El bloque Gapers se publicó del 22 de abril de 2003 al 1 de enero de 2016. Este sitio permanecerá archivado. Visite Third Coast Review, un nuevo sitio web creado por varios exalumnos del Reino Unido. ✶ Gracias a sus lectores y contribuciones. ✶
Decidí dar el paso y escribir la última entrada en Gapers Block, pero la dejé en pausa durante una hora. Fui editora de página condicional durante un año y escritora de teatro y ficción durante casi tres. Menos que muchos autores veteranos de GB, pero durante ese tiempo escribí 284 artículos. Voy a extrañar mucho Gapers Block. Es estimulante, tanto intelectual como emocionalmente, tener un espacio donde escribir regularmente sobre las artes que me apasionan: teatro, arte, diseño, arquitectura y, a veces, libros o música.
Mi primer artículo se publicó en mayo de 2013 en la página del club de lectura. Se trata de un reportaje sobre Richard Hell, artista de punk rock de los 70, conocido por su camiseta de «Please Kill Me». Habla, responde preguntas y firma su nuevo libro en un sótano de librerías en Lincoln Avenue (soñé que era un vagabundo muy limpio). Tuve la suerte de ver al bajista y cantante junto a The Voidoids, Television y Heartbreakers. Me animó aún más cuando la editora del club de lectura me pidió que escribiera un ensayo sobre él.
Puede que sea el arte pop de tu padre, pero las obras que se presentan en la nueva exposición del Museo de Arte Moderno siguen siendo frescas e interesantes. El arte que escandalizó a la élite artística mundial hace 50 años aún tiene historias que contar hoy.
Organizada por el MCA, Neo-Pop Art Design reúne 150 piezas de arte y diseño en una muestra llena de ingenio y audacia. Recuerda cómo la obra de Andy Warhol, "El arte de la lata de sopa Campbell", fue inicialmente ridiculizada por los profanos. Fue entonces cuando los coleccionistas de élite se dieron cuenta y comenzaron a comprar obras de Warhol.
Descubrir la verdad, contar historias no contadas y superar la adversidad traumática puede ser una forma de purificación espiritual y emocional. En el proyecto “Kane” de Corinne Peterson, se invita a los asistentes de Chicago a participar en talleres de arcilla y porcelana y compartir sus traumas para que estos se manifiesten. Se les pidió a los participantes que crearan una “piedra” de arcilla para representar su oscuridad interior o trauma, y ​​luego un pequeño símbolo de luz en porcelana. Tras el seminario, Peterson mostró un montículo en la “roca” de arcilla y colocó una ficha de porcelana sobre la estela como una nube de esperanza.
Actualmente en el Lillstreet Art Center, la exposición "Peterson's Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope", creada por miembros de más de 60 talleres, incluye numerosas esculturas de arcilla que invitan a la meditación y la reflexión.
Me senté con el artista en dos asientos de meditación en el espacio de exposición y hablamos sobre las ideas que hay detrás del proyecto de Kane y la universalidad del trauma y la esperanza.
Estudiantes, fotógrafos y defensores de la historia de Chicago están inmersos en la oda de Richard Nichol a la ciudad y su memoria. Pero la típica conversación sobre las monedas de cinco centavos no es más que una leyenda: personas que dieron su vida por la construcción.
Afortunadamente, la editorial Urban Archives Press, con sede en Chicago, ha publicado su segundo libro sobre el fotógrafo y activista Richard Nickell: Dangerous Years: What He Sees and What He Writes (Años peligrosos: Lo que ve y lo que escribe). Este libro ofrece una oportunidad única para conocer la obra de Nickell y, al mismo tiempo, descubrir su personalidad a través de más de 100 fotografías y otros 100 documentos, muchos de ellos escritos a mano por él mismo.
Folleto con una carta sobre los estudios de Nickel en la escuela de diseño y un autorretrato de sus inicios.
Ocho jóvenes fotógrafos iraníes, representantes de diferentes regiones geográficas de su país, realizaron recientemente una singular exposición en el Bridgeport Arts Center, ubicado en el número 1200 de la calle 35 Oeste. La exposición continúa abierta al público hasta el día de hoy.
