Es ist gleichermaßen erfrischend wie überraschend, dass die Galeristen James Payne und Joan Sherwell sich entschieden haben, drei Künstler aus New York in ihrer Reihe „Great Cities of Art Explained“ zu vertreten.
Diese Herren wären die naheliegendste Wahl, obwohl nur einer der drei, Basquiat, aus New York stammte.
Drei abstrakte Expressionisten aus New York – Lee Krasner, Elaine de Kooning und Helen Frankenthaler.
Der Beitrag dieser Frauen zur Bewegung war enorm, doch verbrachten Krasner und de Kooning den größten Teil ihrer Karrieren im Schatten ihrer berühmten Ehemänner, der abstrakten Expressionisten Jackson Pollock und Willem de Kooning.
Der New Yorker Abstrakte Expressionismus löste Paris als Zentrum der Kunstwelt ab und wurde zur maskulinsten Kunstrichtung. Die Werke von Krasner, Frankenthaler und Elaine de Kooning werden oft als „feminin“, „lyrisch“ oder „subtil“ bezeichnet, was impliziert, dass sie als etwas weniger anspruchsvoll gelten.
Hans Hofmann ist ein abstrakter Expressionist und betreibt Krasners Atelier in der 8th Street, wo sie nach ihrem Studium an der Cooper Union, der Art Students League und der National Academy of Design auch für das WPA Federal Art Project arbeitete. Er lobte einmal eines ihrer Gemälde mit den Worten: „Es ist so gut, dass man kaum glauben kann, dass es von einer Frau gemalt wurde.“
Penn und Showell beschreiben detailliert, wie die extrovertierte Krasner, die sich bereits in der New Yorker Kunstszene etabliert hatte, wichtige Verbindungen zu Pollock in ihrer Arbeit aufwies, die neben Werken von Picasso, Matisse und Georges Braque ausgestellt wurde. Kurz darauf begann sie eine Liebesbeziehung mit Pollock. Dies geschah auf einer wichtigen Ausstellung französischer und amerikanischer Gemälde in der Macmillan Gallery im Jahr 1942.
Sie heirateten und zogen nach Long Island, doch Kibosh verlor sich erfolglos in ihren Trinkgelagen und außerehelichen Aktivitäten. Er beschlagnahmte eine Scheune im Erdgeschoss für seine Werkstatt, und sie musste sich mit einem Schlafzimmer begnügen.
Während Pollock bekanntermaßen große Leinwände auf dem Boden der Scheune besprühte, schuf Krasner eine Reihe kleiner Bilder auf dem Tisch, wobei er die Farbe manchmal direkt aus der Tube auftrug.
Krasner vergleicht die Schriftzeichen mit dem hebräischen Alphabet, das sie als Kind lernte, aber heute weder lesen noch schreiben kann. Jedenfalls, so sagt sie, gehe es ihr darum, eine persönliche Symbolsprache zu entwickeln, die keine spezifische Bedeutung vermittelt.
Nach dem Tod Pollocks bei einem Autounfall unter Alkoholeinfluss – seine Geliebte überlebte – sagte Krasner, das Scheunenstudio diene ihrer eigenen künstlerischen Tätigkeit.
Dies ist ein entscheidender Schritt. Nicht nur ihre Arbeiten wurden umfangreicher, sondern sie wurde auch von Ganzkörperbewegungen im kreativen Prozess beeinflusst.
Zehn Jahre später hatte sie ihre erste Einzelausstellung in New York, und 1984, sechs Monate vor ihrem Tod, veranstaltete das MoMA eine Retrospektive für sie.
In einem sehr interessanten Interview mit Inside New York's Art World im Jahr 1978 erinnerte sich Krasner daran, dass ihr Geschlecht in den Anfängen keinen Einfluss darauf hatte, wie ihre Arbeit wahrgenommen wurde.
Ich ging auf ein Gymnasium, auf dem nur Künstlerinnen waren. Danach war ich an der Cooper Union, einer Kunsthochschule für Mädchen, ebenfalls nur Künstlerinnen. Und selbst später, als ich im Rahmen des WPA-Programms arbeitete, war es nichts Ungewöhnliches, als Frau Künstlerin zu sein. All das begann erst relativ spät, vor allem, als sich die Kunstszene von Paris nach New York verlagerte. Ich glaube, diese Zeit nennt man Abstrakten Expressionismus, und plötzlich gab es Galerien, Preise, Geld und Aufmerksamkeit. Bis dahin war es eine eher ruhige Szene. Erst da wurde mir bewusst, dass ich eine Frau war und in einer bestimmten Situation steckte.
Elaine de Kooning war abstrakte Porträtmalerin, Kunstkritikerin, politische Aktivistin, Lehrerin und „die schnellste Malerin der Stadt“, doch diese Leistungen stehen oft im Schatten derer von Mrs. Willem de Kooning, deren Partner „Abstrakter Expressionismus“ ist.
