La rubrica Gapers è stata pubblicata dal 22 aprile 2003 al 1° gennaio 2016. Questo sito rimarrà archiviato. Vi invitiamo a visitare Third Coast Review, un nuovo sito web creato da alcuni ex studenti dell'Università del Kentucky. ✶ Grazie ai vostri lettori e ai vostri contributi. ✶
Ho deciso di fare il grande passo e scrivere l'ultimo post su Gapers Block, rimandando la pubblicazione di circa un'ora. Sono stata editor di pagine a tempo parziale per un anno e autrice di testi teatrali e narrativa per quasi tre anni. Meno di molti autori senior di GB, ma in quel periodo ho scritto 284 articoli. Mi mancherà moltissimo Gapers Block. È stimolante, sia a livello intellettuale che emotivo, avere un luogo dove poter scrivere regolarmente delle arti che amo: teatro, arte, design, architettura e, a volte, libri o musica.
Il mio primo articolo è stato pubblicato nel maggio 2013 sulla pagina del club del libro. Si tratta di un articolo su Richard Hell, artista punk rock degli anni '70, noto soprattutto per la sua maglietta con la scritta "Please Kill Me". Hell ha parlato, risposto a domande e firmato il suo nuovo libro in un seminterrato di una libreria su Lincoln Avenue (ho sognato di essere un senzatetto molto pulito) e ho avuto la fortuna di vedere il bassista e cantante accanto ai Voidoids, Television e Heartbreakers. È stato ancora più utile quando la redattrice del club del libro mi ha chiesto di scrivere un saggio su di lui.
Potrebbe essere la pop art di vostro padre, ma le opere esposte nella nuova mostra del Museum of Modern Art sono ancora fresche e interessanti. L'arte che cinquant'anni fa sconvolse l'élite artistica mondiale ha ancora storie da raccontare.
Organizzata da MCA, Neo-Pop Art Design riunisce 150 opere d'arte e di design in una mostra ricca di arguzia e audacia. Ricorda come "The Art of Campbell's Soup Can" di Andy Warhol fu inizialmente derisa dai non iniziati. Fu allora che i collezionisti più esperti si accorsero delle sue opere e iniziarono ad acquistarle.
Scoprire la verità, raccontare storie mai narrate e lasciar andare le avversità traumatiche può rappresentare una purificazione spirituale ed emotiva. Nel progetto "Kane" di Corinne Peterson, i partecipanti di Chicago sono invitati a prendere parte ai suoi laboratori di argilla e porcellana e a condividere i propri traumi per vederli risplendere. A ciascuno è stato chiesto di creare una "pietra" di argilla per rappresentare la propria oscurità interiore o il proprio trauma, e poi di realizzare un piccolo simbolo di luce in porcellana. Al termine del seminario, Peterson ha mostrato un cumulo di argilla a forma di "roccia" e ha posto un piccolo oggetto di porcellana sopra la stele, a simboleggiare una nuvola di speranza.
Attualmente in mostra al Lillstreet Art Center, la mostra "Cairn and the Cloud: Collective Expressions of Trauma and Hope" di Peterson, realizzata dai partecipanti di oltre 60 workshop, comprende numerose sculture in argilla che invitano alla meditazione e alla riflessione.
Mi sono seduto con l'artista su due poltrone da meditazione nello spazio espositivo e abbiamo discusso delle idee alla base del progetto di Kane e dell'universalità del trauma e della speranza.
Studenti, fotografi e appassionati di storia di Chicago sono immersi nell'ode di Richard Nichol alla città e alla sua memoria. Ma la tipica discussione sulle monete da cinque centesimi di dollaro (nickel) si riduce a una leggenda: persone che hanno dato la vita per la costruzione.
Fortunatamente, la casa editrice Urban Archives Press di Chicago ha pubblicato il suo secondo libro sul fotografo e attivista Richard Nickell: Dangerous Years: What He Sees and What He Writes. Questo libro rappresenta un'opportunità speciale per conoscere il lavoro di Nickell e allo stesso tempo scoprire di più sulla sua persona attraverso oltre 100 fotografie e altri 100 documenti, molti dei quali scritti a mano da Nickell stesso.
Opuscolo contenente una lettera sugli studi di Nickel presso la scuola di design e un suo primo autoritratto.