Journey Inward presenta el trabajo de un proyecto más amplio en el que participan ocho fotógrafos iraníes que retratan su país con empatía. El proyecto consta de dos partes. En la primera, los artistas participan en una formación para aprender de otros profesionales del sector a través de talleres y otros recursos. La exposición constituye la segunda parte del proyecto.
Quizás hayas visto pancartas en el centro de la ciudad o a clientes habituales, pero el próximo mes regresa la Feria y Venta One of a Kind con su 15.ª Venta Anual de Navidad. Este evento de compras de artesanía reunirá a más de 600 artistas, artesanos y diseñadores de todo Estados Unidos.
El 13 de noviembre, la galería Elephant Room inaugura una nueva exposición de Jennifer Cronin, originaria de Illinois, cuyo nuevo proyecto, Shuttered, presenta una colección de dibujos realistas de casas en barrios deteriorados del extremo sur de Estados Unidos. A continuación, se incluye una entrevista por correo electrónico en la que Cronin habla sobre sus inicios en la pintura, su interés por la arquitectura de Chicago y su atención al detalle.
Eventos espeluznantes y aterradores nos han brindado placer en este cálido clima otoñal. Brujas y ardillas en el pasillo ya están comiendo calabazas en el porche, y espero no ser la única que anticipa sustos escalofriantes esta temporada de Halloween. Así que aquí les dejo una lista de 14 emocionantes producciones teatrales y otras actividades artísticas (sin ningún orden en particular) para que celebren Halloween este año.
El único local de entretenimiento retro de Chicago te ofrece la oportunidad de disfrutar del burlesque, la comedia, el circo, la magia y la fiesta todas las noches hasta finales de octubre. Aquí solo hay brujas. Cabaret temático de brujas los lunes a las 19:00. Espectáculos nocturnos a las 20:00 que te traen otra experiencia mágica al Uptown Underground, con gore, striptease, artes circenses y mucho más. Mayores de 21 años. Se recomienda reservar con antelación. Haz clic aquí para más información.
Este año se celebrará la 17.ª subasta benéfica de arte organizada por el Museo de Arte Moderno de Chicago, tras cinco años de celebración. Obras de más de 100 artistas, desde pinturas hasta esculturas, serán subastadas este viernes ante más de 500 invitados.
En el pasado, el MCA ha organizado subastas de arte para museos con gran éxito. En 2010, el museo recaudó 2,8 millones de dólares de los postores y pudo distribuir las ganancias a lo largo de varios ejercicios fiscales. «Todo el dinero se destina directamente a apoyar la misión principal del MCA», afirmó Michael Darling, curador jefe de la Colección James W. Alsdorf, cuyas responsabilidades incluyen la recaudación de fondos para los programas y la educación del museo.
Fragmentos de nuestra psique se unen para formar recuerdos coherentes; la alegría de observar y celebrar las tareas cotidianas a través de la conexión visual, el diálogo y la estética es la esencia de las esculturas y obras de arcilla de Lynn Peters.
En el Centro de Artes Lillstreet, la exposición “Espontaneidad Concreta” se centra en historias instantáneas de la vida. Sus obras, colgadas en las paredes, representan animales, personas y formas que contribuyen al ensamblaje de varios planos que existen al mismo tiempo. Además, Peters utiliza la fotografía y el texto para involucrar al espectador, combinando múltiples medios como telón de fondo para un núcleo escultórico. Momentos Robados es una obra de gran formato que presenta cuatro esculturas, cada una titulada Estatua de la Libertad, El Pensador, Mona Lisa y Sin Título, un logotipo de cerámica del mismo nombre y una fotografía en blanco y negro. La obra, tanto temáticamente como en su presentación, es la más experimental de la exposición, utilizando la imaginación, la fragmentación y la visión como fuentes de inspiración. La imagen del carrito frente a la tienda de segunda mano Ark Thrift Store se encuentra en Wicker Park, con cuatro esculturas en la pared al fondo. Si bien la tienda estaba llena de ropa, muebles y baratijas, Peters señaló que el carrito viejo y roto era el símbolo del Arca para la zona. Dentro del coche, como en el Arca, hay secretos desconocidos, un montón de trapos y las tendencias de moda del año pasado.
