach i osobliwymi obserwacjami jest widoczna na wystawie „Synesthetic”.
Międzynarodowe Muzeum Chirurgii jest pełne instrumentów medycznych, sprzętu, wynalazków i historii, które przyczyniły się do dziwacznych i nieco tajemniczych schorzeń prezentowanych na wystawie. Hanley zaprasza widzów do dwóch przestrzeni galeryjnych; w obu znajdują się projekcje wideo i instalacje, a tylko w jednej można zobaczyć Dolly Parton w ruchu.
Wystawa Petra Skvary „Approaches”, składająca się z obrazów emaliowanych na siatce oraz zbioru fragmentów zatytułowanego „Wrak, Wrak, Lagan i Wyrzutki”, jest obecnie prezentowana w Galerii Andrew Rafacha w River West. Rysunki oparte są na semaforach flagowych używanych do komunikacji między statkami, a ich znaczenie powtarza się w tytule. Niektóre obrazy przedstawiają znaczenia, które można postrzegać łącznie, na przykład „Dryfuję / Czy dasz mi moje miejsce” (2015, emalia na siatce). Inne prace mają jednak inne, nieznane znaczenie jako zbiory stwierdzeń. Na jednym z obrazów widnieje napis: „Grozi ci utkniecie / Idę naprzód”, ponury przekaz dla potrzebujących.
W komunikacie prasowym galerii dotyczącym wystawy „Aproximation” wspomina się o pięknie i wzniosłości, które kojarzą się z ideą statku na rozległych przestrzeniach morza. Innym sposobem wyrażenia wzniosłości jest pragnienie osiągnięcia perfekcji w precyzyjnych liniach semafora, co jednak jest bardziej ludzkim podejściem do malarstwa niż do sitodruku.
Siedzibą firmy architektonicznej VOA Associates, Inc. z Chicago została zwycięzca sześciomiesięcznego konkursu na projekt architektoniczny, finansowanego przez Fundację Richarda H. Driehausa.
VOA Associates zaprojektuje przestrzeń artystyczną Pullman Art Space w dzielnicy historycznej Pullman, która obejmie 45 niedrogich apartamentów do zamieszkania i pracy, a także sale lekcyjne, przestrzeń wystawienniczą i warsztaty. Artspace Project Inc. ma siedzibę w Minneapolis i biura w Los Angeles, Nowym Orleanie, Nowym Jorku, Seattle i Waszyngtonie.
Tworząc tę ​​kreatywną przestrzeń, VOA Associates miało nadzieję uszanować historyczny „charakter kultowej dzielnicy Pullman” i zaprosić osoby zainteresowane kreatywnym tkactwem do przestrzeni publicznej.
W konkursie wzięło udział łącznie 20 pracowni architektonicznych, a 10 półfinalistów zostało wybranych. Trzej finaliści otrzymali po 10 000 dolarów na dopracowanie swoich koncepcji, a zwycięzcą została firma VOA. Pullman Art Space dąży do utrzymania statusu Pullman jako wiodącej społeczności artystycznej, zapewniając mieszkańcom immersyjne, kreatywne centrum.
Od 4 października dziewiętnaście rzeźb chicagowskiego rzeźbiarza Charlesa Raya wypełnia trzy duże galerie na drugim piętrze Skrzydła Nowoczesnego Instytutu Sztuki. Większość prac ma charakter figuralny i opowiada własne historie, jak na przykład „Śpiąca Kobieta”, naturalnej wielkości rzeźba ze stali nierdzewnej przedstawiająca bezdomną kobietę śpiącą na ławce. Niektóre z nich są jednak szokująco niefiguratywne, a dwie z nich zszokowały kuratorów muzeum.
„Niepomalowana rzeźba” (1997, włókno szklane i farba) to wierna rekonstrukcja Pontiaca Grand Am Crushera z 1991 roku. Ray szukał odpowiedniego rozbitego samochodu – niezbyt zniszczonego – i rozebrał go, aby każdą część zbudować z włókna szklanego, a następnie złożyć w samochód. Kilka osób poświęciło pięć dni na montaż rzeźby w Galerii Modern Wing.
Byłem w Hancock Tower tylko raz i nigdy nie sądziłem, że odwiedzę galerię sztuki, ale cóż, na wszystko jest ten pierwszy raz. Bawiąc się dobrze, znalazłem się w dużej grupie turystów i fotografów pozujących i uśmiechających się przy ogromnej rzeźbie wiszącej pod sufitem holu. Aby wejść do środka, musiałem zatrzymać się przy stanowisku ochrony, gdzie zeskanowano moje prawo jazdy i wydano mi paragon z kodem kreskowym, który pozwolił mi wejść przez futurystyczną bramkę. Gdy tylko drzwi się otworzyły, byłem w windzie i w końcu miałem okazję podziwiać sztukę. Podkradając się do szklanych drzwi Richard Gray Gallery, czułem się nie na miejscu i nie na miejscu.