Otto giovani fotografi iraniani, in rappresentanza di diverse regioni geografiche del loro paese, hanno recentemente allestito una rara mostra presso il Bridgeport Arts Center, al 1200 West 35th Street. La mostra è tuttora visitabile.
Journey Inward presenta il lavoro di otto fotografi iraniani che ritraggono il loro paese con empatia, nell'ambito di un progetto più ampio. Il progetto si articola in due parti. La prima prevede che gli artisti partecipino a un percorso formativo per apprendere dai professionisti del settore attraverso workshop e altre risorse. La mostra rappresenta la seconda parte del progetto.
Forse avrete notato gli striscioni che sfilano per le strade del centro o i clienti affezionati, ma il mese prossimo torna l'evento "One of a Kind Show and Sale" con la sua 15ª edizione della vendita natalizia annuale. Questo evento dedicato allo shopping artigianale riunirà oltre 600 artisti, artigiani e designer provenienti da tutti gli Stati Uniti.
Il 13 novembre, la Elephant Room Gallery inaugura una nuova mostra di Jennifer Cronin, originaria dell'Illinois, il cui nuovo progetto, intitolato Shuttered, presenta una collezione di quartieri degradati del profondo sud degli Stati Uniti, con disegni realistici di case. Quella che segue è un'intervista via e-mail in cui Cronin parla dei suoi esordi nella pittura, del suo interesse per l'architettura di Chicago e della sua attenzione ai dettagli.
Eventi inquietanti e terrificanti ci hanno regalato momenti di puro piacere in questo clima autunnale mite. Streghe e scoiattoli nel corridoio stanno già mangiando zucche in veranda, e spero di non essere l'unica ad aspettarsi brividi e paure spettrali in questo Halloween. Ecco quindi una lista di 14 emozionanti produzioni teatrali e altre attività artistiche (in ordine sparso) per festeggiare Halloween quest'anno.
L'unico locale di Chicago dedicato all'intrattenimento "retrò" vi offre un motivo per godervi burlesque, commedia, circo, magia e vita notturna ogni sera fino alla fine di ottobre. Qui non c'è nessuno tranne le streghe: il Cabaret a tema streghe ogni lunedì alle 19:00. Ogni sera alle 20:00, spettacoli magici vi aspettano all'Uptown Underground, con elementi splatter, striptease, arti circensi e molto altro. Riservato ai maggiori di 21 anni. Si consiglia la prenotazione anticipata. Clicca qui per maggiori informazioni.
Quest'anno, dopo cinque anni, il Museum of Modern Art di Chicago ospiterà la sua 17ª asta di beneficenza d'arte. Opere di oltre 100 artisti, da dipinti a sculture, saranno messe all'asta questo venerdì, alla presenza di oltre 500 ospiti.
In passato, l'MCA ha organizzato aste d'arte per conto di altri musei con grande successo. Nel 2010, il museo ha raccolto 2,8 milioni di dollari dagli acquirenti ed è stato in grado di distribuire il ricavato su diversi esercizi finanziari. "Tutto il denaro viene destinato direttamente a sostenere la missione principale dell'MCA", ha affermato Michael Darling, curatore capo della James W. Alsdorf, le cui responsabilità includono la raccolta fondi per i programmi e le attività didattiche del museo.
Frammenti della nostra psiche si ricompongono per formare ricordi coerenti; la gioia di osservare e celebrare le attività quotidiane attraverso la connessione visiva, il dialogo e l'estetica è al centro delle sculture e delle opere in argilla di Lynn Peters.
Al Lillstreet Arts Center, la mostra "Spontaneity Made Concrete" si concentra su istantanee di vita quotidiana. Le sue opere, appese alle pareti, raffigurano animali, persone e forme che contribuiscono all'assemblaggio di diversi piani coesistenti simultaneamente. Inoltre, Peters utilizza la fotografia e il testo per coinvolgere gli spettatori, combinando molteplici media come sfondo per un nucleo scultoreo. "Stolen Moments" è un'opera di grandi dimensioni composta da quattro sculture, ciascuna intitolata Statua della Libertà, Il Pensatore, Monna Lisa e Senza titolo, un logo in ceramica con lo stesso nome e una fotografia in bianco e nero. L'opera, sia tematicamente che nella presentazione, è la più sperimentale della mostra, utilizzando l'immaginazione, la frammentazione e la visione come fonti di ispirazione. L'immagine del carrello fuori dall'Ark Thrift Store si trova a Wicker Park, con quattro sculture sul muro sullo sfondo. Sebbene il negozio fosse pieno di vestiti, mobili e cianfrusaglie, Peters ha osservato che il carrello vecchio e rotto era il simbolo dell'Arca per la zona. All'interno dell'auto, come nell'Arca, si celano segreti sconosciuti, un mucchio di stracci e le tendenze della moda dell'anno scorso.