VICO en Ciudad de México es un proyecto de video que organiza talleres y actividades que fomentan el estudio del cine experimental y la cinematografía. Recientemente, VICO presentó por primera vez en Chicago la exposición “Antimontaje, Corrigiendo la Subjetividad”, que incluye una serie de cortometrajes realizados por estudiantes en un taller dirigido por Javier Toscano. Organizada conjuntamente por Little House y Comfort Film, la muestra presenta 11 cortometrajes de artistas no tradicionales o creadores que no se consideran artistas.
La película destacada es una serie de imágenes, videos de YouTube y contextos políticos mal utilizados que abarcan los ámbitos culturales y digitales de México. En My Sweet 15 de Dulce Rosas, varias jóvenes participaron y actuaron en su quinceañera. Tradicionalmente, estas mujeres usan vestidos lujosos, joyas y maquillaje para su cumpleaños número 15. En el cortometraje Rosas, la artista usa imágenes de chicas bailando, celebrando y preparándose para la próxima fiesta. Al comienzo de la película, una chica está llorando y abrazando. Ella representa uno o más roles futuros en la quinceañera. El corto fue premiado, ya que varios clips muestran a las chicas bailando torpemente con muñecas o posando junto a autos caros. A primera vista, parece un baile de graduación adolescente típico estadounidense.
La muestra del fin de semana de la Chicago Expo 2015 en el Navy Pier Festival Hall presentó 140 galerías de todo el mundo. En un ambiente festivo, THE SEEN, la publicación independiente afiliada a la exposición, lanzó su primer número impreso durante el fin de semana, y /Dialogues organizó tres días repletos de mesas redondas y charlas. IN/SITU ofrece instalaciones a gran escala y obras específicas para el lugar en amplias salas dentro y fuera del Navy Pier.
La pieza más memorable del proyecto IN/SITU, probablemente debido a su ubicación, es Tres Ventanas de Daniel Buren, que ilumina el espacio y emite color mientras cuelga del techo. El resto de la exposición se perdió entre la avalancha de visitantes, y el público, excitado, se centró en los objetos más pequeños del stand, mirando hacia arriba, hacia lo que había en la planta superior, impulsando así las ventas.
Artistas como John Rafman o Paolo Sirio, que utilizan principalmente Google Street View como medio, crean imágenes evocadoras e inquietantes que a menudo difuminan los límites de la privacidad. Si bien fotografiar personas en las calles, callejones y jardines de todo el mundo resulta fascinante, estos artistas también utilizan el espacio público y otras herramientas para conceptualizar el ámbito público. Desde 2007, la tecnología panorámica de Google Maps y Google Earth se ha convertido en una forma curiosa y, a menudo, sencilla de ver lugares que la gente nunca ha visitado o no ha querido visitar.
Imaginen a Mark Fisher, coleccionista público de sus diseños, y su reciente exposición Hardcore Architecture en Franklin. Antes de la inauguración de la exposición de Mark, lo entrevisté por correo electrónico.
Este fin de semana, más de 30 artistas invitados presentarán sus obras en el Festival Around the Coyote, que tendrá lugar en el Flat Iron Arts Building de Wicker Park.
En los alrededores de Coyote se celebra un festival de tres días que rinde homenaje a las artes y a los artistas de Wicker Park. De viernes a domingo, los visitantes pueden acceder al Flat Iron Arts Building para visitar los estudios de los artistas, disfrutar de música en directo y asistir a representaciones teatrales. El festival comienza con una cena de gala el viernes de 18:00 a 22:00.
La sinestesia, como su nombre indica, es «una sensación que se experimenta en partes del cuerpo distintas a la que se simula» y se asocia comúnmente con la música percibida como color. Entre los casos más notables de esta condición se encuentran David Hockney, Duke Ellington y Vladimir Nabokov.