Założona w latach 60. XX wieku galeria jest ważnym ośrodkiem twórczym dla artystów z Chicago i Nowego Jorku. Galeria jest nastawiona na kolekcjonerów, kładąc nacisk na znaczenie sztuki pięknej, autentyczności i jakości. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy i Jaume Plensa to tylko niektórzy z artystów reprezentowanych przez Richard Gray Gallery.
Najnowsza wystawa „Body Building” zostanie otwarta 6 lipca w holu głównym galerii i zaprezentuje prace Susan Rothenberg i Davida Hockneya. Wystawa „Body Building”, której kuratorami są Gan Ueda i Raven Mansell, prezentuje prace od początku XX wieku do dziś, koncentrując się na relacji między formą ludzką a jej postrzeganiem przez pryzmat architektury. Prace na wystawie pochodzą z lat 1917–2012 i prezentują różnorodne materiały i techniki, w tym wosk, tusz, wełnę, ołówek i kolaż.
Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MCA) nadal śmiało eksploruje łączenie sztuk pięknych z innymi formami twórczymi. Niedawno otwarta wystawa „Zasady wolności: Eksperymenty w sztuce i muzyce od 1965 roku do chwili obecnej” upamiętnia 50. rocznicę powstania chicagowskiego eksperymentalnego zespołu jazzowego Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), który nieustannie poszerza granice jazzu.
Wystawa, otwarta 11 lipca, zajmuje galerie na czwartym piętrze muzeum i składa się z kilku obszernych instalacji oraz ścian pełnych żywych obrazów, odzwierciedlających barwę i życie muzyki. Liczne materiały archiwalne, takie jak fotografie, plakaty, okładki płyt, banery i broszury, tworzą bogaty kontekst historyczny.
Wabash Lights rozpoczęło zbiórkę funduszy na publiczną instalację artystyczną pod literą „L” przy Wabash Avenue w ramach kampanii na Kickstarterze. Przekształcając wiadukt znad jeziora do Van Buren w interaktywną i publiczną wystawę światła i koloru, Wabash Lights przyciągnie zarówno turystów, jak i mieszkańców. W niecałe dwa tygodnie kampania na Kickstarterze osiągnęła ponad połowę swojego celu, ale nadal potrzebne jest pełne finansowanie na sfinansowanie wersji beta. Testy te rozwiążą wszelkie problemy techniczne i projektowe w ciągu 12 miesięcy. Po zakończeniu wersji beta, inwestycja kapitałowa zostanie przeznaczona na sfinansowanie finalnej instalacji.
Projekt obejmie ponad 5000 lamp LED umieszczonych pod torami na Wabash Avenue. Plany pierwszego etapu obejmują rozbudowę o ponad 6000 metrów lamp wzdłuż dwóch przecznic od Madison do Adams. Wabash Boulevard, zazwyczaj słabo oświetlony obszar miasta, zostanie odnowiony przez dwóch projektantów, Jacka Newella i Setha Ungera. Zwiedzający będą mogli nie tylko podziwiać różnorodne kolory, ale także wchodzić w interakcje i projektować ich wygląd oraz odcienie. Za pomocą smartfona lub komputera można programować i projektować oświetlenie LED według własnych upodobań.
Aby przekazać darowiznę i zdobyć nagrody, takie jak Facebook Shouts, pakiety imprezowe, koszulki, kolacje z artystami i inne, wesprzyj projekt na Kickstarterze.
Najnowsza wystawa w Narodowym Muzeum Sztuki w Meksyku, „Exiled Aliens”, zaprezentuje prace chicagowskiego artysty Rodriga Lary. Wystawa, której otwarcie zaplanowano na 24 lipca, będzie obejmować specjalistyczne instalacje poświęcone polityce, imigracji i sprawiedliwości społecznej. Dzieła przedstawiają przede wszystkim repatriację Meksykanów w latach 30. XX wieku oraz przesiedlenie osób pochodzenia meksykańskiego do Stanów Zjednoczonych.
Wystawę Aliens Destroyable będzie można obejrzeć w piątek 24 lipca w godzinach 18:00-20:00. Wystawę będzie można oglądać w Kraft Gallery do 28 lutego 2016 r.