VICO a Città del Messico è un progetto video che ospita workshop e laboratori volti a promuovere lo studio del cinema sperimentale e della cinematografia. Recentemente, VICO ha presentato per la prima volta a Chicago la mostra "Antimontage, Correcting Subjectivity", che comprende una serie di cortometraggi realizzati dagli studenti durante un workshop condotto da Javier Toscano. Organizzata in collaborazione con Little House e Comfort Film, la mostra presenta 11 cortometraggi di artisti non convenzionali o creatori che non si considerano affatto artisti.
Il film in primo piano è una serie di immagini, video di YouTube e contesti politici rielaborati che spaziano tra gli ambiti culturali e digitali del Messico. In "My Sweet 15" di Dulce Rosas, diverse ragazze hanno partecipato e si sono esibite alla loro quinceañera (festa dei quindici anni). Tradizionalmente, queste ragazze indossano abiti sontuosi, gioielli e trucco per il loro quindicesimo compleanno. Nel cortometraggio di Rosas, l'artista utilizza filmati di ragazze che ballano, festeggiano e si preparano per la festa imminente. All'inizio del film, una ragazza piange e abbraccia qualcuno. Rappresenta uno o più ruoli futuri nella quinceañera. Il cortometraggio è stato omaggiato, poiché diverse clip mostrano le ragazze che ballano goffamente con delle bambole o posano accanto a macchine costose. A prima vista, sembra un tipico ballo di fine anno per adolescenti americani.
Il weekend di Chicago Expo 2015, presso la Navy Pier Festival Hall, ha ospitato 140 gallerie provenienti da tutto il mondo. In un'atmosfera festosa, THE SEEN, la rivista editoriale indipendente affiliata alla mostra, ha pubblicato il suo primo numero cartaceo durante il weekend, e /Dialogues ha organizzato tre giorni ricchi di tavole rotonde e dibattiti. IN/SITU propone installazioni di grandi dimensioni e opere site-specific in ampi spazi all'interno e all'esterno del Navy Pier.
L'opera più memorabile del progetto IN/SITU, probabilmente grazie alla sua collocazione, è Three Windows di Daniel Buren, che illumina lo spazio ed emana colori mentre pende dal soffitto. Il resto della mostra è passato inosservato nella ressa dei visitatori, e la folla, eccitata, si è concentrata sugli oggetti più piccoli esposti nello stand, lanciando occhiate a ciò che si trovava al piano superiore e invogliando all'acquisto.
Artisti come John Rafman o Paolo Sirio, che utilizzano principalmente Google Street View come mezzo espressivo, creano immagini evocative e inquietanti che spesso confondono i confini delle questioni legali relative alla privacy. Se da un lato fotografare persone per le strade, i vicoli e i giardini di tutto il mondo è emozionante, dall'altro questi artisti si servono del pubblico e di altri strumenti per concettualizzare la sfera pubblica. Dal 2007, la tecnologia panoramica presente in Google Maps e Google Earth è diventata un modo strano e spesso facile per vedere luoghi che le persone non hanno mai visitato o che non volevano visitare.
Immaginate Mark Fisher, un collezionista pubblico delle sue creazioni, e la sua recente mostra Hardcore Architecture a Franklin. Prima del vernissage, l'ho intervistato via email.
Questo fine settimana, oltre 30 artisti invitati presenteranno le loro opere all'Around the Coyote Festival presso il Flat Iron Arts Building di Wicker Park.
Intorno a Coyote si svolge un festival di tre giorni che celebra l'arte e gli artisti di Wicker Park. Da venerdì a domenica, i visitatori possono accedere al Flat Iron Arts Building per visitare gli studi degli artisti, ascoltare musica dal vivo e assistere a spettacoli teatrali. Il festival inizia con una cena di gala venerdì dalle 18:00 alle 22:00.
La sinestesia, come suggerisce il nome, è "una sensazione percepita in parti del corpo diverse da quella simulata" ed è più comunemente associata alla musica percepita come colore. Tra i casi più noti di questa condizione si annoverano David Hockney, Duke Ellington e Vladimir Nabokov.