En una exposición que se exhibe actualmente en el Museo Internacional de Ciencias Quirúrgicas, Stevie Hanley explora la experiencia cotidiana y amplía los límites de una sola acción para abarcar múltiples perspectivas, emociones y asociaciones. Hanley transforma afecciones médicas en exposiciones de arte. Su habilidad para relacionar el color y las imágenes con observaciones personales, tanto inquietantes como curiosas, se pone de manifiesto en la exposición Sinestesia.
El Museo Internacional de Ciencias Quirúrgicas está repleto de instrumental médico, equipos, inventos e historias que contribuyeron a las extrañas y algo misteriosas situaciones que se observan en la exposición. Hanley invita a los visitantes a recorrer dos salas; ambas incluyen proyecciones de vídeo e instalaciones, y solo una cuenta con la presencia de Dolly Parton.
La exposición “Approaches” de Petr Skvara, que consta de pinturas esmaltadas sobre una cuadrícula y una colección de fragmentos titulada “Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts”, se exhibe actualmente en la Galería Andrew Rafach en River West. Los dibujos se basan en las señales de bandera utilizadas para la comunicación entre barcos, y su significado se repite en el título. Algunas pinturas representan significados que pueden verse en conjunto, como “I’m drifting / Will you give me my place” (2015, esmalte sobre cuadrícula). Sin embargo, otras obras tienen un significado diferente e inusual como colecciones de declaraciones. Una pintura reza: “Estás en peligro de quedar varado / Yo sigo adelante”, una expresión sombría para aquellos que necesitan ayuda.
El comunicado de prensa de la galería para la exposición “Aproximación” menciona la belleza y lo sublime asociados a la idea de un barco en la inmensidad del mar. Otra forma de expresar lo sublime es el deseo de alcanzar la perfección en las líneas precisas del semáforo, un enfoque, sin embargo, más humano que el de la serigrafía.
La firma de arquitectura VOA Associates, Inc., con sede en Chicago, fue seleccionada como ganadora de un concurso de diseño arquitectónico de seis meses financiado por la Fundación Richard H. Driehaus.
VOA Associates diseñará el Pullman Art Space en el distrito histórico de Pullman, que incluirá 45 apartamentos asequibles para vivir y trabajar, así como aulas, espacio para exposiciones y talleres. Artspace Project Inc. tiene su sede en Minneapolis y oficinas en Los Ángeles, Nueva Orleans, Nueva York, Seattle y Washington D.C.
Al crear este espacio creativo, VOA Associates esperaba respetar el carácter histórico del emblemático distrito de Pullman y dar la bienvenida al espacio público a aquellos interesados ​​en el tejido creativo.
Un total de 20 estudios de arquitectura estuvieron representados y se seleccionaron 10 semifinalistas. Los tres finalistas recibieron 10 000 dólares cada uno para perfeccionar sus propuestas, y VOA resultó ganadora. Pullman Art Space se compromete a mantener la posición de Pullman como una comunidad artística de referencia, ofreciendo un espacio creativo e inmersivo para sus residentes.
Al 4 de octubre, diecinueve esculturas del escultor de Chicago Charles Ray llenan tres grandes galerías en el segundo piso del Ala Moderna del Instituto de Arte. La mayoría de las obras son figurativas y cuentan sus propias historias, como Mujer durmiendo, una escultura de acero inoxidable de tamaño natural que representa a una mujer sin hogar durmiendo en un banco. Pero algunas son sorprendentemente abstractas, y dos de ellas impactaron a los curadores del museo.
“Escultura sin pintar” (1997, fibra de vidrio y pintura) es una fiel recreación de un Pontiac Grand Am Crusher de 1991. Ray buscaba un coche destrozado adecuado —no demasiado— y lo desarmó para que cada pieza pudiera ser reconstruida en fibra de vidrio y luego ensamblada para formar el automóvil. Varias personas dedicaron cinco días al montaje de la escultura en la galería Modern Wing.