Die Erklärung der großen Kunststadt enthüllt, dass ihre zwei Jahrzehnte währende Entfremdung von William – sie versöhnten sich, als sie in ihren Fünfzigern war – eine Zeit des persönlichen und künstlerischen Wachstums war. Inspiriert von den Stierkämpfen, die sie auf ihren Reisen miterlebt hatte, richtete sie ihren energischen, weiblichen Blick auf Männer und erhielt den Auftrag, das offizielle Porträt von Präsident Kennedy zu malen.
Alle seine Skizzen musste er sehr schnell anfertigen, indem er Gesichtszüge und Gesten erfasste, halb auswendig gelernt, selbst meiner Meinung nach, da er nie still saß. Anstatt gehetzt zu wirken, saß er da wie ein Sportler oder Student und wippte auf seinem Stuhl hin und her. Anfangs störte mich dieser jugendliche Eindruck, weil er eben nie stillsitzen konnte.
Wie Krasner und Elaine de Kooning gehörte auch Helen Frankenthaler zum goldenen Paar der abstrakten Expressionisten, aber sie war nicht dazu bestimmt, eine enttäuschende zweite Geige neben ihrem Ehemann Robert Motherwell zu spielen.
Dies ist sicherlich auf ihre bahnbrechende Entwicklung der „Dip-Painting“-Technik zurückzuführen, bei der sie mit Terpentin verdünnte Ölfarbe direkt auf eine flach liegende, ungrundierte Leinwand gießt.
Als sie Frankenthalers Atelier besuchten und ihre ikonischen Berge und Meere am Himmel sahen, verwendeten auch die abstrakten Maler Kenneth Nolan und Maurice Lewis diese Technik sowie ihre Vision für die breite, flächige Farbgebung, die später als Gamut-Malerei bekannt wurde.
Wie Pollock wurde auch Frankenthaler im LIFE-Magazin vorgestellt, wobei, wie Art She Says betont, nicht alle Künstlerporträts in LIFE gleich sind:
Der Dialog zwischen diesen beiden Darstellungen scheint eine Geschichte von gesellschaftlich bedingter männlicher Energie und weiblicher Selbstbeherrschung zu erzählen. Pollocks dominante Haltung ist zwar ein zentraler Bestandteil seiner künstlerischen Praxis, doch das Problem liegt nicht darin, dass er steht und sie sitzt. Vielmehr ermöglicht uns Pollock einen Einblick in die intime Seite seiner schmerzhaften und zugleich innovativen Arbeit. Im Gegensatz dazu bestärkt Frankenthaler Parks unsere Vorstellung von Künstlerinnen als sorgfältig gestalteten, gemeißelten Figuren, so perfekt wie die Meisterwerke, die sie schaffen. Obwohl die Werke sehr abstrakt und instinktiv wirken, wird jeder Pinselstrich als kalkulierter, makelloser Moment visueller Erleuchtung betrachtet.
Es gibt drei Themen, über die ich nicht gerne spreche: meine früheren Ehen, Künstler und meine Ansichten über Zeitgenossen.
Für alle, die mehr über diese drei abstrakten Künstler erfahren möchten, bieten Penn und Schuwell folgende Buchempfehlungen an:
Die Frauen der Ninth Street: Lee Krasner, Elaine de Kooning, Grace Hartigan, Joan Mitchell und Helen Frankenthaler: Fünf Künstlerinnen und die Bewegung, die die zeitgenössische Kunst veränderte von Mary Gabriel
Drei Künstlerinnen – Amy von Lintel, Bonnie Roos und andere – trugen zur Verbreitung des Abstrakten Expressionismus im amerikanischen Westen bei.
Pionierinnen der Bauhaus-Kunstbewegung: Die Entdeckung von Gertrud Arndt, Marianne Brandt, Anna Albers und anderen vergessenen Innovatorinnen
Ein kurzer sechsminütiger Streifzug durch die zeitgenössische Kunst: Wie gelangt man von Manets „Das Frühstück im Grünen“ (1862) zu Jackson Pollocks Drip Painting aus den 1950er Jahren?
Vulgäre Nazi-Empörung gegen abstrakte Kunst und die „Ausstellung entarteter Kunst“ von 1937.
— Ayun Holliday ist leitende Primatologin beim East Village Inky Magazin und hat kürzlich das Buch „Creative But Not Famous: The Little Potato Manifesto“ veröffentlicht. Folgen Sie ihr auf Twitter: @AyunHalliday.
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Die fehlende Repräsentation: Alma W. Thomas ist eine schwarze abstrakte Expressionistin und war die erste schwarze Frau, die sich der Washington School of Color anschloss – der „Schule der Ideen“ – und die erste in Whitby. Sie hatte eine Einzelausstellung in Ni und war die erste Künstlerin, deren Werk vom Weißen Haus angekauft wurde – eine Geschichte, die gleichermaßen kurios wie traurig ist und typisch dafür, wie oft schwarze Künstler*innen in Vergessenheit geraten. Ihre Werke werden derzeit in vier Museen der Stadt in einer Retrospektive gezeigt, und ein Kurzfilm über ihr Leben und Werk wurde im vergangenen Jahr auf über 38 Festivals präsentiert. https://missalmathomas.com https://columbusmuseum.com/alma-w-thomas/about-alma-w-thomas.html
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