In una mostra in corso presso l'International Museum of Surgical Sciences, Stevie Hanley esplora l'esperienza quotidiana ed espande i limiti di una singola azione per un'esplorazione più ampia di molteplici prospettive, emozioni e associazioni. Hanley traduce le condizioni mediche in opere d'arte. La sua capacità di collegare il colore e le immagini a osservazioni personali inquietanti e curiose è protagonista della mostra Synesthesia.
Il Museo Internazionale delle Scienze Chirurgiche è ricco di strumenti medici, attrezzature, invenzioni e storie che hanno contribuito alle condizioni bizzarre e in qualche modo misteriose presentate nella mostra. Hanley invita i visitatori in due sale espositive; entrambe includono proiezioni video e installazioni, e solo in una è presente la voce di Dolly Parton.
La mostra "Approaches" di Petr Skvara, composta da dipinti su smalto su griglia e da una collezione di frammenti intitolata "Wreckage, Wreckage, Lagan and Outcasts", è attualmente in corso presso la Andrew Rafach Gallery di River West. I disegni si basano sui segnali a bandiera utilizzati per la comunicazione tra le navi, e il loro significato è ripreso nel titolo. Alcuni dipinti raffigurano significati che possono essere interpretati insieme, come "I'm drifting / Will you give me my place" (2015, smalto su griglia). Altre opere, invece, hanno un significato diverso e insolito, come insiemi di affermazioni. Un dipinto recita: "You are in danger of stay arened / I'm moving forward" (Sei in pericolo di rimanere bloccato / Io vado avanti), un'espressione cupa per chi è in difficoltà.
Il comunicato stampa della galleria per la mostra "Approximation" menziona la bellezza e il sublime associati all'idea di una nave sulle vaste distese del mare. Un altro modo di esprimere il sublime è il desiderio di raggiungere la perfezione nelle linee precise del semaforo, un approccio alla pittura più umano che alla serigrafia.
Lo studio di architettura VOA Associates, Inc., con sede a Chicago, è stato selezionato come vincitore di un concorso di progettazione architettonica della durata di sei mesi, finanziato dalla Fondazione Richard H. Driehaus.
VOA Associates progetterà il Pullman Art Space nel quartiere storico di Pullman, che comprenderà 45 appartamenti a prezzi accessibili per vivere e lavorare, oltre ad aule, spazi espositivi e laboratori. Artspace Project Inc. ha sede a Minneapolis e uffici a Los Angeles, New Orleans, New York, Seattle e Washington DC.
Creando questo spazio creativo, VOA Associates si proponeva di rispettare il carattere storico dell'iconico quartiere di Pullman e di accogliere coloro che sono interessati a integrare la creatività nello spazio pubblico.
In totale, 20 studi di architettura hanno partecipato al concorso e sono stati selezionati 10 semifinalisti. Ciascuno dei tre finalisti ha ricevuto 10.000 dollari per perfezionare i propri progetti, e VOA è stato proclamato vincitore. Pullman Art Space si impegna a mantenere Pullman un ruolo di primo piano nella comunità artistica, offrendo ai suoi residenti un centro creativo coinvolgente.
A partire dal 4 ottobre, diciannove sculture dello scultore di Chicago Charles Ray occupano tre ampie gallerie al secondo piano dell'ala moderna dell'Art Institute. La maggior parte delle opere è figurativa e racconta una storia, come "Sleeping Woman", una scultura in acciaio inossidabile a grandezza naturale che raffigura una senzatetto addormentata su una panchina. Alcune, però, sono sorprendentemente non figurative, e due di esse hanno addirittura scioccato i curatori del museo.
"Unpainted Sculpture" (1997, fibra di vetro e vernice) è una fedele riproduzione di una Pontiac Grand Am Crusher del 1991. Ray era alla ricerca di un'auto incidentata adatta – non troppo danneggiata – e la smontò in modo che ogni parte potesse essere ricostruita in fibra di vetro e poi assemblata per formare un'auto. Diverse persone impiegarono cinque giorni per assemblare la scultura presso la Modern Wing Gallery.