Solo había estado en la Torre Hancock una vez y nunca pensé que visitaría una galería de arte, pero bueno, siempre hay una primera vez para todo. Me divertí mucho y me encontré entre un gran grupo de turistas y fotógrafos posando y sonriendo cerca de una enorme escultura que colgaba del techo del vestíbulo. Para acceder al espacio, tuve que pasar por un control de seguridad donde escanearon mi licencia de conducir y me dieron un recibo con código de barras que me permitió entrar por una puerta futurista. Tan pronto como se abrió la puerta, entré en el ascensor y finalmente tuve la oportunidad de contemplar el arte. Al acercarme sigilosamente a las puertas de cristal de la Galería Richard Gray, me sentí completamente fuera de lugar.
Fundada en la década de 1960, la galería ha sido un importante centro creativo para artistas de Chicago y Nueva York. Orientada a coleccionistas, la galería hace hincapié en la importancia del arte, la autenticidad y la calidad. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy y Jaume Plensa son algunos ejemplos de artistas representados por la Galería Richard Gray.
La nueva exposición «Body Building» abre sus puertas el 6 de julio bajo el vestíbulo de la sala principal de la galería y presenta la obra de Susan Rothenberg y David Hockney. Comisariada por Gan Ueda y Raven Mansell, «Body Building» exhibe obras desde principios del siglo XX hasta la actualidad y se centra en la relación entre la forma humana y su percepción desde una perspectiva arquitectónica. Las obras expuestas abarcan el periodo de 1917 a 2012 y muestran una variedad de materiales y técnicas, como cera, tinta, lana, lápiz y collage.
El Museo de Arte Moderno (MoMA) continúa explorando con audacia la fusión de las bellas artes con otras formas creativas. La exposición recientemente inaugurada «Principios de libertad: Experimentos en arte y música de 1965 hasta la actualidad» celebra el 50 aniversario del grupo de jazz experimental de Chicago, la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos (AACM), que sigue ampliando los límites del jazz.
La exposición, inaugurada el 11 de julio, ocupa las galerías del cuarto piso del museo y consta de varias instalaciones de gran formato y paredes cubiertas de vibrantes pinturas que reflejan el color y la vitalidad de la música. Numerosos materiales de archivo, como fotografías, carteles, portadas de discos, pancartas y folletos, proporcionan un rico contexto histórico.
Wabash Lights ha comenzado a recaudar fondos para una instalación de arte público bajo la letra "L" en Wabash Avenue, como parte de su campaña en Kickstarter. Al transformar el paso elevado que conecta el lago con Van Buren en una exhibición interactiva y pública de luz y color, Wabash Lights atraerá tanto a visitantes como a residentes locales. En menos de dos semanas, la campaña de Kickstarter ha alcanzado más de la mitad de su objetivo, pero aún se requiere la financiación completa para la fase de prueba beta. Esta prueba resolverá cualquier problema técnico y de diseño en un plazo de 12 meses. Una vez finalizada la fase beta, la inversión de capital financiará la instalación final.
El proyecto incluirá más de 5000 lámparas LED ubicadas bajo las vías del tren en la avenida Wabash. La primera fase contempla la instalación de más de 6000 metros de luces a lo largo de dos cuadras, desde Madison hasta Adams. El bulevar Wabash, una zona normalmente poco iluminada de la ciudad, será renovado por los diseñadores Jack Newell y Seth Unger. Los visitantes no solo podrán admirar los diferentes colores, sino también interactuar con ellos y diseñar sus tonalidades. Mediante un teléfono inteligente o una computadora, podrán programar y personalizar las luces LED a su gusto.
Para donar y obtener recompensas como menciones en Facebook, paquetes para fiestas, camisetas, cenas con artistas y mucho más, apoya el proyecto en Kickstarter.
La última exposición del Museo Nacional de Arte de México, «Exiliados», presenta la obra del artista Rodrigo Lara, residente en Chicago. La muestra, que se inaugura el 24 de julio, incluye instalaciones especializadas dedicadas a la política, la inmigración y la justicia social. La obra retrata principalmente la repatriación de mexicanos en la década de 1930 y el reasentamiento de personas de ascendencia mexicana en Estados Unidos.
La exposición "Aliens Destroyable" se inaugurará el viernes 24 de julio con una recepción de 18:00 a 20:00 horas y estará expuesta en la Galería Kraft hasta el 28 de febrero de 2016.