Sono stata alla Hancock Tower solo una volta e non avrei mai pensato di visitare una galleria d'arte, ma ehi, c'è sempre una prima volta. Divertendomi, mi sono ritrovata in mezzo a un folto gruppo di turisti e fotografi che posavano e sorridevano vicino a un'enorme scultura appesa al soffitto della sala. Per accedere allo spazio, ho dovuto fermarmi a un controllo di sicurezza dove mi hanno scansionato la patente e mi hanno dato una ricevuta con codice a barre che mi ha permesso di entrare attraverso un cancello futuristico. Non appena la porta si è aperta, ero già in ascensore e finalmente ho avuto l'opportunità di ammirare le opere d'arte. Avvicinandomi lentamente alle porte a vetri della Richard Gray Gallery, mi sentivo fuori posto e completamente spaesata.
Fondata negli anni '60, la galleria è stata un importante centro creativo per artisti di Chicago e New York. Rivolgendosi ai collezionisti, la galleria pone l'accento sull'importanza dell'arte, dell'autenticità e della qualità. Magdalena Abakanovic, Jan Tichy e Jaume Plensa sono solo alcuni esempi degli artisti rappresentati dalla Richard Gray Gallery.
La nuova mostra "Body Building" inaugura il 6 luglio sotto l'atrio della sala principale della galleria e presenterà le opere di Susan Rothenberg e David Hockney. "Body Building", curata da Gan Ueda e Raven Mansell, presenta opere che spaziano dagli inizi del Novecento ai giorni nostri e si concentra sul rapporto tra la forma umana e la sua percezione in ambito architettonico. Le opere in mostra coprono il periodo dal 1917 al 2012 e mettono in luce una varietà di materiali e tecniche, tra cui cera, inchiostro, lana, matita e collage.
Il Museum of Modern Art continua a esplorare con audacia la fusione tra le belle arti e altre forme creative. La mostra recentemente inaugurata "Principles of Freedom: Experiments in Art and Music 1965 to the Present" celebra il 50° anniversario del gruppo jazz sperimentale di Chicago Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), che continua a spingere i confini del jazz.
La mostra, inaugurata l'11 luglio, occupa le gallerie del quarto piano del museo e si compone di diverse grandi installazioni e pareti ricoperte da dipinti dai colori vivaci che riflettono la vitalità e l'energia della musica. Numerosi materiali d'archivio, come fotografie, manifesti, copertine di dischi, striscioni e brochure, offrono un ricco contesto storico.
Wabash Lights ha avviato una raccolta fondi per un'installazione artistica pubblica sotto la lettera "L" su Wabash Avenue, nell'ambito della sua campagna Kickstarter. Trasformando il cavalcavia che collega il lago a Van Buren in un'esposizione interattiva e pubblica di luci e colori, Wabash Lights attirerà visitatori e residenti. In meno di due settimane, la campagna Kickstarter ha già raggiunto più della metà del suo obiettivo, ma è ancora necessario il finanziamento completo per la fase di test beta. Questo test permetterà di risolvere eventuali problemi tecnici e di progettazione entro 12 mesi. Una volta completata la fase beta, l'investimento iniziale finanzierà l'installazione definitiva.
Il progetto prevede l'installazione di oltre 5.000 lampade a LED sotto i binari di Wabash Avenue. La prima fase prevede l'estensione di oltre 6.000 metri di illuminazione lungo due isolati, da Madison ad Adams. Wabash Boulevard, una zona solitamente scarsamente illuminata della città, sarà rinnovata da due designer, Jack Newell e Seth Unger. I visitatori potranno non solo ammirare i diversi colori, ma anche interagire e personalizzare l'aspetto delle luci. Utilizzando uno smartphone o un computer, sarà possibile programmare e progettare le luci a LED a proprio piacimento.
Per donare e ottenere ricompense come post su Facebook, kit per feste, magliette, cene con artisti e altro ancora, sostieni il progetto su Kickstarter.
La nuova mostra del Museo Nazionale d'Arte del Messico, intitolata "Esiliati", presenterà le opere dell'artista Rodrigo Lara, residente a Chicago. L'esposizione, che aprirà il 24 luglio, includerà installazioni specializzate dedicate alla politica, all'immigrazione e alla giustizia sociale. Le opere raffigurano principalmente il rimpatrio dei messicani negli anni '30 e il reinsediamento delle persone di origine messicana negli Stati Uniti.
La mostra "Aliens Destroyable" verrà inaugurata venerdì 24 luglio con un ricevimento dalle 18:00 alle 20:00 e rimarrà in esposizione presso la Kraft Gallery fino al 28 febbraio 2016.